Biografías de Músicos

Ir abajo

Biografías de Músicos

Mensaje  Greek el Mar Mar 06, 2012 6:10 pm





Biografías de Músicos

Como ya muchos saben, la música es mi pasión, así que abriré este hilo en donde pienso subir biografías de todos los músicos y grupos músicales que a mí me gustan.

Si alguien quiere aportar algo o corregirme, son bienvenidos. lol!

Saludos y espero les guste.


avatar
Greek
Admin

Mensajes : 785
Puntos : 14278
Reputación : 995
Fecha de inscripción : 03/03/2012
Edad : 49
Localización : En tu corazón

Volver arriba Ir abajo

The Beatles

Mensaje  Greek el Lun Mar 12, 2012 3:16 am



The Beatles fue un grupo de rock británico. El cuarteto se formó en la ciudad de Liverpool (Inglaterra) en 1957 y se disolvió en 1970. Es considerado como uno de los grupos musicales más influyentes y exitosos de todos los tiempos.

El grupo estaba compuesto por:

John Winston Lennon (Liverpool, 9 de octubre de 1940 - Nueva York, 8 de diciembre de 1980)
James Paul McCartney (Liverpool, 18 de junio de 1942)
George Harold Harrison (Liverpool, 25 de febrero de 1943 - Los Ángeles, 29 de noviembre de 2001)
Richard Starkey (Ringo Starr) (Liverpool, 7 de julio de 1940)
Aunque Lennon y McCartney fueron los principales compositores, Harrison y Starr hicieron significativas contribuciones a la maduración de la banda a través de los años. George Martin produjo todos sus álbumes a excepción de Let It Be, el cual fue producido por Phil Spector.

A veces se llama el "quinto Beatle" a su mánager Brian Epstein (Liverpool, 19 de septiembre de 1932 - Londres, 27 de agosto de 1967) otras veces a su productor George Martin (Londres, 3 de enero de 1926), o a Billy Preston (Houston, Texas, 9 de septiembre de 1946 - Scottsdale, Arizona, 6 de junio de 2006).

Cabe destacar que, aunque popularmente se dice que los Beatles eran una banda de pop, en realidad, su música era Rock and roll, inconfundible en su álbum Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, y por su gran influencia en el rock que ellos revolucionaron.



Historia

La Era Prebeatle


George Harrison - 1964. En la segunda mitad de la década de 1950, John Lennon y sus amigos Pete Shotton, Nigel Valley e Ivan Vaughan formaron un grupo de música al que llamaron The Quarrymen y al cual, en la fiesta parroquial de la iglesia de San Peter en Woolton del 6 de julio de 1957, se añadió Paul McCartney; seguido poco más tarde por George Harrison, que era amigo de Paul. The Quarrymen empezó a tocar en diversos locales de Liverpool, momento en el que se les unió el pintor Stuart Sutcliffe al que convencieron para que se comprara un bajo con los beneficios de una exposición de pintura. El nombre del grupo iría sufriendo nuevas variaciones, como Johnny and the Moondogs, Long John and Silver Beatles, The Silver Beatles, hasta optar finalmente por el de The Beatles.

El grupo de Liverpool comenzó a forjar sus destrezas y acumular experiencia escénica en la ciudad de Hamburgo, Alemania a donde llegaron en Agosto de 1960. Con la promesa de tocar regularmente en el club Kaiserkeller, dirigido por Bruno Koschmider, Alan Williams envió a los Silver Beatles a Hamburgo. Fue antes de su partida que al grupo se le unió Pete Best como baterista, miembro que hacía falta. Otro gran cambió fue el reemplazo del nombre Silver Beatles por sólo Beatles.

Pero una vez más el quinteto entró en una completa desilusión. No estaban tocando en el Kaiserkeller, sino en un sucio y triste lugar llamado el Indra Club. The Beatles tenía que tocar una gran cantidad de horas y a cambio Bruno les proporcionaba un lugar donde vivir. Pasó el tiempo y el contrato de The Beatles fue ampliado, de manera que éstos pasaron a tocar por fin en el Kaiserkeller. Pero no duró mucho más su relación con Koschmider, ya que al finalizar su contrato se pasaron a un nuevo club llamado Top Ten. Cuando Bruno se enteró de la "traición" les mandó a la policía, que obligó a George a volver a Liverpool debido a que no tenía 18 años y le faltaba documentación para trabajar. Una vez más el grupo de John encontraba una piedra en el camino.

Todos volvieron a Liverpool. Pero una vez que George cumplió 18 años, volvieron a Hamburgo a presentarse en el club Top Ten. Durante su segunda estadía en Hamburgo, luego de una de sus cuantiosas funciones, el grupo fue ferozmente atacado por una pandilla de Teddy Boys, que le provocaron a Sutcliffe un tumor cerebral, el cual fue, tiempo después, el factor de su muerte. The Beatles regresaron hacia los 60 a Liverpool, y Stu se quedo en Hamburgo con Astrid, una fotógrafa que había conocido allí. La formación de The Beatles quedó definitivamente consolidada con John, Paul, George y Pete Best.

Cuando volvieron a su ciudad natal eran tan populares que un joven que estaba encargado de la sección de discos en un negocio familiar de venta de muebles y electrodomésticos (NEMS) fue a verlos tocar. El joven era Brian Epstein, que les tomó como manager. Fue gracias a él que el look de los Beatles en sus primeras épocas fuese uniformado y pulcro.

Los Beatles fueron rechazados por muchas compañías de discos, como la Decca, que, sin embargo, después contrataría a los Rolling Stones para enmendar su error. Fue George Martin, un joven productor de una subdivisión de EMI, la hasta entonces impopular Parlophone quien los admitió para grabar un primer disco, aunque bajo la condición de emplear a un baterista profesional, lugar que por entonces ocupaba Pete Best. Debido a diferencias musicales y el supuesto desinterés de Best con el grupo, los otros Beatles decidieron despedirlo para reemplazarlo por Ringo Starr (nacido Richard Starkey) quien les prestaba ayuda cuando Best no se sentía motivado para colaborar con la banda. El resultado fue su primer single, Love Me Do, que alcanzó un buen puesto en las listas de ventas para ser un primer disco, pero que, desde luego, no fue un número uno.


La Beatlemanía

Ringo Starr - 1964. Ya en 1963, Please, please me y poco después From me to you y She loves you accederían de nuevo a puestos de honor en las listas británicas. Su primer LP Please Please Me (1963), grabado íntegramente en un solo día, permaneció 29 semanas en el número 1 y 61 semanas en el top 10, batiendo el récord de permanencia de un disco en lo más alto del ranking británico. Después siguieron con With The Beatles.

Lo que había que hacer a continuación, según Epstein, era invadir el mercado norteamericano. Con gran anticipación publicitaria y con un nuevo sencillo bajo el brazo, el archipopular I Want To Hold Your Hand, los Beatles llegaron a Estados Unidos el 7 de febrero de 1964, sólo unos meses después del asesinato del presidente John F. Kennedy. Alcanzaron el número 1 en los Estados Unidos justo antes de la gira americana de 1964, un país históricamente contrario a los grupos británicos, batiendo récords de audiencia en sus actuaciones televisivas (en el Show de Ed Sullivan) y vendiendo millones de discos.

Este fenómeno fue denominado Beatlemanía, especialmente porque sus fans gritaban y bailaban al ritmo de sus canciones.

Rodaron su primera película A Hard Day’s Night consiguiendo muy buenas críticas, comparándolos con los mismísimos hermanos Marx. El disco de la banda sonora de la película A Hard Day’s Night y Beatles For Sale fueron lanzados en 1964.

En 1965 rodarían otra película Help!, dando lugar al disco del mismo título, en el que se incluía la canción Yesterday, titulada originalmente por McCartney "Scrambled eggs" También en el 65 editarían otro disco casi fantástico en el que ya se veían aires de cambio en la música, RUBBER SOUL. En este disco la música de los beatles ya se veía más compleja de todo lo anterior escuchado de la banda, grandes melodías, mas efectos de sonido y unos beatles que tenían un plus de inspiración por su entrada en el mundo de las drogas, quizás este factor permitió que ellos tengan mas libertad en la creación y experimentación de la música y este disco fue el nexo entre la BEATLEMANIA y la desinhibición musical que vemos en su próxima etapa, quizás la más rica.


La evolución

Paul McCartney - 1964. En su siguiente álbum, Revolver, que sale a la venta en agosto de 1966 se puede ver un trabajo ciclópeo de producción arropando melodías y ritmos novísimos, frescos y vanguardistas. George Martin se había hecho perfecto cómplice de las inquietudes del cuarteto y se acopló maravillosamente a los nuevos paisajes que ofrecía la música de Revolver, paisajes que iban de lo clasicista a lo iconoclasta, de lo simple a lo intrincado, demostrándonos a lo largo de sus múltiples transformaciones la presencia de un amigo poderoso y diferente a todo lo que antes había sido materia prima para la inspiración del grupo: el LSD, viejo conocido y souvenir de sus recientes giras por América, y presente ya, aunque de manera tímida en algunos pasajes de "Rubber soul", era aquí en Revolver el protagonista.

Pero, a pesar de tantos éxitos, el grupo tendría que hacer frente a diversos escándalos, siendo el más destacable el producido a raíz de una entrevista de John Lennon en la que afirmaba que «los Beatles eran en ese momento más famosos que Jesucristo» (en realidad lo que Lennon había querido decir era que «El Cristianismo esta tan en Decadencia que Los Beatles son más famosos que Jesus»). En multitud de países fanáticos religiosos organizarían quemas de discos y la banda fue vetada en la radio.

Los Beatles abandonaron las giras definitivamente siendo el concierto de San Francisco el día 29 de agosto de 1966 el último de su carrera. Después de esto el grupo se dedicaría a descansar y a preparar su próximo disco (Sgt. Pepper's Lonely Hearts club Band).

A finales de 1966, se publica un álbum recopilatorio de Parlophone llamado A Collection of Beatles' Oldies, en el que incluye los éxitos antiguos Beatles, incluyendo un tema inédito del rockero Larry Williams Bad Boy, de la época del Cavern Club.

El 1 de Junio de 1967 lanzaron su obra más innovadora, Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, un LP que marcaría el nacimiento de la música psicodélica y supuso un rotundo éxito mundial para el grupo británico, que alcanzó el número uno simultáneamente en las listas británicas y estadounidenses. La memorable portada fue hecha por Peter Blake. Esta tapa estaba en la duda de la EMI por los problemas que podría traerles ya que en este collage estaban casi cien caras muchas de famosos, y la compañía buscaba no tener conflictos judiciales, se eliminó la imagen de mohandas Ghandi y la imagen de Jesucristo para no generar conflictos tanto en la india como en la comunidad cristiana, ya dolida por las declaraciones de Lennon en 1966 al decir que "los Beatles son más populares que Jesucristo".

Los Beatles serían los representantes del Reino Unido en la primera emisión vía satélite en televisión para todo el mundo, interpretando All you need is love el 25 de junio de 1967.

El 27 de agosto de 1967 muere su mánager Brian Epstein de una sobredosis accidental de medicamentos (aunque también se ha contemplado la hipótesis del suicidio), tras este fallecimiento los Beatles nunca levantarán cabeza en el plano económico embarcándose en proyectos que fracasarán estrepitosamente y que serán otro motivo a tener en cuenta en la disolución de la banda. También en 1967, bajo una idea de Paul McCartney, produjeron la película para televisión Magical Mystery Tour, con la posterior edición del trabajo discográfico del mismo nombre.


El fin de la Banda

John Lennon - 1969. En 1968 publican el álbum y la película Yellow Submarine. John Lennon conoce por esta época a la artista japonesa Yoko Ono, la cual lo influenciará enormemente, creando una continua molestia en el seno de la banda.

Con la gran cantidad de canciones compuestas en la India y a su regreso en Londres, editaron el doble LP The Beatles, más conocido como el "Álbum Blanco". Este periodo del grupo se cerraría con Hey Jude siendo uno de los singles más vendidos de la historia.

Pero las tensiones dentro del grupo iban siendo cada vez más notables. Todo esto quedaría grabado en el siguiente proyecto, el documental que empezó llamándose Get Back para terminar siendo Let It Be. Después de dar el famoso "concierto de la azotea" en el edificio de su sello discográfico Apple en el centro de Londres el 30 de Enero de 1969, los Beatles no quedaron contentos con el disco y no se editaría hasta casi un año después con orquestación a cargo de Phil Spector.

Los Beatles decidieron entrar en el estudio por última vez para grabar el que iba a ser su último disco (aunque se puso a la venta antes que Let it be), el imprescindible Abbey Road (1969).

Lejos de unir al grupo el disco acabo por separarlo del todo, juntándose en pocas ocasiones los cuatro a la vez en el mismo estudio.

Tras la publicación de Let It Be, en 1970, las desavenencias en el seno de la formación acabaron con la disolución de la misma cuando, el 10 de Abril de aquel año, McCartney anuncia que deja el grupo y cada miembro continua su carrera musical en solitario, sin que fructificase ninguno de los intentos de volver a reunirlos.


Discografía oficial mundial

Álbumes


Please Please Me (1963-03-22)
With The Beatles (1963-11-22)
Meet The Beatles! (1964-02-01)
A Hard Day's Night (1964-07-10)
Beatles For Sale (1964-12-04)
Help! (1965-08-06)
Rubber Soul (1965-12-03)
Revolver (1966-08-05)
Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (1967-06-01)
Magical Mystery Tour (1967-12-08)
The Beatles (The White Album) (1968-11-22)
Yellow Submarine (1969-01-17)
Abbey Road (1969-09-26)
Let It Be (1970-05-08)
Beatles Reel Music(1982)
The Beatles One(2000)
Let It Be... Naked(2003)

Singles

Love Me Do / P.S. I Love You (1962-10-05)
Please Please Me / Ask Me Why (1963-01-11)
From Me To You / Thank You Girl (1963-04-11)
Do You Want To Know A Secret? / Thank You Girl (1963-08-11)
She Loves You / I'll Get You (1963-08-23)
I Want To Hold Your Hand / This Boy (1963-11-29)
Can't Buy Me Love / You Can't Do That (1964-03-20)
A Hard Day's Night / Things We Said Today (1964-07-10)
I Feel Fine / She's A Woman (1964-11-27)
Ticket To Ride / Yes It Is (1965-04-09)
Help! / I'm Down (1965-07-23)
Day Tripper / We Can Work It Out (1965-12-03)
Paperback Writer / Rain (1966-06-10)
Yellow Submarine / Eleanor Rigby (1966-08-05)
Penny Lane / Strawberry Fields Forever (1967-02-17)
All You Need Is Love / Baby You're A Rich Man (1967-07-07)
Hello Goodbye / I Am The Walrus (1967-11-24)
Lady Madonna / The Inner Light (1968-03-15)
Hey Jude / Revolution (1968-08-30)
Get Back / Don't Let Me Down (1969-04-11)
The Ballad Of John And Yoko / Old Brown Shoe (1969-05-30)
Something / Come Together (1969-10-31)
Let It Be / You Know My Name (Look Up The Number) (1970-03-06)

Compilaciones

A Collection of Beatles' Oldies (But Goldies!) (1966)
(19/04/1973) The Beatles / 1962-1966
(19/04/1973) The Beatles / 1967-1970
(08/03/1988) Past Masters Vol. 1
(08/03/1988) Past Masters Vol. 2
(30/11/1994) Live At The BBC
(21/11/1995) Anthology 1
(18/03/1996) Anthology 2
(28/10/1996) Anthology 3
(13/09/1999) Yellow Submarine Songtrack
(13/11/2000) One
(17/11/2003) Let It Be... Naked
(15/11/2004) The Capitol Albums Vol. 1
(11/04/2006) The Capitol Albums Vol. 2

Discos no autorizados

Además de su discografía oficial, desde bien pronto empezaron a circular discos con material de The Beatles que jamás fue lanzado en vinilos originales, conocidos por muchos como bootlegs (discos con material pirata en inglés); primero comenzaron a circular en discos de vinilo y, desde finales de la década de 1980, en formato digital. Existen literalmente miles de discos con material inédito del grupo de Liverpool que contienen desde conciertos hasta sesiones de estudio, pasando por demos caseras. El primero de ellos apareció ya en 1969 y se tituló Kum Back: el disco incluía una de las mezclas realizadas por el productor Glyn Johns para el futuro lanzamiento de The Beatles, titulado por entonces todavía como Get Back y que al ser remezclado y publicado en 1970 recibiría el título definitivo de Let it be. A lo largo de casi dos décadas fue relativamente poco el material que fue saliendo a la luz, muchas veces de pésima calidad, con errores en las identificaciones de las canciones y, en más de una ocasión, con flagrantes errores de atribución. La colección de Ultra Rare Trax, vols. 1-8, publicada primero en vinilo en 1987 y no mucho después en formato digital, marcó un hito en la historia de los bootlegs de The Beatles al incluir material de estudio en estéro de calidad excepcional. A partir de entonces comenzó lo que se ha considerado la edad dorada de los discos piratas de The Beatles, con lanzamientos regulares de enorme calidad que sacaron a la luz cientos de horas de grabaciones inéditas, y que duró hasta poco después del año 2000. Actualmente parece que la mayor parte del material que circulaba en manos de coleccionistas privados ha salido a la luz en estos discos piratas y los últimos lanzamientos presentan muy poco material novedoso y, en la mayoría de los casos, poco interesante. No obstante, se sabe que todavía hay material inédito que ha sido adquirido por compradores particulares en subastas y que es posible que vea la luz algún día. De entre las numerosas discográficas piratas que a lo largo de los años han ido sacando discos con material inédito sobresalen dos: Yellow Dog y Vigotone (ambas desmanteladas en parte o totalmente por la policía en los últimos años). La calidad de algunos de estos lanzamientos, tanto en lo referente al contenido sonoro como a la presentación (superiores en algunos casos a los discos oficiales) contribuyó a que EMI y Apple Records se decidieran a lanzar en la década de los 90 nuevos productos con material inédito tras décadas de planes frustrados, como el doble disco con canciones grabadas por el grupo de Liverpool en los estudios de la BBC o los seis discos que componen la trilogía de Anthology.

A continuación figuran algunos de estos discos:

Kum Back
Day by Day
Sessions
Get Back Sessions
Anthology More
Anthology Plus
Ultra Rare Trax, vols. 1-8
Unsurpassed Masters
The Alternate Revolver
The Lost Pepperland Reel
Nothing Is Real
Off White
What A Shame, Mary Jane Had A Pain At The Party
The 1968 Demos
Jamming With Heather
studio 2 at abbey road sessions 1
studio 2 at abbey road sessions 2
'69 Rehearsals Vol.1-3
Rubber Soul Sessions (Bootleg)
White Sessions

Canciones Destacadas

Something
Hey Jude
A Day In The Life
Helter Skelter
Help!
I Want To Hold Your Hand
Strawberry Fields Forever
With A Little Help From My Friends
Here Comes The Sun
Come Together
Let It Be
Across The Universe
Eleanor Rigby
She Loves You
I Am The Walrus
Revolution
Lucy In The Sky With Diamonds
Golden Slumbers/Carry That Weight/The End
While My Guitar Gently Weeps
Back In The U.S.S.R
Tomorrow Never Knows
Yesterday
Get Back
Michelle
All You Need Is Love
Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band
Free As a Bird (La "última" canción por los Beatles, "Free As a Bird" fue compuesta originalmente por John Lennon, pero fue grabada en 1994 por Harrison, McCartney y Starr, con la ayuda de material hecho por Lennon en 1977.)


avatar
Greek
Admin

Mensajes : 785
Puntos : 14278
Reputación : 995
Fecha de inscripción : 03/03/2012
Edad : 49
Localización : En tu corazón

Volver arriba Ir abajo

Pink Floyd

Mensaje  Greek el Lun Mar 12, 2012 3:20 am





Pink Floyd, grupo Británico de música rock que ha trabajado los subgéneros de rock progresivo, rock psicodélico, sinfónico, ácido, conceptual y espacial. Fueron de los primeros en producir videos y películas musicales a partir de sus trabajos. En los años 1970 fueron el grupo que más discos vendió en todo el mundo y fueron pioneros en el terreno del sonido psicodélico.


Historia
Pink Floyd nació un día 5 de junio de 1964 a partir de una banda anterior que utilizó distintos nombres, (Sigma 6, T-Set, Megadeaths, The Screaming Abdabs, The Architectural Abdabs y The Abdabs), llegando a denominarse The Pink Floyd Sound, para quedarse posteriormente en The Pink Floyd y finalmente sólo Pink Floyd al publicar su primer disco en 1967. El nombre proviene de dos músicos de blues, Pink Anderson y Floyd Council.

Los componentes originales de Pink Floyd fueron: Bob Klose (guitarra solista), Syd Barrett (voces, guitarra rítmica), Richard Wright (voces, teclados), Roger Waters (voces, bajo) y Nick Mason (batería). Syd Barrett dominaba la composición influido por el rock psicodélico y el rock surf, lo que propició la salida de Bob Klose, (más cercano al jazz), y dejando un cuarteto más estable.

En 1968, Syd Barrett, cuya salud mental se había deteriorado, debido a sus experimentaciones con diversas drogas pesadas, incluido el LSD, comenzó a hacerse cada vez más impredecible y los espectáculos del grupo fueron resintiéndose cada vez más, por tal motivo, el grupo llamó a David Gilmour para asistir a Barrett en la guitarra y voces cuando éste sufriera alguno de sus bloqueos mentales. Sin embargo, esta solución no resultó práctica y los demás simplemente dejaron de llevarlo a los conciertos. Barrett había compuesto la mayor parte del primer álbum del grupo The Piper at the Gates of Dawn (1967) y una pequeña parte del segundo álbum A Saucerful of Secrets (1968). Poco a poco la figura de Barrett se hizo cada vez más ausente, hasta que finalmente dejó de participar en los trabajos con el grupo. Los demás componentes siempre lo recordarían con afecto y llegarían a dedicarle canciones como "Wish You Were Here" y "Shine on you crazy diamond". De esta forma empezaron a componer y liderar el grupo Gilmour y Waters. Finalmente, Barret falleció el 7 de julio de 2006.

Después de la banda sonora de la película More (1968), su siguiente disco fue el doble Ummagumma (grabado entre Birmingham y Manchester en 1969), una mezcla de temas en directos por una parte y experimentos de estudio por la otra en la cual cada tema fue compuesto por cada uno de los miembros de la banda, cuyos temas ocupaban la mitad de una cara (unos 10 minutos cada uno).

En 1970 lanzaron Atom Heart Mother, (número uno en Reino Unido), en cuya orquestación colaboró Ron Geesin; era un trabajo que sin embargo pareció no satisfacer mucho al grupo. Más acertados se sintieron con Meddle (1971), que incluye "Echoes" de 23 minutos, y la leyenda de haber sido compuesta también con la intención de ser el soundtrack paralelo del "Tercer Acto: Misión a Júpiter" de la película 2001: Una odisea del espacio. El estilo pop-jazz de "San Tropez", la atmosférica "One of These Days", una obra clásica con una voz distorsionada que amenaza con "cortarte en trocitos uno de estos días" y "Seamus", en la que dan rienda suelta a su gusto por la experimentación están también incluidos en el disco. Un álbum menos conocido, Obscured By Clouds, salió en 1972 como la banda sonora de la película La Vallee.

A pesar de que Pink Floyd editó pocos singles, como Arnold Layne y See Emily play, cuando produjo el exitoso álbum Dark Side of the Moon, el tema "Money" fue número uno en los Estados Unidos, el disco estuvo alrededor de 14 años en la lista de los 100 principales, rompió varios records y es uno de los más vendidos de todos los tiempos. Dark Side of the Moon es una obra conceptual en la que se mezclan referencias a la neurosis, la locura y la fama, y técnicamente fue una innovación al utilizar un nuevo equipo de 16 pistas en los estudios de Abbey Road con el ingeniero de sonido Alan Parsons a los mandos de la edición, constituyendo un nuevo estándar en la alta fidelidad. El álbum también es fuente de una leyenda urbana que dice que fue concebida como banda sonora alternativa de la película El Mago de Oz de 1939, versión que fue desmentida por el grupo.

Dark Side of the Moon junto con los tres siguientes discos, Wish You Were Here, Animals y The Wall se suelen considerar como la cumbre de la carrera de Pink Floyd.

Wish You Were Here se publicó en 1975 como un tributo a Syd Barrett que contiene letras explícitas sobre su proceso y separación. En el álbum destacan el tema "Shine On You Crazy Diamond", básicamente instrumental y que recibió los elogios de la crítica, y "Wish You Were Here", que dio título al trabajo.

Por 1977, cuando se publicó Animals, Pink Floyd comenzó a recibir críticas por ser excesivamente pretenciosos y flojear en la composición, perdiendo la senda de la simplicidad del rock and roll anterior. Animals contiene largas canciones asociadas a un tema, tomado en parte de la novela Rebelión en la granja (Animal Farm) de George Orwell, que utiliza cerdos, perros y ovejas como metáfora de la sociedad contemporánea, estando más presente en la instrumentación la guitarra que en sus otros trabajos.

En 1979 se publica la opera rock The Wall, concebida principalmente por Roger Waters, que devolvió a Pink Floyd a las listas de éxitos y que actualmente es el tercer disco más vendido en la historia. Entre otros, el tema "Another Brick in the Wall, Part II", una crítica a la educación infantil, fue número uno y se convirtió casi en himno contra el sistema educativo (principalmente al sistema educativo inglés). Otro tema, "Comfortably Numb", que nunca se editó como single, se convirtió en pieza fundamental de todas las listas y hoy en día es una de las canciones más conocidas del grupo, teniendo como curiosidad que es la única canción de sus últimos cuatro discos en la que no hay continuidad con la canción anterior ni siguiente. Con The Wall el grupo hizo una gira mundial con un colosal montaje que incluía la construcción de un muro gigante que iba ocultando el escenario y que finalmente era destruido, todo ello siguiendo la historia de esta obra conceptual. El álbum fue coproducido por Bob Ezrin, quien fue llamado para servir como mediador entre Gilmour y Waters, debido a las continuas discusiones que se producían entre ambos. Ezrin había producidos discos para Alice Cooper y el grupo KISS. Además de como productor, Ezrin participó en la composición del tema "The Trial".

El carísimo montaje de The Wall generó grandes pérdidas económicas y fue una piedra más en los engranajes de la banda, unido a que se hizo patente el liderazgo de Roger Waters, creando frecuentes conflictos con los otros miembros del grupo y llegando a provocar la salida de Richard Wright, que volvió a participar en algunos conciertos de la gira pero ya contratado por un salario fijo, (irónicamente esto permitió que Wright fuera el único que ganara algo de dinero).

The Wall es una obra conceptual, una opera rock con una historia completa pensada para ser llevada al cine, aunque hasta 1982 no vio la luz la película Pink Floyd: The Wall, adaptada por el propio Roger Waters, dirigida por Alan Parker y protagonizada por Bob Geldof, el líder del grupo Boomtown Rats. La película contiene notables escenas de animación realizadas por Gerald Scarfe, colaborador desde hacía tiempo de los Pink Floyd, y que siguieron la misma línea de sus diseños para la carpeta del doble álbum de 1979. En la película se incluyeron temas que no figuran en el álbum original y que completan la historia, y lamentablemente excluyeron "Hey You", una pieza magnífica.

En 1983 vio la luz The Final Cut (literalmente el último corte, que anunciaba su último trabajo juntos), que retomaba trabajos no incluidos en "The Wall" y que mantenía su misma atmósfera, algo más oscura quizás. También significó la aparición de canciones relacionadas con temas de actualidad, algo impuesto por Roger Waters y que ha seguido haciendo en su carrera en solitario, como el corte "The Fletcher Memorial Home" en el que se refleja la rabia de Waters en relación a la intervención británica en la Guerra de las Malvinas. Algo más habitual en el grupo como la crítica social, pero orientado a otra de las fobias de Waters a partir de aquí, es el tema "Two Suns in the Sunset" sobre el cinismo y el miedo de la guerra nuclear. Aunque el álbum fue publicado por Pink Floyd como grupo, parece claro que ya respondía al proyecto personal de Waters y es clara la continuidad sonora, estética y temática con su posterior carrera en solitario. Quizás salvo por la estela de éxito de The Wall y la emoción de los seguidores del grupo ante su disolución, el tema "Not Now John" apareció durante algún tiempo en las listas de éxitos.

Después de The Final Cut, los componentes del grupo separaron sus carreras y comenzó una batalla legal por los derechos del nombre de la banda, fundamentalmente entre Roger Waters y David Gilmour, ya que mientras el primero deseaba su desaparición definitiva "para dejar con honra al mítico grupo", el segundo quería continuar el trabajo con el resto de miembros. Roger Waters abandonó formalmente Pink Floyd en 1985 con el fin de apoyar su postura legal respecto a la existencia del grupo. Finalmente David Gilmour y Nick Mason consiguieron los derechos sobre el nombre Pink Floyd, aunque Roger Waters mantuvo sus derechos sobre gran parte de la obra anterior del grupo, especialmente sobre el concepto teatral de The Wall.

Así, en 1987 Pink Floyd publica el álbum A Momentary Lapse of Reason sin Roger Waters, en el que también participó Richard Wright como músico de sesión.

En 1994 se publicó The Division Bell, en el que Richard Wright volvió a figurar como miembro de Pink Floyd. Pink Floyd no ha vuelto a publicar nuevo material desde entonces y aunque no están oficialmente disueltos, no hay ningún signo sobre nuevos trabajos.

En el año (2000) se publicó el concierto de las giras 1980 y 1981 del The Wall bajo el titulo The Wall Live: Is there anybody outhere? siendo la compilación de las grabaciones realizadas en los cinco conciertos que componian esta gira ofrecida por el grupo. Se han publicado numerosas recopilaciones de la obra de Pink Floyd, de las cuales la última Echoes (2001) ha causado bastante controversia, ya que muchos temas se han ensamblado con continuidad pero en distinto orden que en sus discos originales, mientras que de otros temas como "Shine On You Crazy Diamond" y "Marooned" se han eliminado partes completas. En el 2003 se lanzó el álbum commorativo de los 30 años del Dark Side of the Moon el cual es el primero de los discos de la banda en ser publicado en el formato SACD (Super audio CD)

El 2 de julio del año 2005, luego de una larga historia de peleas y demandas, Roger Waters se reunió con sus antiguos compañeros para una presentación de solo 4 temas en el concierto de Live 8, El histórico concierto fue la primera presentación de Roger Waters con la banda luego de 24 años de separación, para el grupo también fue su primer concierto juntos luego de 11 años de inactividad. Videos de este concierto pueden ser vistos en la pagina de AOL (aquí). La BBC condujo una encuesta en la cual Pink Floyd resultó ganador como Mejor Espectáculo del Live8 y las ventas de sus discos se elevaron en casi un mil por ciento, David Gilmour donó el excedente de las ganancias declarando que "no sería ético hacer dinero por un evento cuyos principios son la caridad y la solidaridad..."., En septiembre y a tan sólo unos meses del evento, fue publicada la opera tan esperada por sus fans "Ça Ira" de Roger Waters.

El 7 de julio del año 2006, Syd Barrett fue encontrado muerto en Londres, donde estaba internado.

Carreras en solitario

Todos los miembros de Pink Floyd han publicado discos en solitario con diverso grado de éxito comercial y de crítica, destacando los álbums The Pros and Cons of Hitch Hiking con Eric Clapton como guitarra principal y Amused To Death ambos de Roger Waters. También fue un hito musical la recreación que hizo Roger Waters del espectáculo The Wall, (Berlín 1990), junto a varios colaboradores , entre ellos destacan Bryan Adams, Paul Carrack, Cyndi Lauper, Van Morrisson, Sinead O'Connor y Scorpions además de La Rundfunk Coros & Orquestra del Este de Berlín y la banda Militar de las Fuerzas Sovieticas en Alemania. Concierto único con una espectacular puesta en escena delante de más de 300.000 personas donde un año antes se levantaba el Muro de Berlín, esta vez levantando entre público y artistas el aclamado The Wall de proporciones enormes, superando las giras de 1980-1981 con Pink Floyd y suponiendo la mas impresionante puesta en escena de esta gran Opera Rock. Después de años de retraso, Roger Waters finalmente publicó el 25 de septiembre la Opera "Ça Ira"[1] (2005).

Nick Mason ha lanzado dos LP: Fictitious Sports y Profiles. Cabe señalar que también compuso la banda sonora del documental La Carrera Panamericana del cual participo en la carrera junto a Gilmour y Steve O'Rouke en 1992.

Richard Wright ha publicado tres obras en solitario: Wet Dream (1978), Identity (1984) y su último trabajo Broken China lanzado en 1996. Richard Wright fallece de cancer el día 15 de Septiembre de 2008.

David Gilmour ha lanzado varios álbumes, siendo el más popular el primero de ellos titulado Dave Gilmour (1978). Luego de la partida de Roger Waters lanzó un álbum llamado About Face (1984) que también fue lanzado en video y destaca en su trayectoria un DVD llamado David Gilmour In Concert (2002) el cual es conocido por muchos como el "Pink Floyd acústico". En 6 de marzo de 2006, día de su cumpleaños número 60, lanzó su tercer trabajo en solitario llamado On An Island, el cual cuenta con numerosos e importantes invitados; incluso el mismo Richard Wright toca los teclados. Desde este mismo mes David Gilmour se embarcó en una gira de presentación de su última obra por Europa y EEUU; en sus primeras presentaciones ha sorprendido a los fanáticos con interpretaciones de temas clásicos como "Arnold Layne", "Echoes", y "Wot's... Uh The Deal".

Discografía

Álbumes
The Piper at the Gates of Dawn (1967)
A Saucerful of Secrets (1968)
Ummagumma (1969, vivo y estudio)
Atom Heart Mother (1970)
Meddle (1971)
Dark Side of the Moon (1973)
Wish You Were Here (1975)
Animals (1977)
The Wall (1979)
The Final Cut (1983)
A Momentary Lapse of Reason (1987)
The Division Bell (1994)

Reediciones

Zabriskie Point (Original Soundtrack Album) (Deluxe Edition. Doble CD con libro de 40 páginas, 1997)
Dark Side of the Moon (SACD, 2003)
The Final Cut (2004, con el tema "When the Tigers Broke Free" como añadido)

Bandas sonoras

Music from the film More (1969, banda sonora de la película More)
Zabriskie Point (1970, banda sonora junto con otros artistas)
Obscured By Clouds (1972, banda sonora de la película La Vallee)
The Wall (1979 banda sonora de la película The Wall)

Discos en directo

Tonite Let's all make Love in London (1967)
Live At Pompeii (1972)
Prism (1987)
Delicate Sound of Thunder (1988)
p.u.l.s.e. (1995)
Is There Anybody Out There? The Wall Live 1980-1981 (2000)

Recopilaciones

Relics (1971)
A Nice Pair (1973)
Masters of Rock (1974)
A Collection of Great Dance Songs (1981)
Works (1983)
Shine On (1992, caja)
The Early Singles (1992)
Echoes: The Best of Pink Ployd (2001)
The very best of... (2006)

Videografía

Live at Pompeii (1972)
Pink Floyd: The Wall (1982, película)
Delicate Sound of Thunder (1988, contraparte del disco)
P.U.L.S.E. (1995, contraparte del disco)
Is There Anybody Out There? The Wall Live 1980-1981 (2000, contraparte del disco)
Live at Pompeii: Director's cut (2003, reedición)
Live In Venice.

Espectáculos en directo

Pink Floyd han sido pródigos en producir espectáculos en directo, combinando las experiencias visuales con la música para crear obras que dejaran al grupo mismo en un segundo plano, en la penumbra del escenario. Esto se hace más patente en la gira de The Wall, en el que comienzan el espectáculo con las caras tapadas por máscaras, consiguiendo que no se les reconozca individualmente, y luego van construyendo un enorme muro que les oculta de la audiencia hasta el final de la obra, en el que una explosión lo destruye. El espectáculo de The Wall fue impulsado e ideado por Roger Waters para hacer una gira de tan solo cinco conciertos a causa de su elevado coste y las perdidas que esto acarreaba. Ya en 1994 Pink Floyd crea la gira de p.u.l.s.e donde en un enorme escenario con la mitica pantalla circular de fondo crean uno de los conciertos mas espectaculares de la música Rock, siendo este el último espectaculo del grupo hasta la fecha.


Otros materiales
Household Objects (1974) (Álbum nunca completado ni publicado)
En los años 1980 el fanzine The Amazing Pudding documentó ampliamente la actividad de Pink Floyd.

Bandas relacionadas
Un buen número de bandas se declararon tributarias de Pink Floyd en los años 1990, entre ellas:


Tributos
El Muro de Argentina
Ummagumma de Argentina
Syd Barretina de España
Pink Tones de España
Ekos de Mexico
The Australian Pink Floyd Show
Wich One is Pink USA
The Great Gig in the Sky
The Pink Floyd Experience
Think Floyd
Pink Void
Pink Froyd
Brain Damage de Chile
The End de Argentina

También en los años 1990, numerosos grupos y músicos, (entre ellos Trent Reznor y Jim Cauty), editaron remezclas de muchos temas y discos de Pink Floyd, (More, Atom Heart Mother, Meddle, Obscured By Clouds, Dark Side of the Moon, Wish You Were Here, Animals, The Wall, A Collection of Great Dance Songs, The Final Cut, A Momentary Lapse of Reason y The Division Bell). Easy Star All-Stars grabó un tributo a Dark Side of the Moon, con formas reggae y trip hop, que se llamó Dub Side of the Moon [3]. Mientras que por el lado académico el grupo de cuerdas String Quartet grabó un tributo al Dark Side of the Moon, en este estilo también destaca el trabajo conocido con el Nombre de Us and Them - The Symphonic Pink Floyd.


avatar
Greek
Admin

Mensajes : 785
Puntos : 14278
Reputación : 995
Fecha de inscripción : 03/03/2012
Edad : 49
Localización : En tu corazón

Volver arriba Ir abajo

Led Zeppelin

Mensaje  Greek el Lun Mar 12, 2012 3:21 am





Led Zeppelin fue un grupo inglés de hard rock, considerado uno de los más grandes e importantes de ese género y uno de los más populares durante la década de los setenta. Fue fundado en 1968 por el guitarrista Jimmy Page, quien había pertenecido a The Yardbirds, al incluir en su formación a John Paul Jones como bajista y teclista (al que Page conocía de trabajos anteriores con The Yardbirds), al vocalista Robert Plant y a John Bonham a la batería (que había coincidido con Plant en The Band of Joy).

Led Zeppelin presentó elementos de un amplio espectro de influencias, como el blues, el rock and roll, el soul, la música celta, la música india, la árabe, el folk, e incluso el country.

Más de treinta años después de la disgregación de la banda en 1980, la música de Led Zeppelin continúa vendiéndose, disfruta de una amplia difusión radiofónica, y ha demostrado ser una de las bandas más influyentes en la música rock. Hasta la fecha, ha vendido más de 450 millones de álbumes en el mundo, incluidos 111 millones sólo en los Estados Unidos, y es la segunda banda con más discos de diamante (otorgados cada diez millones de ventas en EE. UU.) de la historia de la música, solo por debajo de The Beatles. Los discos con esta certificación son: Led Zeppelin IV (23 millones), Physical Graffiti (15 millones), Led Zeppelin II (12 millones), Houses of the Holy (11 millones) y Box Set (10 millones).


Historia
Formación de la banda y primeros trabajos (1968-1969)
Led Zeppelin se formó a finales de 1968 cuando Jimmy Page, que ya tenía cierta reputación en Inglaterra por su labor como músico de estudio y por ser el último guitarrista de la banda The Yardbirds, buscaba nuevos músicos para su nuevo proyecto, The New Yardbirds (nombre que provocaba ciertos problemas legales), constituido a partir de la disolución de The Yardbirds. El nombre de la banda surgió a raíz de un chiste de Keith Moon, batería de The Who (en una sesión de grabación de un tema de Jeff Beck en el que participaban Jimmy Page, John Paul Jones, John Entwistle y el propio Keith Moon), cuando dijo que la banda fracasaría y caería "como un Zeppelin de Plomo". El nombre surgió en un principio como Lead Zeppelin, pero a recomendación de Peter Grant, el mánager de la banda, se suprimió la a de Lead (plomo, en inglés) para evitar problemas de pronunciación por parte de los hablantes norteamericanos, ya que las vocales ea se pronuncian como una i en el inglés de Norteamérica. Sin embargo, el bajista de The Who, John Entwistle, posee su propia versión de los hechos: "Hace unos cuatro años empecé a estar harto de los Who, así que hablé con un tío que ahora es jefe de producción de Led Zeppelin. Estuve hablando con él en un club, en Nueva York, y le dije "Sí, estoy pensando en dejar el grupo y formar el mío. Lo voy a llamar «Led Zeppelin». Y como portada del disco voy a poner el Hindenburg en llamas, ya sabes, todo este asunto..." Y unos dos meses después, empezó a trabajar con Jimmy Page, y como estaban buscando un nombre, él sugirió 'Led Zeppelin', a Page le gustó y salieron con la misma portada de disco que yo había planeado". El jefe de producción al que se refiere Entwistle podría ser Richard Cole, futuro "road manager" de la banda.

The Yardbirds se separó en 1968, y Page y el bajista de la banda, Chris Dreja, comenzaron a buscar miembros para una nueva formación. El primer candidato para el puesto de vocalista fue Terry Reid, quien se negó a ser parte de la banda, pero recomendó a un amigo suyo llamado Robert Plant. En agosto de 1968, Page, Dreja y Peter Grant viajaron a Birmingham para ver la banda de Plant, Hobbstweedle. Plant aceptó la oferta de Page para entrar en la banda en una reunión en la casa de Page. Plant tenía un amigo que tocaba la batería, John Bonham, que también se uniría al grupo. Poco después de la llegada de Bonham, Dreja abandonó la música para convertirse en fotógrafo, por lo que los tres componentes de la banda se ven obligados a buscar un nuevo bajista. John Paul Jones, un amigo de Page y conocido músico de sesión, se enteró de la noticia y le propuso a su amigo su entrada en la formación, quedando cerrada la banda. Lo primero que hicieron fue ensayar un blues normal de 12 compases. En ese momento se vio la "química" que había entre los cuatro miembros. Su primer cometido fue acabar una gira pendiente en Escandinavia bajo el nombre de The New Yardbirds, en la que tocaron muchos de los temas que forman parte de su álbum debut.

Después de la gira, y ya bajo el nombre de "Led Zeppelin", Peter Grant, mánager de la banda, otorgó a la banda 200.000 dólares a cambio de producirse su primer álbum. Tal suma de dinero provenía del sello Atlantic Records, que estaba interesada en fichar el mayor número posible de grupos que surgían durante aquella época amparados bajo el estilo blues y hard rock, algo que Led Zeppelin cumplía a la perfección, por lo que Atlantic contrató a la banda sin siquiera haberlos visto, sólo bajo la recomendación de Dusty Springfield.

Su primer disco fue publicado el 12 de enero de 1969, bajo el nombre de Led Zeppelin. Fue grabado en apenas una semana (grabado, mezclado y editado) en los estudios Olympic de Londres en octubre de 1968, empleando apenas 30 horas de estudio y sin casi horas de ensayo. Al principio, el público británico no respondía muy efusivamente al lanzamiento del álbum, producido por Page, lo que se convertiría en una constante a lo largo de la historia del grupo, un hecho que provocó que la banda no publicase sencillos en Inglaterra. Tras embarcarse en su primera gira norteamericana y gracias a las explosivas actuaciones de la banda, el álbum tuvo un éxito inmenso en crítica y público, sobre todo en Estados Unidos. La prensa calificó al álbum como heavy metal, algo con lo que la banda no estaba de acuerdo. Robert Plant declaró que "es injusto calificar a la banda como heavy metal, ya que un tercio de nuestra música es acústica". Poco después de la edición de este álbum debut, la banda decidió no publicar ningún single en Inglaterra, deteriorando la promoción del disco y de los trabajos posteriores.

Como curiosidad cabe destacar que, durante la gira de apoyo al disco Led Zeppelin I en Dinamarca, el grupo actuó bajo el nombre de The Nobs por prohibición de la baronesa Eva von Zeppelin (familiar del inventor del dirigible) a utilizar su nombre real, quien arguyó que eran unos "monos gritones", además de criticar la portada del disco, foto cortesía del ex-bajista de la banda, Chris Dreja. Además, las autoridades de Singapur impidieron a la banda entrar en el país para dar un concierto debido a que tenían el pelo demasiado largo.
Durante 1969, la banda se las arregló para terminar las giras europea y americana y grabar durante las mismas su segundo trabajo, que fue publicado el 22 de octubre de dicho año bajo el nombre de Led Zeppelin II. Este álbum los consagró definitivamente, llegando al número 1 en las listas británica y estadounidense (destronando al Abbey Road de The Beatles) y permaneciendo allí durante siete semanas, probablemente gracias al éxito de temas como "Whole Lotta Love" y "Heartbreaker".

Como apoyo al disco, la banda dio un par de giras más por Estados Unidos cada vez ante audiencias más grandes debido al aumento de popularidad que supuso la publicación del segundo álbum del grupo, alargando los conciertos durante más de tres horas.

Led Zeppelin III y el álbum sin título (1970-1972)
Runas que aparecen en la portada de Led Zeppelin IV y que se corresponden con los cuatro miembros de la banda; de izquierda a derecha: Jimmy Page, John Paul Jones, John Bonham y Robert Plant.

Para la composición del tercer disco de Led Zeppelin, los miembros de la formación se retiraron a Bron-Yr-Aur, una remota casa rural de Gales, en 1970, donde también grabaron el material allí ideado.

El 5 de octubre de 1970 se publica su tercer disco, Led Zeppelin III, tras el cual algunos acusaron al grupo de ser un montaje comercial, debido al carácter íntimo y acústico de las canciones contenidas en dicho álbum, que a pesar de no ser muy bien recibido tanto por la crítica como por sus admiradores, contenía composiciones que con el tiempo se convirtieron en clásicos, como "Immigrant Song", el primer single de la carrera del grupo a pesar de sus negativas a que fuese publicado, o "Since I've Been Loving You". La banda entera y sobre todo Jimmy Page se tomó personalmente estas críticas, lo que provocó que su cuarto trabajo, en su edición original, no tuviera título ni nada que permitiera identificarlo, a excepción de cuatro extraños símbolos, o runas () uno para cada miembro de la banda. Este álbum, reconocido comúnmente como Untitled y principalmente como Led Zeppelin IV por inercia, publicado el 8 de noviembre de 1971, fue el LP más vendido de la banda (actualmente está en la ubicación nº 4 de los álbumes más vendidos de la historia según la RIAA), en el que destaca su mayor éxito, "Stairway to Heaven", además de clásicos de la banda como "Black Dog", Rock and Roll", "Going to California" y "When The Levee Breaks", de la cual destaca el imponente sonido atronador y pesado de la batería de John Bonham. El solo de guitarra de Stairway To Heaven fue elegido por los lectores de la revista Guitar World Magazine como "el mejor solo de todos los tiempos".

El disco vino acompañado de un ligero cambio de imagen de los integrantes del grupo, quienes comenzaron a vestir vistosas ropas y extravagantes collares y joyas al estilo de las grandes estrellas de la época. Es también durante este tiempo cuando se popularizaron los excesos de Led Zeppelin, ya que empezaron a viajar en un jet privado (llamado "The Starship") alquilando plantas enteras de los hoteles en sus estancias durante las giras.

Hasta julio de 2006, el cuarto disco de Led Zeppelin ha vendido 23 millones de copias en Estados Unidos, convirtiéndose en el cuarto álbum más vendido de la historia.

Houses of the Holy, Swan Song y Physical Graffiti (1973-1975)

Led Zeppelin en 1970.
Su siguiente disco, Houses of the Holy, publicado el 28 de marzo de 1973, supuso una nueva idea en el grupo, mezclando diversos estilos musicales, blues, rock, folk, e incluso matices reggae. Como siempre, el álbum causó controversia entre los críticos a pesar de tener excelentes ventas. La canción "Houses of the Holy" fue grabada inicialmente para incluirse en su álbum homónimo, aunque finalmente aparece en su siguiente trabajo.
La portada del disco también tuvo su polémica, ya que en ella aparecen varios niños desnudos escalando una especie de cuesta empedrada (que se trata de la calzada del gigante en Irlanda del Norte), por lo que fue prohibido en algunos países, entre ellos España.

La gira de presentación del disco fue multitudinaria, consiguiendo en un concierto en Florida la cifra de 56.800 espectadores, superando el récord anterior ostentado por The Beatles,3 ingresando ese día 309.000 dólares.
Para sentirse más cómodos en la grabación de sus álbumes, Led Zeppelin crearon en 1974 su propio sello discográfico, Swan Song, aunque dependiendo todavía de su compañía discográfica Atlantic Records. El nombre de la compañía viene de una de las pocas canciones inéditas del grupo. A partir de ese momento, la banda hizo todas sus grabaciones bajo este sello. El logotipo de la compañía, que reproduce al dios griego Apolo, se convirtió en el símbolo de Led Zeppelin, incluyéndose en muchos objetos de merchandising de la banda a partir de entonces. Dicha compañía fue rentable durante la vida de Led Zeppelin, aunque tres años después de la separación de la banda, el sello tuvo que cerrar.

Entre 1973 y 1974 la banda se tomó un descanso de su frenética combinación de grabaciones y espectaculares giras, dedicándose a realizar colaboraciones, componer canciones y a otros muchos asuntos no tan relacionados con la música. El 24 de febrero de 1975 se publicó Physical Graffiti, el primer trabajo concebido desde Swan Song. Se trataba de un álbum doble que además de contener piezas nuevas como "Kashmir", de la que Robert Plant dijo que era la canción definitiva de Led Zeppelin, incluía material descartado de álbumes anteriores. Este álbum es considerado uno de los mejores de la banda, probablemente por la cantidad y diversidad de temas.20 1975 supuso la coronación de Led Zeppelin como una de las mejores bandas de rock de la historia, tanto por la crítica como por las actuaciones en directo de ese año, que fueron apoteósicas y multitudinarias. Sin embargo, el acelerado ritmo de trabajo de Led Zeppelin se vio interrumpido cuando en el verano de ese mismo año Robert Plant sufrió un grave accidente automovilístico en la isla griega de Rodas, dejando a su mujer Maureen al borde de la muerte. El accidente fue seguido por una difícil y larga recuperación que se extendió aproximadamente un año hasta finales de 1976.

Presence y In Through the Out Door (1976-1979)

Led Zeppelin en Chicago, 1975.
Fue en este año en el que se preparó a toda velocidad el siguiente trabajo de la banda, Presence, publicado el 31 de marzo de 1976 y grabado entre la ciudad alemana de Múnich y Malibú, en California, caracterizado por no tener ninguna canción acústica y no hacer uso de ningún teclado. Es un álbum marcado por el estado convaleciente de Robert Plant, quien grabó sus tomas vocales sentado en una silla de ruedas o en muletas. El álbum fue recibido con diversidad de opiniones por crítica y público debido a su carácter más suave y lento. Jimmy Page siempre dijo que éste es su disco preferido, y el tema que da inicio al disco, "Achilles Last Stand", su tema favorito con sus más de 10 minutos.
Posteriormente editaron su primer disco en vivo, The Song Remains The Same, banda sonora de la película del mismo nombre, la cual muestra unas actuaciones de 1973 en Nueva York que finalizaron una gira estadounidense, mezcladas con unas escenas de fantasía ideadas por la propia banda. Sin embargo, el disco caló negativamente en el Reino Unido debido al potente auge de las nuevas bandas de punk británicas, considerándose a la banda como "obsoleta".

Tras volver a los escenarios en 1977, de nuevo Robert Plant volvió a verse afectado por la desgracia, esta vez por la muerte de su hijo Karac Pendra de seis años, a causa de una infección estomacal. Este hecho marcó profundamente a Plant, llegando a plantearse su continuidad dentro de la banda. Sin embargo, Robert recapacitó y en 1978 la banda volvió al estudio, concretamente al del grupo ABBA en Estocolmo, para grabar el que sería inesperadamente su último álbum de estudio, In Through the Out Door publicado el 15 de agosto de 1979. Desgraciadamente, de nuevo encontrarán problemas para terminar el álbum ya que por aquel entonces, Jimmy Page y John Bonham se encontraban en un estado de adicción a la heroína y al alcohol respectivamente, un hecho que hace de In Through the Out Door el único álbum de Led Zeppelin que contiene los primeros y únicos temas de la banda en los que no figura Page como autor.

En la gira de 1979 se vio por primera vez a unos Zepp no tan concentrados en la improvisación (era un rasgo bastante característico de su compenetración como banda en directo), y más centrados en las canciones en sí. A pesar de ello, una audiencia de cerca de 120.000 personas respaldó a la banda en un concierto en Copenhague. La banda había llegado a un estado de madurez, tanto a nivel compositivo como a nivel personal habiendo apartado ya la mayoría de sus excesos y reemplazándolos por profesionalidad. Por aquel entonces eran de las únicas bandas capaces de llenar un estadio frente al fracaso comercial de las bandas punk rock surgidas entonces. Durante esta época, Robert Plant había estado pensando en abandonar la banda debido al cansancio ocasionado por la gira de 1979, aunque Peter Grant consiguió convencerlo para continuar. Dicha gira se extendió hasta 1980, cuando Bonham tuvo que ser ingresado en un hospital de Núremberg, Alemania, debido a una indigestión, aunque la prensa especuló con las drogas y el alcohol como posibles causas. La banda acabó la gira en Berlín el 7 de julio del mismo año.
Disolución de la banda y Coda (1980-1982)

Con la llegada de 1980 Led Zeppelin volvió a las grandes giras europeas, anunciando un nuevo gran tour por Norteamérica ese año, que nunca pudo ser realizado ya que el día 25 de septiembre fue la fecha más trágica en la historia del grupo: John Bonham murió en Boleskine House, la mansión de Page, asfixiado por la aspiración accidental de su propio vómito provocado por el consumo excesivo de alcohol. No se encontraron drogas en el cuerpo del baterista, como se había especulado.

La idea de continuar nunca se cruzó por la mente de los restantes integrantes de la banda a pesar de los rumores de la incorporación de nuevos bateristas. Elaboraron un comunicado oficial en el que explicaron que ya nada era lo mismo sin Bonham, y que era inútil continuar sin él.

Al tener firmado un contrato que los obligaba a sacar un nuevo álbum, y ante la negativa de grabar nuevas canciones sin Bonham, se optó por buscar material inédito hasta entonces que conformó el LP Coda (1982), disco que presenta canciones que se descartaron en la realización de discos anteriores y alguna toma en directo de canciones ya grabadas.

En los años siguientes los integrantes de Zeppelin mantuvieron su decisión de no reunirse. Sólo en esporádicas ocasiones se los vio juntos en un escenario. Últimamente Page y Plant decidieron encontrarse para hacer algo juntos, grabando algún disco conjunto algunos años después de la separación de la banda.

Después de la separación

En 1982 Plant editó un álbum solista llamado Pictures at Eleven, con un estilo similar al de Led Zeppelin. Luego, en 1983 apareció el disco The Principle of Moments, donde se notan influencias de Genesis, sobre todo teniendo en cuenta que el batería de dicha banda, Phil Collins, fue quien grabó las partes de batería en el disco.

La primera aparición de Page después de Zeppelin sucedió en 1982 cuando compuso algunos temas para la película Death Wish II (protagonizada por Charles Bronson) y se editó su correspondiente banda sonora. Al mismo tiempo, se encargó de editar el disco Coda, con temas inéditos y descartes de Led Zeppelin. En 1983 se unió a Jeff Beck y a Eric Clapton, ex-compañeros suyos en The Yardbirds, para dar una serie de conciertos de los que se han editado numerosos discos.

John Paul Jones, por su parte, compuso la banda sonora de la película Scream For Help (1984), del mismo director de Death Wish II, trabajó con Diamanda Galás y realizó producciones artísticas esporádicas antes de sacar sus actuales discos solistas instrumentales. Actualmente es un conocido productor y arreglista de música rock, que en 2009 formó el supergrupo Them Crooked Vultures junto al guitarrista Josh Homme y al baterista Dave Grohl.

En 1984, Page y Plant volvieron a unirse y formaron The Honeydrippers junto a artistas de la talla de Jeff Beck y Paul Shaffer. Su disco se llamó The Honeydrippers Vol. 1 y su tema "Sea of Love" trepó al tercer puesto en las listas norteamericanas, mejor incluso que su famoso tema "Whole Lotta Love". Realizaron una gira, donde tocaron en el Saturday Night Live, y después de eso Page decidió tomar otros rumbos, por lo que la banda se disolvió.

Con motivo del concierto benéfico Live Aid, Page, Plant y Jones se reunirían en 1985 para tocar en directo los temas "Rock and Roll", "Whole Lotta Love" y "Stairway to Heaven" en el estadio John F. Kennedy de Filadelfia. En la batería estuvieron Phil Collins y Tony Thompson.

En 1988, y con motivo del 25 aniversario de Atlantic Records, el grupo vuelve a unirse para un concierto de conmemoración, ocupando el puesto de John Bonham su hijo Jason.

Page formó The Firm con Paul Rodgers y Chris Slade, y más tardé publicó algunos discos en solitario como Outrider (1988), en el que colaboraron Plant y Jason. En 1993 grabó un disco con el cantante de Whitesnake y Deep Purple, David Coverdale. Se llamó Coverdale/Page, aunque en un principio iba a llamarse Legends (leyendas). Por su parte, Plant ha sacado algún disco en solitario con colaboraciones de Page. En 1994 Page y Plant grabaron el especial Unledded para la MTV (aunque sin contar con Jones) al que siguieron los discos No Quarter y Walking into Clarksdale.

En 2003, se edita un disco triple en directo bajo el nombre de How the West Was Won, que incluía versiones en directo de la banda, además de una colección en vídeo titulada Led Zeppelin DVD, que vendió 520.000 copias a finales de 2003.

En el año 2005, Led Zeppelin recibe un premio Grammy como premio a su carrera, llegando un año después al Salón de la Fama del Reino Unido.
El 10 de diciembre de 2007 tuvo lugar en el O2 Arena de Londres un único concierto de la banda con el reemplazo de Jason Bonham, hijo del fallecido John Bonham, en la batería. Este concierto fue realizado como parte del Concierto Tributo a Ahmet Ertegün, cofundador de Atlantic Records, quien falleció el 14 de diciembre de 2006.25 Más de 20.000 personas acudieron al primer concierto completo de la banda tras 27 años,26 ese mismo año se rumoreaba una posible gira mundial de la banda para el año 2008 pero esta nunca se realizó.26 Este concierto estaba planeado para celebrarse el 26 de noviembre, pero una inoportuna fractura de un dedo del guitarrista Jimmy Page aplazó la actuación hasta el 10 de diciembre.

El 3 de marzo de 2008, el diario británico The Sunday Mirror publicó que la banda, después de meditar la vuelta a los escenarios de nuevo para realizar una gira mundial, decidió no llevar a cabo esta decisión después de la negativa de Robert Plant a embarcarse en ella debido a razones personales. No influyeron en la decisión los 100 millones de libras esterlinas que se le ofrecía a los miembros del grupo por llevarla a cabo, ya que según este diario británico, «Plant es más feliz siguiendo sus ideales».28 Un mes antes, Jimmy Page había manifestado su intención de dar un tour por todo el mundo después del concierto de diciembre de 2007, en el que se reunieron más de 20.000 espectadores.

En 2010 apareció una grabación hasta ahora oculta de un concierto que la banda brindó en 1971 en el St. Matthew´s Baths Hall de la localidad inglesa de Ipswich. Esta reliquia fue adquirida por un coleccionista en una tienda de antigüedades.

Características
Canciones de Led Zeppelin con referencias a la obra de Tolkien
Una de las obsesiones líricas de Led Zeppelin, en especial de Robert Plant, es la obra de J. R. R. Tolkien. Así podemos encontrar varias referencias a las novelas del escritor británico en canciones como "Bron-Y-Aur Stomp", "Ramble On" o "The Battle of Evermore"; y en el título de la canción "Misty Mountain Hop".

Además hay referencias a la mitología escandinava, como por ejemplo en la canción "Immigrant Song" en donde menciona "We come from the land of the ice and snow" pudiendo hacer referencia a Asgard, o también donde nombra «Hammer of the Gods» pudiendo hacer referencia al martillo de Thor, Mjolnir, y donde clama «Valhalla I am coming» donde Valhalla es el paraíso al cual los héroes van, al morir en combate. Parece ser que la inspiración de esta canción hay que encontrarla en un viaje a Islandia del grupo, en el año 1970.

Las portadas de sus discos
El arte de las portadas de sus discos era por demás desconcertante y original. La foto de la portada del disco debut de la banda fue tomada por Chris Dreja, antiguo componente de The Yardbirds que empezó su carrera como fotógrafo después de retirarse de la música. Dicha portada trajo la polémica de la mano de la baronesa Von Zeppelin, quien se opuso a que la banda actuara bajo el nombre de Led Zeppelin en Dinamarca a causa de la portada de su primer disco, que muestra un zepelín en llamas.

En la carátula de Led Zeppelin II, diseñada por Davod Juniper, aparece una foto de la banda junto con otros personajes desconocidos, que no presentan ninguna alusión hacia ellos en todo el libreto del disco. Dicha foto está basada en una instantánea tomada a la división Jasta de la Luftwaffe (Bundeswehr), fuerza aérea alemana, con las caras de los inquilinos de dicha foto cambiadas en favor de los rostros de los miembros de la banda, el mánager Peter Grant, Richard Cole, Blind Willie Johnson (músico de blues) y Glynis Johns, que actúa como madre en la película Mary Poppins. Ésta última parece ser que fue incluida como una broma del grupo al productor de su antiguo álbum, Glyns Johns. La sombra blanca del zepelín bajo fondo marrón, que también aparece en la portada del álbum, hizo que el sobrenombre del disco fuese The Brown Bomber. Como última curiosidad, cabe destacar que las primeras ediciones del disco contaban con una frase en la parte de abajo de dicha portada, "The only way to fly" (la única manera de volar), lo que explica que dichas ediciones se paguen a precio de oro.

El cuarto álbum no llevaba título, ni siquiera el nombre del grupo; tal es así que hoy se lo llama de muchas formas (Led Zeppelin IV, ZOSO, Four Simbols, "el de las runas", etc.) pero no hay una oficial. Evidentemente, el truco no representó obstáculo para las ventas, que en la actualidad sobrepasan los 40 millones de copias en el mundo. La banda explicó que la decisión de no escribir su nombre ni el del disco era que la música se vendía sola, sin necesidad de conocer cual era el autor, contestando así a las críticas negativas a su predecesor, Led Zeppelin III.

El edificio de la portada de Physical Graffiti es el número 97 de St. Mark Street, en Nueva York. Casualmente, en el sótano de dicho edificio había una tienda de ropa llamada Physical Graffiti, aunque no se sabe si fue fundada antes o después de la edición del disco.18 El hombre sentado en las escaleras del edificio sostiene dos cachorros de perro negros, quizá en referencia a la canción Black Dog, del Led Zeppelin IV.

Presence posee en todas las fotos de su edición en vinilo un objeto negro que el fotógrafo y creador de la idea, Storm Thorgerson, resumió: "Me gustan las fotos que no tengan una explicación evidente [...] Recuerdo que la idea de Presence era mezclar fotos nostálgicas de los años 30 y 40 con un objeto del futuro, que era básicamente un agujero negro con una forma curiosa. Para mí, representaba la energía de Led Zeppelin, de la que la gente en casa, o en la escuela, necesitaría una dosis cada pocas horas, como la última droga. Así que el diseño estaba relacionado con la banda y sin embargo de forma extremadamente leve, del mismo modo que lo más gratificante de la música es que te hace formar tus propias imágenes".21 Esta idea fue repetida por Jimmy Page en su disco en colaboración con David Coverdale al colocar una señal de tráfico que nada tiene que ver con el resto del conjunto de las fotos.


Vida social
Otra característica fue que no se llevaban bien con la prensa, solían considerarla amarillista y conservadora y es por tal razón que las entrevistas realizadas a Led Zeppelin en su época de oro fueron escasas. Además, la banda rara vez extraía algún single de alguno de sus discos, siendo la primera canción acreditada como tal "Immigrant Song", del Led Zeppelin III, así como tampoco concedía muchos shows por televisión, argumentando que lo mejor era que el público los viese en directo, en conciertos que solían durar unas tres horas.


Aleister Crowley, ocultista supuestamente idolatrado por Page, quien adquirió su mansión de veraneo.

Led Zeppelin y el ocultismo

Muchos de los mitos de la banda que se mantienen hasta la actualidad son los rumores acerca de que la banda practicaba magia negra y que en los temas "Dazed & Confused", "Whole Lotta Love", "The Battle of Evermore", "Stairway to Heaven", "Four Sticks", "No Quarter" y "Kashmir" aparecían mensajes satánicos ya que por entonces los alucinógenos y movimientos eran del todo psicodélicos e innovadores.
La controversia más famosa está relacionada con "Stairway to Heaven", ya que han sido bastantes personas quienes aseguran haber percibido mensajes satánicos («Here's to my sweet satan» / «Aquí está mi dulce Satanás») reproduciendo la canción al revés,33 cosa que siempre ha sido negada por la banda. Otra de las canciones sospechosas de contener mensajes de carácter satánico es «Dazed and Confused».

Otra pista obtenida de posible mensaje subliminal remonta al nombre de la banda, dado que si lo modificamos un poco podemos obtener Eddo Zeppelion. Eddo Zeppelion es un ritual practicado por Aleister Crowley y muy popular en la magia negra. Page siempre estuvo interesado en la vida y obra de este atípico personaje, llegando a adquirir la mansión de veraneo de éste, curiosamente en la que murió Bonham.9 Cabe también destacar que al final del disco Led Zeppelin III puede escucharse una famosa cita de Crowley, que dice: «Haz lo que tú quieras, será toda Ley».


Led Zeppelin y el plagio
Numerosas acusaciones de plagio han surgido a lo largo de la carrera de la banda. John Mendelsohn, periodista de la revista Rolling Stone, acusó a la banda de haber copiado el riff de la canción "Your Time Is Gonna Come" de la canción "Dear Mr. Fantasy" del grupo Traffic. Este mismo periodista también señaló la semejanza entre la canción "Black Mountain Side" y "Black Water Side" de Bert Jansch. Las dos canciones supuestamente plagiadas se incluyeron en el álbum debut de la banda. Estas acusaciones fueron las que dieron pie a la mala relación de Led Zeppelin con la prensa, especialmente con Rolling Stone.
"Dazed and Confused" es una versión bastante alejada de la canción original de Jake Holmes. Inicialmente, The Yardbirds, con Page a la cabeza, versionaron la canción llamándola "I'm Confused" pero cuando se formó Led Zeppelin, Page retocó la canción para editarse en el álbum inicial del grupo. Sin embargo, Holmes nunca recibió ningún tipo de aportación monetaria por parte de la banda a pesar de enviar una carta de petición de su parte legal. A pesar de esto, Holmes nunca interpuso ninguna demanda judicial a la banda por ello.
En 1970, la revista Arc Music demandó a la banda por haber copiado la canción "Bring It on Home", versión original de Sonny Boy Williamson, del tema "Bring it on Back" de Willie Dixon. La demanda fue aceptada y la publicación recibió una suma de dinero que, finalmente, no fue reportada a Dixon.35 Dixon volvió a demandar a la banda por sí solo debido a las comparaciones de la canción «Whole Lotta Love» con su tema «You Need Love/Woman You Need Love», gracias a la cual la banda acredita a Dixon como compositor de la canción en las recientes ediciones de Led Zeppelin II.

"The Lemon Song", canción que aparece en el disco Led Zeppelin II, originó una demanda legal de Howlin' Wolf, quien defendía que Led Zeppelin le había copiado la canción de su tema "Killing Floor" (además, en las primeras ediciones de Led Zeppelin II, la canción llevó ese nombre).

"Stairway to Heaven" tiene una progresión rítmica inicial muy parecida al tema instrumental "Taurus" del grupo Spirit, banda para la cual Led Zeppelin había sido telonera en 1968.

"Nobody's Fault But Mine", que aparece en el disco Presence, es una canción original de Blind Willie Johnson, pero la banda se tomó sus licencias a la hora de reclamar su autoría. Robert Plant dijo al respecto: "En primer lugar, es de dominio público porque lleva muerto mucho tiempo. Y en segundo lugar, no es su canción; nadie sabe de dónde viene".

Estilo e influencia en bandas posteriores
The Yardbirds en 2006, anterior banda de Jimmy Page que ayudó a configurar el estilo de Led Zeppelin.

Estilo
Led Zeppelin ha sido una de las más influyentes formaciones dentro del desarrollo del hard rock, sentando a su vez las bases de lo que después sería conocido como heavy metal junto con grupos como Black Sabbath o Deep Purple durante la década de 1970. Esto último vino dado con la publicación del disco debut de la banda, Led Zeppelin I, en 1969, el cual incluía un sonido mucho más duro y contundente que el de muchas bandas de la época sin abandonar el sonido orientado hacia el blues presente en el anterior grupo de Jimmy Page, The Yardbirds, en el que se explotaba más dicha tendencia. Durante toda su discografía también se puede observar trazos de música psicodélica heredada de músicos como Jimi Hendrix. El sonido presente en el siguiente trabajo de la formación, Led Zeppelin II, continúa con el sonido de su antecesor mezclando blues, hard rock y psicodelia a partes iguales. El primer cambio de rumbo dentro de la discografía de la banda se da en Led Zeppelin III, en el que el estilo más acústico y folk predomina a lo largo de gran parte de las canciones incluidas en el trabajo,37 aunque sin abandonar el hard rock presente en los dos anteriores discos del grupo. Sin embargo, el trabajo más importante en la carrera del grupo es para muchos Led Zeppelin IV. Dicha observación viene respaldada por el número de ventas del disco, hasta la fecha el más exitoso de Led Zeppelin en este campo, gracias en gran medida a la inclusión de Stairway to Heaven, la canción más famosa de la banda. El álbum está considerado como pieza clave en la posterior evolución del rock. Después de la publicación del cuarto trabajo del grupo, éstos editan Houses of the Holy, en el que se fusiona el hard rock y el blues con elementos tomados del reggae o del funk. De vuelta de nuevo a sus raíces, la banda publica Physical Graffiti bajo la constante estilística de los trabajos de debut, así como Presence y In Through the Out Door.

Influencias
La importancia de Led Zeppelin se observa claramente en el gran número de bandas que se consideran influidas por ellos. Entre ellas cabe destacar a Wolfmother, Tool, Stone Temple Pilots, Rage Against the Machine, Blind Melon, The White Stripes, Kingdom Come o Living Colour, así como sentar parte del estilo sobre el que se cimenta el hard rock heredado por el grunge en la década de 1990. Tal ha sido la influencia de la banda en la historia del rock que han sido diversas las formaciones creadas en tributo a Led Zeppelin, entre las que hay que destacar Dread Zeppelin, Get the Led Out o Lez Zeppelin, integrada enteramente por mujeres. Led Zeppelin también está considerada como la banda que allanó el camino a las posteriores bandas de heavy metal setentero, como Deep Purple o Black Sabbath.
En el año 1995, se decidió grabar un disco homenaje a Led Zeppelin, titulado Encomium, que incluye versiones realizadas por otros artistas de canciones originales del cuarteto británico. Entre dichos artistas cabe destacar Stone Temple Pilots, Blind Melon, Sheryl Crow o Duran Duran.

Discografía
Led Zeppelin (1969)
Led Zeppelin II (1969)
Led Zeppelin III (1970)
Led Zeppelin IV (1971)
Houses of the Holy (1973)
Physical Graffiti (1975)
Presence (1976)
In Through the Out Door (1979)
Coda (1982)

Miembros
Robert Plant, Voz, Armónica, Pandereta
Jimmy Page, Guitarra
John Paul Jones, Bajo electrico, Teclado, Mandolina.
John Bonham, Batería, Percusión.




Última edición por Greek el Lun Mar 12, 2012 3:25 am, editado 1 vez
avatar
Greek
Admin

Mensajes : 785
Puntos : 14278
Reputación : 995
Fecha de inscripción : 03/03/2012
Edad : 49
Localización : En tu corazón

Volver arriba Ir abajo

Stevie Ray Vaughan

Mensaje  Greek el Lun Mar 12, 2012 3:24 am


Stevie Ray Vaughan


(3 de octubre de 1954 - 27 de agosto de 1990)


Actividad: 1965 - 1990

Stephen "Stevie" Ray Vaughan fue un guitarrista y cantante que fusionó los géneros del blues y el rock en los años 80. Desarrolló un sonido y estilo, basado en artistas como Albert King, Jimi Hendrix, Freddie King u Otis Rush. La revista Rolling Stone lo cita como el séptimo mejor guitarrista de todos los tiempos.

Stevie nació y se crió en el vecindario Oak Cliff en Dallas, Texas (U.S.A.). Ninguno de sus padres tenía ningún importante ni destacado talento musical, pero eran fanáticos y melómanos de la música en sus distintos géneros. Usualmente llevaban al pequeño Stevie Ray y a su hijo mayor, Jimmie, a conciertos de Fats Domino, Jimmy Reed y Bob Wills. Aunque Stevie inicialmente quería tocar la batería como primer instrumento, a los ocho años de edad le regalaron su primer guitarra.

En 1963 compró su primer disco, "Wham" de Lonnie Mack. Lo escuchó tantas veces que su padre lo terminó rompiendo de envidia puesto que él era un músico frustrado.

Durante su adolescencia desarrollo su sonido y estilo basandose en los estilos musicales de Albert King, Otis Rush, Jimi Hendrix y Freddie King. En el año de 1969 entra a la escena blues de Austin Texas formando asi su primer banda "The Blackbirds" con la que se gano un puesto tocando en un club llamado "Hills Country Club" algo que le motivo mucho a seguir su carrera como musico y lo que genera el abandono de sus estudios en secundaria.

Cerca de 1974 Stevie Ray consigue uno de sus mas preciados tesoros; una dañada y rustica fender stratocaster a la que llamaria "Number One" que consigue comprando en una tienda de empeño a un bajisimo precio debido a su antiguedad y a su fea apariencia, sin embarago Stevie hizo uso de su talento y genialidad para modificar aquella guitarra, cambiandole sus microfonos y su puente colocandole asi un puente de guitarra zurda para que el tremolo estuviera arriba de las cuerdas algo que le facilitaba su uso, stevie se quejaba de las stratocaster normales ya que tenian el tremolo muy cerca del control de volumen, esto entorpeciendo su habilidad de ejecución.


Ya Armado y con mejor tecnica Stevie decide colaborar con muchas otras bandas como "The Nightcrawlers","Triple Threat Revue" y "Paul Ray & The Cobras" (banda con la cual gano el premio de mejor banda del año en austin).

En Septiembre de 1977 Stevie Conoce a el bajista Tommy Shannon y al baterista Chris Layton con los cuales Stevie formaria su mejor y ultimo grupo llamado "Double-trouble" (originalmente llamado "Stevie Ray Vaughan & Double Trouble). La banda ya formada decidio realizar funciones sin parar por todo Texas hasta el año de 1979 en donde decidieron tocar por primera vez fuera de Texas; en el "San Francisco's Blues Festival".

El 11 de julio de 1981 la banda es filmada tocando en un festival. Al año siguiente el manager de Stevie le da la cinta a Mick Jagger, lo que eventualmente causó que la banda hiciera una función privada en una fiesta de los Rolling Stones en el New York's Danceteria el 22 de abril de 1982. Poco después de eso la banda hizo la presentación más importante de su carrera cuando tocan en el Festival Internacional de Jazz de Montreux, Suiza, siendo la primera banda no programada de antemano en tocar en este recital. Fueron chiflados pero irónicamente ganaron un premio Grammy por la versión del tema "Texas Flood" en ese recital, que dio lugar a uno de los discos en vivo más increíbles de SRV: "Live At Montreux".

Finalizando el año de 1982 David Bowie contacta a Stevie Ray para una contribucion a su nuevo disco de ese año "Let's Dance". Positivamente Stevie ray contribuye con la guitarra ritmica y un solo bastante basico pero muy "Bluesy", agradecido del trabajo de Stevie; David Bowie lo invita a ser parte de sus musicos durante la gira propuesta para el año 1983. Sin embargo Stevie rechaza la oferta debido a la produccion y elaboracion de su primer disco en estudio junto con "Double-Trouble" llamado "Texas Flood"


"Texas Flood" y Fama


En 1983 Stevie Ray Vaughan & Double-Trouble son "descubiertos" por John Hammond (Responsable de descubrir a Bob Dylan, Billie Holiday y Bruce Springsteen entre otros) luego de escuchar la grabación del recital de Montreux, quien les ofrece un contrato para grabaciones en Epic Records.

En 1983 sale su primer álbum, "Texas Flood"; dotado de las mejores fusiones del Blues, Rock y Country, "Texas Flood" es sin duda el disco mas exitoso de la carrera de Stevie ray y double-trouble, con los mejores solos que haya podido realizar stevie y el exito de sus canciones como "Rude Mood", "Testify", "Love Struck Baby", "Texas Flood" y "Pride and Joy" considerado como muchos la mejor cancion realizada por Stevie Ray Vaughan en la cual se denota su sello y sonido caracteristico, Stevie ray Vaughan sin duda se habria un camino ha ocupar uno de los puestos de los mejores cantantes, guitarristas e interpretes de blues. Las repercusiones no se hicieron esperar, y Stevie Ray fue elegido por la revista Guitar Player "Mejor Nuevo Talento", "Mejor Álbum de Guitarra (Texas Flood)" y "Mejor Guitarrista de Electric Blues", ganando 3 premios en un año, siendo necesario destacar también que era un debutante en la industria.



"Lenny"


"Lenny" es una guitarra otorgada a Stevie Ray Vaughan por parte de su esposa Lenora "Lenny" Vaughan la cual fue bautizada asi en honor a su esposa.

Era el cumpleaños numero 26 de Stevie ray y su esposa quien años atras se conocerian en una fiesta de halloween, no encontraba que regalarle a su esposo. Mientras deambulaba en las calles ella se percato de la existencia de una llamativa guitarra en una vitrina de una tienda de empeño, inicialmente la guitarra valia $350 dolares ... sin pensarlo otra vez "Lenny" compro lo que seria otro de los mas grandes tesoros de Stevie Ray Vaughan.

Esta una Fender Stratocaster del 69' con mastil en "Palo de rosa" (Rosewood) y acabado "Sunburst" en 3 colores que debido al paso del tiempo fue quedando en un acabado marron natural, era practicamente una reliquia, pero algo estaba mal con esta guitarra; sus microfonos eran practicamente inservibles y su cuello estaba totalmente podrido y carcomido por la humedad, entonces es cuando "Lenny" reemplaza los microfonos de la guitarra colocandole unos "fender strat vintage" que le obsequio su hermano Jimmie.

Teniendo la guitarra casi lista, se contacta con uno de los mas cercanos amigos de Stevie, nada mas y nada menos que el guitarrista y vocalista de ZZ Top, Billy Gibbons, quien muy amablemente le regalo e instalo un nuevo cuello en Maple al cual stevie no estaba acostumbrado pero que en el futuro le dio muchos frutos, finalmente el dia en que "Lenny" le dio esta guitarra a su esposo, él quedo sorprendido ya que nunca antes nadie le habia dado un obsequio tan especial. Poco despues con su guitarra nueva Stevie hizo algunas modificaciones muy al estilo de él; como pegarle sus famosas inicales "SRV" a su guitarra ademas de otorgarle su famosa "quemada" de cigarrillo en el headstock.

Algo que caracterizaba mucho a esta guitarra era una casual pero extraña incrustacion debajo del puente de la guitarra con la forma de una enredadera muy similar al de algunas mandolinas del siglo XX.


"Couldn't Stand The Weather"


En mayo del 84' Stevie Ray vaughan estrena su nuevo album "Couldn't Stand The Weather" un album cargado de muchas fusiones y estilos musicales; este album cuenta con una pequeña dosis de pop, sus primeros dos sencillos "couldn't stand the weather" y "cold shot" fueron los primeros en contar con video musical, el primero hace alusion a los enfrentamientos que stevie tuvo con su esposa con la cual ya no se entendia; en el video vemos la representacion de los conflictos alrededor del mundo (Israelíes y palestinos, blancos y negros y algunos choques de la sociedad como los punks y la sociedad establecida). En el segundo video "Cold shot" vemos un video con un toque humoristico en el cual stevie demuestra que su mas grande amor en su vida es su guitarra, dejando de lado a una esposa algo "caricaturezca" la cual no se siente admirada por stevie y debido a eso lo golpea y crea situaciones de las cuales stevie siempre termina en un hospital.

La rehabilitación

El 28 de septiembre de 1986, Stevie Ray colapsa por abuso de estupefacientes de distinta índole en Ludwigshafen, Alemania. Se las arregla para hacer dos conciertos más de la gira, pero los próximos 13 son cancelados. Consigue mantenerse sobrio desde el 13 de octubre de ese año hasta su último día. Stevie hace un enorme regreso a la escena en la primavera de 1987, cuando la MTV transmite su recital como parte de la cobertura de las vacaciones de primavera en Daytona Beach, Florida. Stevie aparece también en la película "Back to the Beach" tocando "Pipeline" con Dick Dale, y por último en el especial de TV para Cinemax de B.B. King junto con: Eric Clapton, Albert King, Phil Collins, Gladys Knight, Paul Butterfield, Chaka Khan y Billy Ocean.
Otras presentaciones en vivo importantes de la época fueron: su presentación en las fiestas inaugurales de la presidencia de George Bush el 23 de enero de 1989 y su presentación en los MTV Unplugged tocando "Rude Mood", "Pride And Joy" y "Testify" en guitarra acústica de 12 cuerdas. En 1990 se lanzó su disco "Family Style", que grabó junto con su hermano.

El accidente

El 27 de agosto de 1990, un poco antes de la 1:00 AM, un helicóptero que llevaba a Stevie de nuevo a Chicago se estrella segundos después de su despegue. Las 5 personas que iban a bordo mueren. Una investigación posterior declara que se debió a un error del piloto.


avatar
Greek
Admin

Mensajes : 785
Puntos : 14278
Reputación : 995
Fecha de inscripción : 03/03/2012
Edad : 49
Localización : En tu corazón

Volver arriba Ir abajo

Re: Biografías de Músicos

Mensaje  Greek el Vie Mar 23, 2012 6:30 am




James Gang fue una banda de rock formada en Cleveland, Ohio en 1966. Aunque la banda no fue un gran éxito comercial, la fama obtenida por el guitarrista Joe Walsh ha aumentado la popularidad del grupo.

Los componentes originales eran el baterista Jimmy Fox, el bajista Tom Kriss, guitarrista Ronnie Silverman, teclista Phil Giallombardo, y el guitarrista Greg Grandillo, que fue rápidamente sustituido por Dennis Chandler. Bill Jeric sustituyó Silverman cuando éste entró en el servicio militar. Y después de irse Chandler, el grupo contó con el gran talento de Glen Schwartz. Lamentablemente, ninguna de las anteriores combinaciones produjo ningún material oficial.

En 1968 Joe Walsh sustituye a Schwartz, cuando dejó la banda para unirse Pacific Gas & Electric. La banda, que en ese momento entonces constaba de Fox, Kriss y Walsh, publicó su álbum debut Yer ‘Album (1969). En 1970, publicaron su segundo álbum: «James Gang Rides Again», que incluía el popular sencillo «Funk # 49», así como el AOR clásico «The Bomber». En este momento, Dale Peters había sustituido a Kriss en el bajo. La banda teloneó a The Who durante una gira por Gran Bretaña. Después de dos álbumes más, «Thirds» (con el sencillo «Walk Away») y el álbum en vivo «James Gang Live In Concert», Walsh dejó la banda (a finales de 1971) para marchar en solitario y más tarde unirse a los Eagles.

Roy Kenner (vocalista) y el guitarrista Domenic Troiano se unieron luego a la banda. Troiano se fue en 1973 y terminó por incorporarse a The Guess Who en 1974. Fue reemplazado por Tommy Bolin (ex-Zephyr). Bolin apareció en dos álbumes, «Bang!» y «Miami», pero marchó a mediados de 1974. Se unió a Deep Purple a principios de 1975. The James Gang entonces comenzó a declinar. Pero a principios de 1975, Fox y Peters decidieron intentarlo de nuevo con una nueva alineación que incluía a Bubba Keith como vocalista y al guitarrista Richard Shack, que hicieron un álbum, «Newborn», con una versión de Elvis Presley, Heartbreak Hotel. El guitarrista escocés Jimmy McCulloch se había acercado a unirse a la nueva línea también, pero al final eligió quedarse con Paul McCartney And The Wings. La banda dio a conocer una grabación final, «Jesse Come Home» en 1976, lo que se refiere a la banda del mismo nombre, al margen de la ley Jesse James, con la colaboración de Phil Giallombardo, que se reintegró con el nuevo guitarrista/vocalista Bob Webb. Jimmy Fox fue el único miembro del quinteto original cuando el grupo se disolvió en 1977.

El «clásico» line-up de la banda (Walsh, Peters, Fox) se reunieron para actuar en un mitin electoral de Bill Clinton en el Cleveland State University Convocation Center el 4 de noviembre de 1996, también en El Drew Carey Show en la temporada 1998-99 y en el Rock and Roll Hall of Fame en febrero de 2001, reuniendo aficionados de todo el mundo. En verano de 2005 el grupo realizó un puñado de espectáculos en la zona de Cleveland.

A partir de mayo de 2004, Glenn Schwartz se puede encontrar tocando la guitarra y cantando los Jueves por la noche en «Major Hooples» en los Flats, Cleveland.

En abril de 2006 se anunció que la formación Walsh / Peters / Fox iría de gira por Estados Unidos después de verano, con un teclista y con nuevos coros. El trío apareció en agosto tocando en vivo en el programa Howard Stern show, en la radio.






avatar
Greek
Admin

Mensajes : 785
Puntos : 14278
Reputación : 995
Fecha de inscripción : 03/03/2012
Edad : 49
Localización : En tu corazón

Volver arriba Ir abajo

Re: Biografías de Músicos

Mensaje  Greek el Vie Mar 23, 2012 6:32 am



ERIC CLAPTON


Eric Patrick Clapton, CBE (Ripley, Surrey, Inglaterra, 30 de marzo de 1945) es un guitarrista, cantante y compositor de rock y blues, conocido por su maestría con la guitarra eléctrica, en concreto con su Stratocaster. Es conocido por el apodo de "Slowhand" (Mano lenta), desde su época en The Yardbirds. Clapton es miembro del Salón de la Fama del Rock por partida triple; por ser miembro de The Yardbirds, de Cream y por su carrera en solitario. A la vista de muchos críticos Clapton ha sido uno de los artistas más respetados e influyentes de todos los tiempos. Además, aparece en el puesto número 4de la lista "Los 100 grandes guitarristas de todos los tiempos" de la revista Rolling Stone y en el puesto número 53 de su especial "Inmortales: Los 100 grandes artistas de todos los tiempos". Ademas de que en 2005 la revista Guitar World incluyo 5 de sus canciones como algunos de los mejores solos de guitarra de todos los tiempos.
Su estilo musical ha sufrido múltiples cambios a lo largo de su carrera, pero sus raíces siempre han estado profundamente ligadas con el blues. Es reconocido como un innovador en varias etapas de su carrera, practicando el blues rock con John Mayall's Bluesbreakers y The Yardbirds, y el rock psicodélico con Cream, además de haber tocado estilos muy diversos en su etapa en solitario; Delta blues en su álbum Me and Mr. Johnson, pop en su canción "Change the World" o reggae en su versión del tema de Bob Marley ("I shot the Sheriff"). Posiblemente sus mayores éxitos fueron la canción "Layla" de su época con Derek and the Dominos y "Tears in Heaven", dedicada a su fallecido hijo, que compuso en solitario.

Juventud
Eric Clapton nació en Ripley, Surrey, Inglaterra, como hijo extramatrimonial de la pareja formada por Patricia Molly Clapton (7 de enero de 1929 - marzo de 1999), de 16 años, y Edward Walter Fryer (21 de marzo de 1920 - 1985), un piloto militar de Montreal, Quebec, Canadá de 25 años. Su padre se encontraba destinado en el Reino Unido durante la Segunda Guerra Mundial y antes de que Eric naciera, regresó a Canadá junto a su esposa. El niño creció con su abuela, Rose, y su segundo marido Jack creyendo que eran sus padres, y que su madre era su hermana mayor. El apellido de sus abuelos era Clapp, mientras que Clapton es el apellido del primer esposo de su abuela Rose y abuelo materno de Eric (Reginald Cecil Clapton). Años después, su madre se casó con otro soldado canadiense (Frank MacDonald) y se mudó a Canadá, dejando a Eric a cargo de sus abuelos. Cuando Clapton contaba con 9 años de edad, averiguó la verdad cuando su madre y su hermanastro Brian regresaron a Inglaterra de visita. Esto supuso un punto de inflexión en su vida, haciéndole distanciarse de su familia y no aplicarse en el colegio. Su hermanastro, Brian, murió en un accidente de moto en 1974 a los 26 años. Clapton tiene otras dos hermanastras del segundo matrimonio de su madre; Cheryl (nacida en mayo de 1953) y Heather (nacida en septiembre de 1958).
Clapton creció siendo un niño callado, solitario, y en sus propias palabras, "un niño malo". Aún así Clapton es conocido por su sentido del humor. Eric se crió en un entorno musical, donde su abuela tocaba el piano y, tanto su tío como su madre, disfrutaban escuchando las Big Bands de la época. Su madre le contó en una ocasión al biógrafo oficial de Eric, Ray Coleman, que su padre era un músico de mucho talento, y que tocó en varias bandas de la zona de Surrey. Eric obtuvo su primera guitarra como un regalo con motivo de cumplir 13 años de edad. Era una guitarra acústica de la marca alemana Hoyer, que le resultó de difícil ejecución. Aún a pesar de su frustración inicial, dedicó muchas horas a aprender los acordes y a emular la música de los artistas de blues que escuchaba en su magnetófono de casete.
Después de abandonar el colegio en 1961, Clapton estudió en Kingston College of Art, del que fue expulsado por no progresar lo suficiente en el resto de las áreas del arte, centrándose únicamente en la música. Por esta época Clapton comenzó a frecuentar la zona de Kingston en Richmond (Londres). A los 17 años se unió a su primera banda "The Roosters." Permaneció en este grupo de enero a agosto de 1963. En octubre de ese mismo año tocó en siete conciertos con Casey Jones and the Engineers. Antes de dedicarse de lleno al mundo de la música Clapton se ganaba la vida trabajando de obrero junto a su abuelo.

The Yardbirds
En octubre de 1963 Keith Relf (que estudiaba con Clapton) y Paul Samwell-Smith, reclutaron a Clapton para el grupo de rock con influencias de blues, The Yardbirds. Hasta la entrada de Clapton, el grupo estaba formado por Keith Relf (voces), Paul Samwell-Smith (bajo), Chris Dreja (guitarra rítmica), Jim McCarty (batería) y Anthony "Top" Topham (guitarra principal), siendo Clapton el sustituto de Topham.

Durante su período de 18 meses con The Yardbirds, Clapton se ganó su apodo de "slowhand" (mano lenta). Sintetizando sus influencias de guitarristas de blues como Buddy Guy, Freddie King y B. B. King, Clapton se convirtió en uno de los guitarristas más populares de la escena musical británica. La banda comenzó a formarse un buen nombre, sobre todo después de ganar la vacante dejada por The Rolling Stones en el Crawdaddy Club en Richmond, Londres. Hicieron una gira con Sonny Boy Williamson II; de la cual saldría el álbum Sonny Boy Williamson and The Yardbirds (grabado el 8 de diciembre de 1963) y editado en 1965. En el álbum de 1964, Five Live Yardbirds, recrean versiones de R&B y blues americano, con largas improvisaciones y solos de guitarra, quedando clara la imaginación y confianza en sí mismo de Clapton.
Sin embargo, el grupo paulatinamente fue acercándose al estilo pop, para intentar entrar en las listas de venta, cosa que consiguieron con "For Your Love", que llegó al #2 en el Reino Unido y al #6 en Estados Unidos. Esta canción fue escrita por el compositor Graham Gouldman, que había escrito hits para el grupo adolescente Herman's Hermits y el grupo de pop The Hollies. Pero Clapton seguía fuertemente comprometido con el blues, por lo que renegaba del nuevo rumbo pop de The Yardbirds. Así que decidió dejar la banda y recomendó a Jimmy Page como su sustituto, quién se negó por lo bien que le iban las cosas como músico de sesión. Así que, al final no se unió al grupo y, él mismo recomendó que Jeff Beck, que por aquél entonces tocaba en una banda llamada The Tridents, fuera el sustituto de Clapton. De todas maneras, Page se uniría posteriormente al grupo, primero tocando el bajo y después asumiendo junto a Beck el papel de guitarrista. Clapton, Beck y Page, llegaron a tocar juntos en una mini-gira en beneficio de la esclerosis múltiple y en el álbum Guitar Boogie.

La banda
Miembros de la banda durante la etapa de Eric Clapton
Eric Clapton - guitarra
Chris Dreja - guitarra
Keith Relf - voces, armónica
Paul Samwell-Smith - bajo
Jim McCarty - batería


John Mayall & the Bluesbreakers



Clapton se unió a John Mayall & the Bluesbreakers en abril de 1965, renunciando apenas unos meses después, para marcharse a Grecia, a tocar con una banda inglesa llamada "The Glands", en la cual tocaba el piano un viejo amigo suyo, Ben Palmer, regresando a la banda de John Mayall en noviembre. Fue durante esta etapa donde se ganó el respeto unánime del circuito de clubes de Inglaterra. Aunque Clapton se ganó el reconocimiento mundial por su ejecución en el álbum Blues Breakers with Eric Clapton, este álbum no se comercializó hasta después de su marcha definitiva de la banda. Habiendo cambiado su Fender Telecaster y su amplificador Vox AC30 por una guitarra Gibson Les Paul Standard y un amplificador Marshall, el sonido de Clapton inspiró un grafiti muy bien promocionado que rezaba: "Clapton is God" (Clapton es Dios). La frase fue pintada por un seguidor en una pared de la estación de Islington en el subterráneo de Londres en otoño de 1967. La pintada fue captada en una famosa fotografía, en la que aparece un perro orinando en esa misma pared. Clapton dijo:
"Nunca acepté que fuera el mejor guitarrista del mundo. Siempre quise ser el mejor guitarrista del mundo, pero eso es un ideal, y lo acepto como tal."

La banda
Miembros de la banda durante la etapa de Eric Clapton
John Mayall - teclados, órgano, armónica, voces
Eric Clapton - guitarra
John McVie - bajo
Jack Bruce - bajo (marzo de 1966)
Hughie Flint - batería

Cream



Clapton abandonó los Bluesbreakers en julio de 1966, siendo sustituído por Peter Green, para formar la banda Cream, uno de los primeros supergrupos de la historia. También se le considera uno de los primeros power trios, con Jack Bruce ex-miembro de Manfred Mann, John Mayall & the Bluesbreakers y Graham Bond Organization como bajista, y Ginger Baker también ex-miembro de Graham Bond Organization como baterista. Antes de la creación de Cream, Clapton era prácticamente desconocido en los Estados Unidos, ya que abandonó The Yardbirds antes de que el sencillo "For Your Love" entrara en el Top Ten US, y aún no había tocado allí. En su época en Cream, Clapton empezó a evolucionar como cantante, compositor y guitarrista, aunque Jack Bruce era la voz predominante y el compositor de la gran mayoría de los temas junto con el letrista Pete Brown. Su primer concierto fue en el "Twisted Wheel" de Mánchester en julio de 1966, antes de hacer su debut oficial con dos noches en el "National Jazz and Blues Festival" en Windsor. Parte de su fama legendaria se debe a sus jam sessions y solos de guitarras y batería en sus conciertos.
A principios de 1967, la hegemonía de Clapton como mejor guitarrista de Gran Bretaña entró en rivalidad con Jimi Hendrix, que estaba innovando en la manera de tocar la guitarra existente hasta entonces. Hendrix asistió al concierto de Cream en la Universidad de Westminster en Londres del 1 de octubre de 1966. Cuando Hendrix comenzó a tocar en la escena local muchos de los grandes artistas de Inglaterra asistían con gran expectación a sus conciertos, entre ellos Clapton, Pete Townshend, The Rolling Stones y The Beatles.
Clapton visitó por primera vez Estados Unidos con Cream. Fueron a Nueva York en marzo de 1967 para tocar nueve noches en el teatro RKO. Después, en mayo de ese mismo año, regresarían a Nueva York para grabar su álbum Disraeli Gears. El repertorio de la banda evolucionó de canciones comerciales como "I Feel Free" a largas "jams instrumentales" de blues como "Spoonfull". Estos temas mostraban la guitarra punzante de Clapton, mezclado con la potente voz y vibrante bajo de Jack Bruce, mientras la potente, polirrítmica batería con influencias de jazz de Ginger Baker aseguraban a Cream como un power trio.
En 28 meses, Cream se había convertido en un éxito comercial, vendiendo millones de álbumes y tocando por toda Europa y Estados Unidos. Ellos redefinieron el papel instrumental dentro del rock, siendo de las primeras bandas en enfatizar el virtuosismo musical y las improvisaciones de corte jazzístico. Sus sencillos de éxito en los Estados Unidos incluyen "Sunshine of Your Love" (#5, 1968), "White Room" (#6, 1968) y "Crossroads" (#28, 1969) - versión en directo de la canción de Robert Johnson "Cross Road Blues." Aunque Cream fue uno de las grandes bandas de su época, y la adulación para con Clapton era constante, el supergrupo estaba destinado a tener una vida corta. Las legendarias diferencias entre Bruce y Baker y la creciente tensión entre los tres miembros de la banda finalmente acabarían con el grupo.
El álbum de despedida de Cream, Goodbye, incluía actuaciones en directo en "The Forum", Los Ángeles, California, grabadas el 19 de octubre de 1968, y fue comercializado poco después de que Cream se separara. El álbum contaba también con el sencillo "Badge", co-escrito con George Harrison, a quien Clapton conoció en un concierto en el que The Yardbirds compartieron cartel con The Beatles en el London Palladium. Esta amistad se tradujo en la colaboración de Clapton en el tema "While My Guitar Gently Weeps" del White Album de The Beatles. Ese mismo año salió el debut en solitario de Harrison Wonderwall Music, que sería el primero de un largo número de álbumes de Harrison en contar con Clapton en la guitarra, aunque por motivos legales no apareciera en los créditos. Además, tocaban frecuentemente juntos como invitados el uno del otro. El 29 de noviembre de 2002, un año después de la muerte de Harrison, Clapton ayudó a organizar el tributo "Concert for George" como director musical.
Desde su ruptura en 1968, Cream se ha reunido en varias ocasiones. En 1993 en una ceremonia para ingresar en el Salón de la Fama del Rock y en 2005, una reunión para tocar cuatro noches en el Royal Albert Hall de Londres y tres noches en el Madison Square Garden de Nueva York. La grabación de sus conciertos en el Royal Albert Hall salieron a la venta a finales de 2005 bajo el título Royal Albert Hall London May 2-3-5-6 2005.
La banda
Miembros de la banda durante la etapa de Eric Clapton
Eric Clapton - guitarra, voces
Jack Bruce - bajo, voces
Ginger Baker – batería

Blind Faith



Después de la ruptura de Cream, Clapton vuelve a formar un supergrupo, Blind Faith (1969), compuesto por Ginger Baker, Steve Winwood proveniente de Traffic (disuelto en enero de 1969) y Ric Grech de la banda Family, cuya corta vida dejó un álbum y una gira de promoción del mismo. El supergrupo debutó ante 100.000 espectadores en Hyde Park, Londres, el 7 de junio de 1969, del cual Eric Clapton, conocido por su perfeccionismo, salió bastante defraudado por la calidad ofrecida. Después hicieron varios conciertos por Escandinavia y comenzaron una gira americana en julio. El álbum Blind Faith fue grabado en los estudios de grabación Olympic, bajo la producción de Jimmy Miller con tantas prisas que la cara B sólo consta de dos temas, siendo una de ellas una "jam" de 15 minutos llamada "Do What You Like". Llegó al número 1 tanto en el Reino Unido como en Estados Unidos. La cubierta del álbum, que incluía una foto de una chica pre-adolescente semidesnuda creó polémica en Estados Unidos y fue sustituida por una fotografía de la banda. La banda se disolvió después de apenas siete meses de actividad.
La banda
Miembros de la banda durante la etapa de Eric Clapton
Eric Clapton - guitarra, voces
Steve Winwood - teclados, guitarra, bajo, voces
Ginger Baker - batería
Rick Grech - bajo, violín eléctrico


Delaney and Bonnie and Friends




Clapton decidió apartarse del mainstream (corriente principal), girando con el grupo americano Delaney and Bonnie and Friends, que habían hecho de teloneros de Blind Faith en su gira americana de 1969. Formado por Delaney y Bonnie Bramlett (marido y mujer), el dúo llegó a contar con colaboraciones de la talla de George Harrison y Duane Allman, además de Clapton. Delaney and Bonnie and Friends hizo una gira europea con The Plastic Ono Band, con quienes Clapton tocó en un par de conciertos de la gira. Clapton aparece en el álbum On Tour with Eric Clapton, siendo éste el álbum más vendido del grupo, llegando al Top 30 de las listas americanas.
La banda
Miembros de la banda durante la etapa de Eric Clapton
Eric Clapton - guitarra, voces
Delaney Bramlett - guitarra, voces
Bonnie Bramlett - voces
Dave Mason - guitarra
Jim Gordon - batería
Carl Radle - bajo
Bobby Whitlock - órgano, voces
Jim Price - trompeta
Bobby Keys - saxofón
Rita Coolidge - voces
Tex Johnson - percusión
George Harrison - guitarra (sólo en directo)


Primer álbum en solitario



Usando a los músicos de "The Bramletts" y una serie de músicos de prestigio (incluyendo a Leon Russell y Stephen Stills), Clapton grabó su primer álbum en solitario, el homónimo Eric Clapton. El álbum incluía dos temas compuestos por "The Bramletts" ("Bottle Of Red Wine" and "Let It Rain"), además de la versión de la canción de J.J. Cale, "After Midnight", alcanzando este último el número 18 en las listas americanas. Además, en esta época participó en el álbum de George Harrison, All Things Must Pass en la primavera de 1970. También grabó con otros artistas como: Dr. John, Leon Russell, Plastic Ono Band, Billy Preston y Ringo Starr.

Derek and the Dominos



Después de ese primer álbum en solitario, Clapton reúne a los músicos de Delanney y Bonnie, Bobby Whitlock (teclados y voces), Carl Radle (bajo) y Jim Gordon (batería) para formar un nuevo grupo, posiblemente para demostrarse que podía tener un grupo y dejar un poco de lado su fama de estrella. La banda iba a llamarse en un principio "Eric Clapton and Friends", decidiéndose después por "The Dynamics". El hecho de acabar llamándose Derek and the Dominos, parece ser que es debido a que a la hora de presentarles en su primer concierto el locutor, en vez de Derek and the Dynamics, dijo "Derek and the Dominos", quedándose después así. Aunque, sin embargo, en la biografía de Clapton, se dice que Ashton quería que se llamase "Del and the Dominoes", (siendo Del el mote que le habían asignado a Clapton) y que al final lo que hicieron fue unir Del y Eric, quedando Derek and the Dominos como resultado.
La amistad de Clapton con Harrison, le hizo conocer a Pattie Boyd, esposa de Harrison, de la cual quedó prendado. Cuando ella rechazó sus avances, los sentimientos de Clapton se plasmaron en las canciones del álbum Layla and Other Assorted Love Songs. El álbum contiene el gran éxito "Layla", inspirada por el poeta clásico de Persia, Nezami, y su poema "La historia de Layla y Majnun". La historia que contaba el poema conmovió profundamente a Clapton, ya que hablaba de un joven que se enamoraba perdidamente de una hermosa mujer, inaccesible porque ya estaba casada.
La banda grabó su único álbum en los estudios de grabación Criteria de Miami con Atlantic Records, bajo la producción de Tom Dowd, con el que ya había trabajado Clapton en el álbum de Cream Disraeli Gears. Las dos partes de "Layla" se grabaron en sesiones distintas; primero se grabó el comienzo de guitarra, y para la segunda parte, grabada varios meses después, el batería Jim Gordon tocó la parte de piano. En el álbum también acabó colaborando Duane Allman de The Allman Brothers Band, convirtiendo al grupo en un quinteto. Duane primero añadió su guitarra slide a los temas "Tell the Truth" y "Nobody Knows You When You're Down and Out." En cuatro días el quinteto grabó "Key to the Highway", "Have You Ever Loved a Woman", y "Why Does Love Got to be So Sad." En septiembre, Duane dejó las sesiones para hacer unos conciertos con su banda, y los cuatro restantes grabaron "I am Yours", "Anyday", and "It's Too Late." Después grabaron la versión de la canción de Jimi Hendrix (que murió durante la grabación de este álbum) "Little Wing" y "Thorn Tree in the Garden"
El álbum tenía muchas influencias del blues. Además, la contribución de Allman, enriquecía mucho el sonido de la banda. Muchos críticos dirían que Clapton tocaba mejor cuando le acompañaba otro guitarrista.22 En este álbum aparecen algunas de las mejores composiciones de Clapton y algunas de sus mejores piezas de guitarra.
La banda comenzó una gira por los Estados Unidos sin Allman que había regresado a su banda. Aunque Clapton más adelante admitiría que la gira estuvo llena de drogas y alcohol, el álbum In Concert que se grabó en la gira, sonaba sorprendentemente potente. Además la banda grabó varios temas para su segundo álbum de estudio (que nunca llegaría a editarse) durante la primavera de 1971. Cinco de estos temas aparecen en la caja recopilatoria de Eric Clapton Crossroads de 1988.
No estando Tom Dowd y Duane Allman para limar asperezas, Derek and the Dominos pronto se separarían en Londres. El final de Derek and the Dominos, viéndolo con el paso de los años, constituye una parte trágica de la historia del rock. Allman murió en un accidente de moto el 29 de octubre de 1971, y aunque Radle permaneció con Clapton hasta el verano de 1979 (murió en mayo de 1980 bajo los efectos de las drogas y el alcohol), la ruptura entre Clapton y Whitlock fue amarga, y no fue hasta 2003, que volvieron a trabajar juntos. Además, el baterista Jim Gordon, que era un esquizofrénico sin diagnosticar, mataría años más tarde a su madre durante un episodio de brote psicótico. Gordon fue encarcelado y posteriormente llevado a una institución mental, donde permanece hoy en día.
La banda
Miembros de la banda durante la etapa de Eric Clapton
Eric Clapton - guitarra, voces
Jim Gordon - batería
Carl Radle - bajo
Bobby Whitlock - teclados, voces

Carrera en solitario

Años 70


Los primeros años de la década de los 70 fueron desastrosos para la vida personal de Clapton, que estaba dominada por sus adicciones. Dejó de hacer giras y se recluyó en su residencia de Surrey, en el Reino Unido. Allí se dedicó a su adicción a la heroína, dejando de lado su carrera, sólo interrumpida por su aparición en el "Concierto por Bangladesh" en agosto de 1971, donde se desmayó en el escenario, fue reanimado, y continuó tocando.7 En enero de 1973, el guitarrista de The Who, Pete Townshend, organizó un concierto en el "Rainbow Theatre" para ayudarle a volver a la escena musical. Este concierto contó también con la colaboración de Ron Wood y Steve Winwood. Se grabó y después se editaría bajo el nombre de Eric Clapton's Rainbow Concert. Gracias a la ayuda de Townshend y una terapia de acupuntura Clapton dejó el consumo de heroína en 1973. Clapton, le devolvería en 1975 el favor apareciendo en la ópera rock de The Who, "Tommy", interpretando el tema "Eyesight To The Blind".


Eric Clapton en Barcelona, 1974.
En 1974, ya junto a Pattie Boyd (aunque no se casaría con ella hasta 1979), y rehabilitado de su adicción a la heroína y cocaína, aunque todavía siendo alcohólico, Clapton formó una banda para su proyecto en solitario con el bajista Carl Radle, el guitarrista George Terry, el teclista Dick Sims, el baterista Jamie Oldaker y Marcy Levy (mejor conocida como Marcella Detroit del duo pop Shakespears Sister). Con estos músicos, Clapton grabó 461 Ocean Boulevard (1974), bajo la producción nuevamente de Tom Dowd. Era un álbum con canciones más simples y con menos solos de guitarra; siendo la versión de la canción de Bob Marley "I Shot the Sheriff" su primer sencillo en llegar al #1 en Estados Unidos.
El álbum de 1975 There's One in Every Crowd fue una decepcionante continuación de su anterior álbum, ya que ni siquiera entró en el "Top Ten". La banda hizo una gira mundial de cuyas grabaciones se extrajo el álbum en directo, E.C. Was Here. A continuación vendría el álbum de 1976 No Reason to Cry, con las colaboraciones de Bob Dylan y The Band.
En agosto de este mismo año Clapton, provocó uno de los momentos más criticados de su vida, cuando, durante un concierto en Birmingham, habló sobre la creciente inmigración que sufría Inglaterra. Visiblemente intoxicado, dio su apoyo a un candidato político de la época llamado Enoch Powell y dijo que el Reino Unido estaba en peligro por el incipiente crecimiento de la comunidad negra. Este incidente, junto con otro similar provocado por David Bowie, fueron los causantes de la creación de una asociación llamada "Rock Against Racism". Clapton, de hecho, nunca se ha retractado de estos comentarios, aunque sí ha reiterado en varias ocasiones que no es racista.
En noviembre de 1977 vendría Slowhand, muy bien recibida por la crítica, donde figura la canción "Wonderful Tonight", otra canción dedicada a Pattie Boyd, y la canción "Cocaine", una versión de un tema de J.J. Cale.
En 1978 vino Backless, que no recibió las mismas críticas positivas que Slowhand. Contaba con dos temas de Bob Dylan y volvía a aparecer una versión de J.J. Cale. El único sencillo que entró en el "Top Ten" británico fue "Promises". Este sería el último álbum que grabaría con la banda que le había acompañado desde 1974.


Años 80


En 1980, se edita el doble álbum en directo Just one night, grabado en el Teatro Budokan, en Tokio, donde lo más destacable es su nueva banda, liderada por el guitarrista, Albert Lee, que le da un aire totalmente nuevo a la música de Clapton.
En 1981, Clapton es invitado a colaborar en el concierto en beneficio de Amnistía Internacional. En esta ocasión se hizo acompañar de Jeff Beck dejando para la historia unos memorables duetos. Tres de éstos aparecieron en el álbum que se editó del evento. En esta época saca el álbum titulado Another Ticket, un álbum con polémica desde el principio, ya que Polydor no aceptó la primera entrega del álbum producido por Glyn Johns, teniéndose que volver a grabar íntegramente con el productor Tom Dowd. Además, en uno de los primeros conciertos de la gira, Clapton cayó inconsciente, quedando cerca de la muerte por su acusado alcoholismo. En esta época Clapton comienza a apoyarse cada vez más en la religión.
En 1983 se lanza al mercado Money and cigarettes, con la compañía discográfica Reprise Records, con la memorable portada que muestra a Clapton fumando cerca de una stratocaster derritiéndose. Eric Clapton llamó así al álbum "porque, pensé que llegaría el momento en que serían las únicas dos cosas que me quedarían." Para este álbum Clapton se deshace de toda su banda, a excepción de Albert Lee, además de contar con la colaboración de Ry Cooder.
En 1984, aparte de editarse un recopilatorio llamado Backtrackin', colaboró en el álbum del miembro de Pink Floyd Roger Waters y después le acompañó en su gira. A partir de aquí se han reunido en numerosas ocasiones. Después de la gira, se puso a grabar Behind the Sun, que supuso su primera colaboración con Phil Collins, que además de tocar la batería, se encargó de la producción. Este año sería especialmente significativo en la vida personal de Eric Clapton, ya que, aunque seguía casado con Pattie Boyd, empezó una relación con Yvonne Kelly. Fruto de esta relación, en enero de 1985 nació su hija Ruth. Ni Clapton, ni Kelly dieron a conocer el nacimiento de su hija, que no fue revelado al público hasta 1991. Así pues, Boyd no supo de la existencia de la niña hasta 1991, cosa que la indignó sobremanera llegando a decir:
"Lo que más me dolió fue que Eric supo de su existencia todo este tiempo. Mientras me declaraba amor incondicional, llevaba seis años pagándole manutención a Yvonne."
En 1986 se lanzó el álbum August, el título refiriéndose al mes de nacimiento de su primer hijo reconocido, Conor. Este álbum, también producido por Phil Collins, obtuvo las mejores ventas desde "Another Ticket". Cabe destacar la colaboración en varios de los temas de Tina Turner. En 1988 se editó Croossroads, una caja recopilatoria de cuatro discos, que hacía un repaso a toda su discografía desde su época de The Yardbirds.
En 1989, Clapton lanzó al mercado Journeyman, un álbum de muy diversos estilos, tocando el jazz, el blues, el pop y el soul. En este álbum colaboraron George Harrison, Phil Collins, Daryl Hall, Chaka Khan, Mick Jones de Foreigner, David Sanborn y Robert Cray. Aunque la crítica recibió el álbum sin grandes elogios, Clapton sostiene que es uno de sus favoritos.33 Este año Clapton se divorció de Pattie Boyd, que alegaba infidelidades."

Años 90
Los primeros años de la década de los 90 fueron especialmente trágicos para Eric Clapton. El 27 de agosto, su compañero Stevie Ray Vaughan, con el que estaba de gira, y dos de sus técnicos de gira murieron en un accidente de helicóptero durante el traslado entre conciertos. Después, el 20 de marzo de 1991, su hijo Conor, que contaba con cuatro años de edad, murió al caer de un piso 53 de un rascacielos de Nueva York en el que se encontraba con su madre, la modelo Italiana Lory Del Santo. Su aflicción quedó plasmada en la canción "Tears in Heaven", coescrita con Will Jennings. La canción aparece primero en la banda sonora de la película "Rush" y después en su álbum de 1992 Unplugged, en una versión acústica, por el cual recibió seis premios Grammy, entre ellos el de álbum del año y mejor canción de rock del año.


La casa de Eric Clapton en Antigua (Antigua y Barbuda).
En septiembre de 1994, se edita From The Cradle, que es el primer álbum de blues íntegro grabado por Clapton, en el que se recoge una colección de temas clásicos. Ganó el Grammy al Mejor Álbum de Blues Tradicional en 1995 y vendió más de 3 millones de copias en Estados Unidos, siendo el disco de blues que más ha vendido de la historia. En 1995 sale otro recopilatorio más, llamado "The Cream of Clapton".
En abril de 1996, se publica una nueva caja recopilatoria con el título Crossroads 2: Live In The Seventies, que consiste en actuaciones en directo grabadas entre los años 1974 y 1978, así como 4 temas de estudio inéditos. Clapton también obtuvo un gran éxito ese año con la canción compuesta por Wayne Kirkpatrick, Gordon Kennedy y Tommy Sims, "Change The World", con el que ganó un Grammy a la mejor canción del año en 1997, el mismo año en que grabó Retail Therapy, un álbum de música electrónica con Simon Climie. También participó en un concierto homenaje a Stevie Ray Vaughan y en el concierto "Princes Trust" en Hyde Park, Londres.
En marzo de 1998, Clapton publicó el álbum Pilgrim con material totalmente nuevo, cosa que no ocurría en más de una década. En esta ocasión también cuenta con la colaboración de Simon Climie, y recibió críticas dispares. En 1999 se edita un doble álbum con material de los años 70 llamado The Blues, y otro llamado Clapton Chronicles: The Best of Eric Clapton con material más reciente. Clapton acabó la década de los noventa con un álbum con B. B. King llamado Riding with the King que ganó un premio Grammy al mejor álbum de blues tradicional en 2001. Durante la grabación de este álbum conoció a su actual esposa Melia McEnery con la que se casó en 2002 y con la que tiene tres hijas: Julie Rose (13 de junio de 2001), Ella May (14 de enero de 2003), y Sophie Belle (1 de febrero de 2005).


2000-presente


Eric Clapton en 2004.
En 2001, se edita Reptile que tuvo una relativamente buena acogida de la crítica. En 2002, Eric tocó en Party at the Palace, concierto con el que se celebraron los 50 años de reinado de la Reina Isabel II de Inglaterra, junto con otros artistas como Paul McCartney, Bryan Adams, Keith Airley, Atomic Kitten, Shirley Bassey, Tony Bennett, Blue, Emma Bunton, The Corrs, Joe Cocker, Phil Collins, Ray Cooper, Ray Davies, Dame Edna Everage, Tony Iommi, J'anna Jacoby, Elton John, Tom Jones, Ladysmith Black Mambazo, Annie Lennox, Ricky Martin, Ozzy Osbourne, Mark Andrew-Brydon, Brian May y Roger Taylor de Queen, Mis-teeq, Cliff Richard, S Club 7, Rod Stewart, Will Young, Brian Wilson, Steve Winwood, Tony Vincent o Hannah Jane Fox. En noviembre de ese mismo año organizó un concierto homenaje a George Harrison, quien había muerto el año anterior de cáncer. Junto a él tocaron Paul McCartney, Ringo Starr, Jeff Lynne, Tom Petty, Ravi Shankar, entre otros.
En marzo de 2004 publica un álbum de tributo al bluesman Robert Johnson, Me And Mr. Johnson, que incluye 14 versiones de los 29 temas que grabó el maestro del blues del Mississippi durante su breve carrera en los años 30. Y ese mismo año otro disco similar llamado Sessions For Robert J que además incluía un documental.
En mayo de 2005, se produce la reunión de Cream para una serie de conciertos en el Royal Albert Hall de Londres. Las grabaciones resultantes se lanzaron en CD y DVD. Después hicieron un concierto en el Madison Square Garden de Nueva York. El 30 de agosto sale al mercado Back Home, con material totalmente nuevo. Para la gira de este álbum contaría con la ayuda de Derek Trucks y Doyle Bramhall II, siendo Trucks el tercer componente de The Allman Brothers en tocar en la banda de Clapton, mientras que el segundo fue Chuck Leavell, que anteriormente había colaborado en Unplugged y en 24 Nights.
El 20 de mayo de 2006 Clapton hizo una actuación con Roger Taylor (Queen) y Roger Waters (Pink Floyd) en el Castillo Highclere. También hizo una aparición en un concierto de Bob Dylan en Columbus, Ohio. El 7 de noviembre de 2006 se edita un álbum llamado The Road to Escondido conjuntamente con J.J. Cale.
En 2009 salió a la venta un set de dos CD y dos DVD de tres conciertos con Steve Winwood en el Madison Square Garden. Durante 2009 y 2010 realizó giras con Jeff Beck, Roger Daltrey y nuevamente con Steve Winwood.
Después de 5 años, el 27 de septiembre de 2010, Eric Clapton publicó Clapton, un nuevo álbum de estudio con canciones inéditas.


La banda
Miembros en algún momento de su carrera en solitario
Duane Allman - guitarra, guitarra slide
Albert Lee - guitarra, voces, coros.
Mark Knopfler - guitarra.
Andy Fairweather-Low - guitarra, coros.
Phil Palmer - guitarra.
Ry Cooder - guitarra.
George Terry - guitarra, coros.
Alan Darby - guitarra.
Tim Renwick - guitarra.
Roger Waters - voces, guitarra, bajo.
Michael Kamen - teclado.coros.
Alan Clark - piano, teclado.
Gary Brooker - teclado, coros.
Chuck Leavell - piano, teclado, órgano hammond.
Greg Phillinganes - teclado, órgano hammond, coros.
Billy Preston - órgano hammond.
David Sancious - teclado, guitarra, armónica, coros.
Chris Stainton - piano, teclado.
Mel Collins - saxofón.
Dave Bronze - bajo.
Dave Merkee - bajo.
Nathan East - bajo, voces, coros.
Pino Palladino - bajo.
Carl Radle - bajo, guitarra.
Paulinho Da Costa - percusión.
Phil Collins - batería, voces.
Ray Cooper - percusión.
Jim Gordon - batería, piano.
Jeff Porcaro - batería.
Steve Ferrone - batería.
Henry Spinetti - batería.
Steve Gadd - batería.
Ricky Lawson - batería.
Andy Newmark - batería.
Jamie Oldaker - batería.
Yvonne Elliman - voces, coros, guitarra.
Katie Kissoon -coros.
Marcy Levy - voces, coros, armónica.
Tessa Niles -coros.
Joe Sample - piano, Wurlitzer.
Dorren Chanter - voces.
Peter Robinson - sintetizadores.
Dick Sims - teclado.
Donald Dunn - bajo.


Influencias

Clapton ha tocado temas de artistas muy variados, pero sobre todo de Robert Johnson y J.J. Cale. Otros artistas a los que ha homenajeado son George Harrison, Bob Marley, Bo Diddley y Bob Dylan. Él cita como sus mayores influencias a Freddie King, B. B. King, Albert King, Buddy Guy, Hubert Sumlin y Robert Johnson. Clapton dijo de Johnson:
"... el músico de blues más importante que jamás existió. Él era verdadero, absolutamente, nunca he encontrado nada más lleno de sentimiento que Robert Johnson. Su música es el llanto más potente que puedes encontrar en una voz humana, de veras... parecía resonar con algo que yo siempre sentí. "


Estilo (Woman tone)

El woman tone es el término utilizado para referirse al distintivo sonido de guitarra eléctrico usado por Clapton a finales de los años 1960 con su Gibson SG y su amplificador Marshall de válvulas. Se ve claramente ejemplificado en la canción de Cream, "Sunshine of Your Love". Se trata de un sonido distorsionado, que se obtiene subiendo el volumen y tonos del amplificador al máximo, y la rueda del tono de la guitarra al mínimo. También, parte del sonido, es debido al característico estilo de tocar de Clapton.

Equipamiento
Guitarras

La elección de guitarras de Eric Clapton ha sido diversa, y junto con Hank Marvin, The Beatles y Jimi Hendrix, ha sido una gran influencia a la hora de popularizar algunos modelos de guitarra eléctrica en particular. Con The Yardbirds, Clapton tocó una Fender Telecaster, una Fender Jazzmaster y una Gibson ES-335 color cereza de 1964. Se convirtió a mediados de 1965 en usuario exclusivo de guitarras Gibson, después de comprar en una tienda de Londres una Gibson Les Paul Sunburst estándar. Clapton comentó sobre su estrecho mástil, lo que indicaría que se trataba de una Gibson Les Paul Standard de 1960.47
Durante los comienzos con Cream, la Gibson Les Paul Standard de 1960 fue robada. Continuó tocando con una guitarra casi idéntica que le compró a Andy Summers, hasta la compra de su guitarra más famosa de esta época, una Gibson SG de 1964. En 1968, Eric Clapton compró una Gibson Firebird y volvió a utilizar de nuevo la Gibson ES-335 color cereza de 1964.49 La historia de esta Gibson ES-335 abarca un largo período de la carrera de Clapton, siendo utilizada en su último concierto con Cream en noviembre de 1968, apareciendo en la canción "Hard Times" del álbum de 1989 Journeyman, y también en el álbum y posterior gira de From the Cradle. Fue vendida en una subasta de 2004 por 847,500 dólares americanos. Gibson sacó una edición limitada de 250 piezas de una réplica de esta Gibson llamada "Crossroads 335".
Durante la grabación de The Beatles del tema "While My Guitar Gently Weeps" usó una Gibson roja, que posteriormente le regaló a George Harrison. Esta Gibson SG llegó a manos del amigo de Harrison, Jackie Lomax, que después se la vendió al músico Todd Rundgren por 500 dólares en 1972. Rundgrend la restauró y le dio el mote de "Sunny", por la canción "Sunshine of Your Love." Le acompañó hasta el año 2000, en que la vendió en una subasta por 150.000 dólares. En el famoso concierto de Blind Faith de 1969 en Hyde Park tocó una Fender Custom Telecaster.
A finales de 1969 se cambió a Fender Stratocaster.
" Yo tenía muchas influencias cuando comencé con la Strat. En primer lugar estaban Buddy Holly, y Buddy Guy. Hank Marvin fue el primer músico reconocida en usarla aquí en Inglaterra, aunque no era mi estilo. Steve Windwood tenía tanta credibilidad, que cuando comenzó a usar una, yo pensé, oh, si él puede, yo también puedo."
La primera Statocaster fue "Brownie", usada durante la grabación del álbum Eric Clapton que en 1974 se convertiría en pieza fundamental para la creación de "Blackie", la guitarra más famosa de Clapton. En 1970 compró seis Fender Stratocasters en una tienda de Nashville, Tennessee durante su gira con Derek and the Dominos, de los cuales, posteriormente, regaló tres a George Harrison, Steve Winwood y Pete Townshend. Usó lo mejor de las tres restantes para la creación de "Blackie", que fue su guitarra favorita de directo hasta que la jubilase en 1985. La tocó por primera vez el 13 de enero de 1973 en el "Rainbow Concert". El 24 de junio de 2004, Clapton vendió "Blackie" en una subasta de Christies, en Nueva York por la cantidad de 959.500 dólares, que donó a la Crossroads Centre, un centro de desintoxicación creada por él mismo. "Brownie" ahora se encuentra expuesta en un museo musical de Seattle llamado Experience Music Project. Fender ha creado desde entonces una edición limitada de réplicas de Blackie.
Otro momento relativo a las guitarras de Clapton fue cuando en 1971 regaló una de sus guitarras firmadas al Hard Rock Cafe de Londres, para designar su taburete favorito del local. En respuesta, Pete Townshend, regaló una de sus guitarras, con una nota que rezaba: "La mía es tan buena como la suya! Love, Pete." Desde este momento Hard Rock comenzó a crear su particular estilo de decoración en sus locales.


Guitarra Eric Clapton Stratocaster.

En 1988 Fender creó la llamada Eric Clapton Stratocaster. Desde aquí Fender ha creado diversos modelos dedicados a artistas como: Rory Gallagher, Mark Knopfler, Jeff Beck, Stevie Ray Vaughan o Buddy Guy. Clapton también ha sido honrado con una serie de guitarras acústicas fabricadas por C.F. Martin & Co. La Martin 1939 000-42 que usó para su álbum acústico Unplugged fue vendida en subasta por 791.500 dólares. Hoy en día usa una Martin 000-ECHF.
Todas las subastas de guitarras que ha llevado a cabo Clapton, tanto la de 1999 (donde se recaudaron más de 5 millones de dólares),58 como la de 2004 (donde se recaudaron 7.438.624 de dólares), fueron donadas al centro de desintoxicación creado en 1997 en Antigua que lleva su nombre.

Resto de equipamiento
En su primera época con "The Roosters" su guitarra Kay sonaba a través de un amplificador Selmer Futurama III.
En su época con The Yardbirds su Stratocaster hacía uso de un amplificador Vox AC-30.
Con The Bluesbreakers tocaba su Les Paul Standard de 1960 a través de un amplificador de 45 vatios Marshall 2x12 combo (JTM 45) de 1962, con algunos retoques. El amplificador solía estar puesto a su máximo volumen, incluso en el estudio de grabación. Cuando los ingenieros se quejaban, Eric respondía: "Así es como toco".
En su época de Cream se pasó a cabezales Marshall de 100 vatios usando dos paredes completas de 4X12. También usaba un pedal Vox wah-wah y ocasionalmente un pedal con efectos fuzz.
Con Blind Faith usaba Fender Dual Showman con reverb o sus amplificadores de Marshall.
Con Derek and the Dominos, Fender Champ fue el amplificador de estudio que utilizó en la grabación de Layla and Other Assorted Love Songs. En directo, usaba Fender Dual Showmans o sus Marshall.
En solitario:
En 1976, usaba su Gibson ES-335 como guitarra slide con cuerdas Ernie Ball Super Slinky’s.009 -.042. Utilizaba amplificadores Music Man modificados con reverb y multiefectos de JBL. También usaba una pedalera Crybaby wah-wah.
A mediados de los años 80 aumentó considerable los efectos y pedaleras que usaba en directo. Sintetizadores Roland 700, controladores Bradshaw, pedaleras wah-wah Crybaby Reissue de Jim Dunlop, retardos de Ibanez, compresores DBX, retardos Roland SDE-3000, entre otros. En esta época cambió sus amplificadores a la serie Marshall 800 de 50 vatios.
En 1994, para la grabación de From the Cradle, aparte de usar más de 50 guitarras de su colección, utilizó un viejo amplificador Fender Twin sin ningún tipo de efecto y un Fender Champ.
Durante su Gira Reptile de 2001 hizo varios cambios. Comenzó utilizando unos amplificadores Fender Tweed Twins, pero a mitad de la gira cambió a Fender Vibro Kings.
Hoy en día su equipamiento se limita básicamente a una pedalera de efectos Boss Chorus CE-3, una pedalera Leslie y un pedal wah-wah 535 Crybaby de Jim Dunlop.




avatar
Greek
Admin

Mensajes : 785
Puntos : 14278
Reputación : 995
Fecha de inscripción : 03/03/2012
Edad : 49
Localización : En tu corazón

Volver arriba Ir abajo

Re: Biografías de Músicos

Mensaje  Greek el Vie Mar 23, 2012 6:37 am



David Bowie


David Robert Jones (8 de enero de 1947), más conocido como David Bowie, es un cantante polifacético, inclasificable dentro de un solo género, ya que su música involucra diversos estilos musicales como el rock, el pop y la música electrónica. Es también compositor, multiinstrumentista, productor, artista plástico y actor británico, fuertemente influyente en varias generaciones.

Nació en Brixton, un área de Londres, pero creció en el pueblo de Bromley, en Kent (actualmente parte del Gran Londres). Su carrera de músico comenzó en la década de los 60 como saxofonista y vocalista de varios grupos de blues, uno con los que pudo llegar a grabar fue The Manish Boys . Su nombre artístico fue obligado debido a la popularidad de Davy Jones, de The Monkees. El apellido Bowie fue elegido en honor del famoso personaje del Far West Jim Bowie. Desde 1992 está casado con la modelo Imán, con la que tuvo a su hija Alexandria, aunque fue con Angela Barnett (Angie), su anterior mujer, con quien tuvo a su hijo Zowie.

Una de las señas de identidad más carismáticas es la diferencia de color de su ojo izquierdo, el cual fue dañado con un compás en una pelea en el colegio.

Es reconocido por su gran poder de cambio y adaptación (en algunos casos incluso anticipadamente) a las nuevas tendencias musicales.


Biografía
Su primer grabación como solista fue el LP David Bowie de 1967. Este disco homónimo de canciones claramente pop e influenciado por los Beatles no tuvo demasiado reconocimiento en esa época aunque con el paso de los años sus fans fueron dándole mas importancia, incluso rumores aseguran que David Bowie se planteo hacer un disco, en el que retomaría esas viejas canciones, con el título de Toy. Otro ejemplo del aprecio del público para con estas canciones de la primer época es el disco doble lanzado en el año 2000 Bowie At The Beeb donde hay una gran cantidad de esas canciones previas a Space Oddity.

Su primer gran éxito llegó con la sideral "Space Oddity", canción con raices Folk y con innovadores efectos sonoros, que abre su segundo LP también llamado Space Oddity(1969) en honor a la película "2001 Odisea en el Espacio". En este album tenemos la participación destacable de Rick Wakeman, mítico tecladista inglés de Yes.

A este disco le seguiría otro de nombre The Man Who Sold The World del año 1971 y luego otro incluso mejor, el glamouroso y extraordinario Hunky Dory, con influencias de Bob Dylan, Lou Reed, el budismo o Jacques Brel. En este mismo disco encontramos "Changes", probablemente una de las canciones de pop más sofisticadas de la historia de este género, y uno de los grandes éxitos de Bowie.

El éxito de masas le llegaría con su siguiente LP, en el cual encarna a una estrella del rock, Ziggy Stardust, lo cual llevaría su obra a un terreno conceptual casi teatral.

Después de unos discos plenos de verdaderos clásicos de la historia del rock (como "Aladdin Sane" o "Diamond Dogs", cuya portada fue censurada en varios países), marcha a Estados Unidos, donde se enamora del soul para regresar y ensimismarse después del cansancio del éxito en su retiro de Berlín, dando lugar a tres discos más experimentales, producidos por Brian Eno y Tony Visconti, destacando "Low" (donde se asocia con Iggy Pop). El single más importante fue la fabulosa "Heroes", inspirada en el Muro de Berlín. Después de esta etapa, Scary Monsters será su nuevo gran disco, en el que conecta con la furia y la fuerza de la emergente new wave, con la destacada colaboración del guitarrista Robert Fripp. De aquí surge la genial "Ashes to ashes", nº 1 en Gran Bretaña. Después el Duque del Rock inicia su período más comercial con "Let's dance" (1983), con la canción que le da título y otros éxitos como "China girl" y "Modern love". En 1989 forma una superbanda llamada Tin Machine, con la que graba dos discos de estudio, que, aunque rayan a gran altura no tienen el éxito de ventas esperado.

Los géneros en los que incursionó fueron el Folk, Hard Rock, Glam, Soul, R & B, Electrónica, New Wave, Dance, Post-punk, Industrial, Drum & Bass, Pop y Art Rock.

Posteriormente seguirá experimentando en todas las direcciones demostrando, con joyas como Black tie white noise, Outside, Heathen (vuelta a colaborar con Visconti) o Reality, que el paso del tiempo no hace mella en su soberbio talento musical ni en su capacidad de innovación. A lo largo de su carrera ha versionado canciones y ha hecho colaboraciones con grupos como The Cure, Iggy Pop, Placebo, Lou Reed, Queen, Mick Jagger, Pink Floyd o recientemente The Arcade Fire. Artistas nacidos bajo su influencia son Nine Inch Nails, Pixies, Muse, London Suede o Coldplay y sus discos pueden considerarse, después de los del propio Bowie, el mejor ejemplo de una rica y polifacetica carrera musical.


Discografía

Discos de estudio


  • 1967 - David Bowie
  • 1969 - Space Oddity
  • 1971 - The man who sold the world
  • 1971 - Hunky Dory
  • 1972 - The rise and fall of Ziggy Stardust and the spiders from Mars
  • 1973 - Aladdin Sane
  • 1973 - Pinups
  • 1974 - Diamond Dogs
  • 1975 - Young Americans
  • 1976 - Station to Station
  • 1977 - Low
  • 1977 - Heroes
  • 1979 - Lodger
  • 1980 - Scary Monsters
  • 1983 - Let's dance
  • 1984 - Tonight
  • 1987 - Never Let Me Down
  • 1989 - Tin Machine
  • 1991 - Tin Machine II
  • 1993 - Black tie, White noise
  • 1993 - The Buddha of Suburbia
  • 1995 - 1-Outside
  • 1997 - Earthling
  • 1999 - Hours
  • 2002 - Heathen
  • 2003 - Reality

Discos en vivo

  • 1974 - David Live
  • 1978 - Stage
  • 1979 - Rock Concer
  • 1982 - David Bowie At The Tower Philadelphia
  • 1993 - Best Of Grunge Rock
  • 1995 - Santa Monica 1972
  • 1995 - Ziggy Stardust and the Spiders from Mars Live
  • 1995 - Live 1972
  • 1995 - RarestOneBowie
  • 1996 - A Portrait In Flesh
  • 1996 - Phoenix Festival CD
  • 2000 - Live And Well



avatar
Greek
Admin

Mensajes : 785
Puntos : 14278
Reputación : 995
Fecha de inscripción : 03/03/2012
Edad : 49
Localización : En tu corazón

Volver arriba Ir abajo

Re: Biografías de Músicos

Mensaje  Greek el Vie Mar 23, 2012 6:41 am


Cat Stevens/Yusuf Islam




Yusuf Islam (nacido Steven Demetre Georgiou en Londres, el 21 de julio de 1948) es un músico británico más conocido por su antiguo nombre artístico, Cat Stevens.
Hijo de madre sueca y de padre greco-chipriota. Cuando tenía 8 años, sus padres se separaron pero siguieron conviviendo como familia en la misma casa. Habitaban el piso superior del restaurante de su propiedad, donde todos trabajaban.
Su primer instrumento musical fue el gran piano que había en la casa. No sólo por parte de padre y madre asimiló diferentes culturas en su infancia, sino que su casa estaba además abierta a diferentes amigos y familiares. Musicalmente es el heredero de una formación clásica pero también del amor por lo popular y por las danzas y canciones folclóricas griegas que escuchaba su padre. Su nombre «Cat Stevens» surgió porque su novia decía que tenía ojos de gato. Logró hacer su primer disco gracias a su hermano, que un día gritó a toda una calle que su hermano tenía gran talento y así lograron su primer contrato en EMI Music.
A los 15 años descubrió que quería ser músico y poco después que, además, quería ser una estrella pop-rock. Con el nombre artístico «Cat Stevens» vendió millones de discos, especialmente entre los años 1960 y 1970.
Después de una experiencia cercana a la muerte, alrededor de 1978, decidió convertirse al islam y abandonar la música. Es entonces cuando adoptó el nombre Yusuf Islam.

Muchas de las canciones más famosas de Cat Stevens fueron publicadas en los años previos a su conversión al islam y él es cuidadoso respecto a sus derechos. Por ejemplo no ha permitido que sus canciones se usen en anuncios comerciales.
En 1989 fue muy criticado cuando supuestamente apoyó la fatwa (orden de asesinato) del ayatollah Ruhollah Jomeini contra el escritor anglo-indio Salman Rushdie (1947–), debido a la blasfemia cometida en su novela Los versos satánicos. Más tarde se descubrió que había sido cogido por sorpresa y que los medios, de una manera tendenciosa, desnaturalizaron el sentido de sus palabras. Un poco después hizo un comunicado donde dejaba muy claro que, aunque detestaba el contenido del libro, no estaba de acuerdo con la fatwa, diciendo: «Según la ley del islam, los musulmanes deben ceñirse a las leyes de los países donde tengan residencia».
Una vez convertido al islam decidió dejar la música, pues consideraba que el negocio que la rodea interfería en los nuevos conocimientos que deseaba adquirir. Su amor por los niños le llevó a fundar tres escuelas, los alumnos de las cuales son reputados en todo el Reino Unido. Una de dichas escuelas fue inaugurada por el Príncipe de Gales. Gran parte de su fortuna la ha dedicado a ayudar a las víctimas de las guerras y desastres naturales (Bosnia, Irak, Darfur, Gaza).
A sugerencia de Mijaíl Gorbachov le fue otorgado el premio «Hombre por la Paz».
Sin embargo, desde que dejó el mundo de la música, Yusuf Islam no ha dejado de cantar y grabar canciones
religiosas (llamadas anachid) de gran belleza.
Participó en el concierto en Sudáfrica, dado en conmemoración de la liberación de Nelson Mandela junto con otros
artistas.
En 2006 volvió a la música pop, pues como dice él: «Soy un espejo donde los musulmanes se miran para ver el mundo occidental y donde mis compatriotas se miran para ver el islam». En 2006 grabó An other cup, compendio de canciones pop donde se puede encontrar una visión mística de la vida.
Actualmente sigue participando en conciertos junto con otros artistas con el fin de recaudar fondos para ayuda humanitaria.
Su ideal es el de un islam abierto a toda la humanidad. Mantiene que el mensaje del islam ha sido manipulado por unos y por otros hasta el punto de convertirlo en algo irreconocible. Considera que la mejor manera de seguir a Moisés o a Jesús es seguir a Mahoma, el último mensajero que ratifica y actualiza los mensajes anteriores.
El príncipe Carlos de Inglaterra nombró a Cat Stevens como su embajador personal de caridad.[3] En 2011 hizo una gira de conciertos por Europa comenzando el 7 de mayo en Estocolmo y terminando en Bruselas el 2 de junio, en pro de la ayuda a los más necesitados.


Discografía

Discos

• Pony salvaje;(enero de 1966); POP #173; UK #7
• Matthew And Son; Deram (marzo de 1967); POP #173; UK #7
• New Masters; Deram (diciembre de 1967)
• Mona Bone Jakon; Island (junio de 1970); POP #164; UK #63
• Tea For The Tillerman; Island (noviembre de 1970); POP #8; UK #20
• The World Of Cat Stevens (recopilación); Deram (noviembre de 1970)
• Teaser And The Firecat; Island (septiembre de 1971); POP #2; UK #3
• Very Young And Early Songs (recopilación); Deram (Enero de 1972); UK #94
• Catch Bull At Four; Island (septiembre de 1972); POP #1; UK #2
• Foreigner; Island (julio de 1973) -POP #3; UK #3
• Buddha And The Chocolate Box; Island (marzo de 1974); POP #2; UK #3
• Saturnight (Live In Tokyo) (en vivo); Island (junio de 1974)
• Greatest Hits (recopilación); Island (julio de 1975); POP #6; UK #2
• Numbers; Island (diciembre de 1975); POP #13
• Izitso; Island (abril de 1977); POP #7; UK #18
• Back To Earth; Island (diciembre de 1978); POP #33
• Footsteps In The Dark: Greatest Hits, Vol; 2 (recopilación) (diciembre de 1984); POP #165
• The Very Best Of Cat Stevens (recopilación); Island (febrero de 1990); UK #4
• The Life Of The Last Prophet (palabras habladas), con Yusuf Islam; Mountain Of Light (septiembre de 1995)
• Prayers Of The Last Prophet (palabras habladas), con Yusuf Islam; Mountain Of Light (febrero de 1999)
• Remember: The Ultimate Collection (recopilación); Island (noviembre de 1999); UK #31
• The Very Best Of Cat Stevens (recopilación); A&M (abril de 2000); POP #58
• A Is For Allah, con Yusuf Islam; Mountain Of Light (mayo de 2000)
• Box Set (recopilación 4xcd); A&M (octubre de 2001)
• I Look, I See, con Yusuf Islam; Jamal (2003)
• The Very Best Of Cat Stevens (recopilación); Universal (octubre de 2003); UK #6
• Night Of Remembrance: Live At The Royal Alber Hall (en vivo), con Yusuf Islam; Jamal (2004)
• Majikat: Earth Tour 1976 (en vivo); Eagle (septiembre de 2004)
• Gold (recopilación); A&M (noviembre de 2005)
• An Other Cup, con Yusuf Islam (noviembre de 2006); POP #52;
UK #20
• 20th Century Masters: Millennium Collection (recopilación); A&M (mayo de 2007)
• Roadsinger, con Yusuf Islam; Ya Records (mayo de 2009); UK #11 (L)


Sencillos
• I Love My Dog / Portobello Road; Deram (septiembre de 1966); POP #118; UK #28
• Matthew And Son / Granny; Deram (diciembre de 1966); POP #115; UK #2
• I'm Gonna Get Me A Gun / School Is Out; Deram (marzo de 1967); UK #6
• A Bad Night / The Laughing Apple; Deram (julio de 1967); UK #20
• Kitty / Blackness Of The Night; Deram (diciembre de 1967); UK #47
• Lovely City (When Do You Laugh?) / Image Of Hell; Deram (febrero de 1968)
• Here Comes My Wife / It's A Supa (Dupa) Life; Deram (octubre de 1968)
• Where Are You / The View From The Top; Deram (junio de 1969)
• Lady D'Arbanville / Time / Fill My Eyes; Island (junio de 1970); UK #8
• Wild World / Miles From Nowhere; A&M (febrero de 1971); POP #11
• Moon Shadow / Father And Son; Island (junio de 1971); UK #22
• Moon Shadow / I Think I See The Light; A&M (junio de 1971); POP #30
• Tuesday's Dead / Miles From Nowhere; Island (septiembre de 1971)
• Peace Train / Where Do The Children Play; A&M (septiembre de 1971); POP #7
• Morning Has Broken / I Want To Live In A Wigham; Island (diciembre de 1971); POP #6; UK #9
• Can't Keep It In / Crab Dance; Island (noviembre de 1972); UK #13
• Sitting / Crab Dance; A&M (noviembre de 1972); POP #16
• The Hurt / Silent Sunlight; Island (julio de 1973); POP #31
• Oh Very Young / 100 I Dream; Island (marzo de 1974); POP #10
• Another Saturday Night / Home In The Sky; Island (agosto de 1974); POP #6; UK #19
• Ready / I Think I See The Light; A&M (diciembre de 1974); POP #26
• Two Fine People / A Bad Penny; Island (julio de 1975); POP #33
• Banapple Gas / Ghost Town; Island (febrero de 1976); POP #41
• Land O'Free Love And Goodbye / (I Never Wanted) To Be A Star; A&M (marzo de 1976)
• (Remember The Days Of The) Old Schoolyard / Doves; Island (junio de 1977); UK #44
• (Remember The Days Of The) Old Schoolyard / Land O'Free Love And Goodbye; A&M (junio de 1977); POP
#33
• Was Dog A Doughnut / Sweet Jamaica; A&M (noviembre de 1977); POP #70, R&B #53
• Bad Brakes / Nascimento; A&M (enero de 1979); POP #83
• Last Love Song / Nascimento; Island (febrero de 1979)
• Randy / Nascimento; A&M (abril de 1979)
• Indian Ocean (sencillo descargable) c/Yusuf Islam (marzo de 2005)
• Heaven / Where True Love Goes (sencillo descargable) c/Yusuf Islam; Polydor (octubre de 2006)
• The Day The World Gets 'Round (sencillo descargable) c/Yusuf Islam & Klaus Voormann; Universal (enero de 2009)

avatar
Greek
Admin

Mensajes : 785
Puntos : 14278
Reputación : 995
Fecha de inscripción : 03/03/2012
Edad : 49
Localización : En tu corazón

Volver arriba Ir abajo

Re: Biografías de Músicos

Mensaje  Greek el Vie Mar 23, 2012 6:44 am





Queen es una banda de rock británica formada por Freddie Mercury, Brian May y Roger Taylor en 1970 de los restos de Smile, con John Deacon uniéndose al año siguiente completando la formación histórica. La banda se volvio popular a mediados de los años 70, acumulando hasta estos días un gran numero de fans a nivel mundial.




Los comienzos

El líder de la banda, Farrokh Bulsara, conocido como Freddie Mercury, nació el 5 de septiembre de 1946, hijo de Bomi y Jer Bulsara en Zanzíbar, una isla sobre la costa oriental de África, que actualmente pertenece a Tanzania pero que por entonces era un protectorado británico.

En 1954 es enviado por sus padres al St. Peters, un colegio de pupilos cerca de Bombay en la India. Allí tendría su primer contacto con la música, más específicamente la ópera, de la mano de los discos del profesor Davis. También inició su práctica en el piano, que le serviría para formar parte del grupo de música de la escuela llamado The Hectics especializado en realizar versiones de artistas de la época como Bill Haley y sus Cometas.

A principios de la década de 1960 Farrokh retorna a Zanzíbar, pero en 1964 debe volver a abandonarla junto a sus padres y su hermana llamada Kashmira (6 años menor que él) debido a un movimiento social que dejaba en situación desventajosa a la minoría persa (de la que era parte la familia Bulsara) respecto a la mayoría negra. El lugar elegido para trasladarse fue el barrio londinense de Feltham, ubicado al norte de la ciudad. Allí Farrokh terminó sus estudios secundarios y en 1966 inició sus estudios en diseño gráfico en el Ealing College of Art obteniendo el título en 1968 con excelentes calificaciones. Por aquel período Londres no escapaba a la oleada del rock (especialmente el vinculado al movimiento hippie) y mostraba como a uno de sus máximos exponentes a Jimi Hendrix.

Freddie quedó impresionado no sólo por la calidad musical del artista sino también por sus dotes de Frontman en el escenario, por lo tanto decidió seguir sus pasos. Así es como formó parte de tres bandas que no tuvieron gran importancia: Sour Milk Sea, Ibex y Wreckage. De todos modos, no era el único recurso para sobrevivir: en 1968 montó una tienda de ropa en el Kensington Market. Uno de sus ayudantes era Roger Meddows-Taylor, baterista de una banda que tenía como líder y bajista a Tim Staffel, compañero de departamento de Bulsara y al guitarrista Brian Harold May. El grupo se llamaba Smile.

Brian Harold May nació el 19 de julio de 1947 en Middlesex. Desde muy pequeño mostró aptitudes musicales, primero con el ukelele y posteriormente la guitarra acústica y el piano.

Aficionado a la electrónica, en 1962 se embarcó junto a su padre en un ambicioso proyecto: construir una guitarra eléctrica, debido a que las comerciales (Gibson, Stratocaster) no se encontraban al alcance monetario de la familia May. Para ello recurrió a extraños materiales como los restos de una chimenea o una motocicleta vieja, botones, etcétera. La guitarra estuvo lista en 1964 (posterior barnizado). Como el sonido obtenido a través de una púa no lo convencía May decidió reemplazarla por una moneda de seis peniques, obteniéndose de esta manera un sonido mucho más claro. Desde entonces (salvo escasas interrupciones) la guitarra (apodada Red Fire Special o The Chap) y Brian May fueron compañeros inseparables.

La primera banda de la que se tiene registro fiable en la que participara May es una llamada The Left Married, perteneciente a un amigo de secundaria la cual grabó aproximadamente unas quince canciones pero donde solo interviene en tres: Appointment, She Was Once A Friend y I Need Time. Si bien las grabaciones datan de 1965, las cintas fueron editadas recién en 1993, posterior consulta y confirmación de la autenticidad de las cintas por parte de Brian May.

Después de este proyecto comenzó a tocar en 1964, otra banda de amigos que no prosperó. Ya por 1966, decidió viajar a Londres para comenzar su licenciatura en astronomía en el Imperial College, pero sin perder su afición por la música. Por eso instaló un aviso en la cartelera de la universidad solicitando baterista con el estilo de Ginger Baker (de Cream) y Mitch Mitchell (sesionista de Jimi Hendrix). El primero que respondió a la llamada fue Roger Taylor.

Roger Meddows-Taylor nació el 26 de julio de 1949 en Kings Lynn, Norfolk. En su niñez participó del coro de la escuela y empezó a mostrar interés por la guitarra. Sin embargo a los 14 años su madre le regaló una batería, instrumento del que se enamoró. Entre 1962 y 1966 militó en varias formaciones de rock zonales como The Quale and Reaction o The Reaction. Por consejo de su madre decidió iniciar una carrera universitaria. Para ello viajó a Londres inscribiéndose en la carrera de Odontología, pero en 1967 la abandonó a cambio de la biología.

En ese contexto conoce a Brian May quien lo acepta como baterista de Smile junto a Tim Staffel, que ya lo había acompañado en 1964. El sonido de la banda mostraba una clara tendencia al Hard rock. Durante 1968 emprendió una gira por diversos locales londinenses pero especialmente en el gimnasio del Imperial College con relativo éxito, llegando a tocar en un festival en el Royal Albert Hall junto a artistas como Joe Cocker.

En 1969 entran a un estudio de grabación y plasman seis canciones. Solamente dos canciones fueron editadas en forma instantánea y lo hicieron en formato simple. El lado A contenía la canción Earth y el B Step on Me. Las otras cuatro (April lady, Polar Bear, Doin All Right y Blag) recién vieron la luz en 1982 y solamente en Japón. El material no ha dejado de ser una pieza de coleccionista. El simple fue un profundo fracaso tanto en el Reino Unido como en Estados Unidos. Tim Staffel decide dejar la banda, sin embargo les recomienda que prueben con su compañero de piso y fanático de la banda, quien no era nadie mas que Freddie. Cuenta Bryan May que para el primer disco Freddie habia escrito una cancion (My Fairy King) en la que un verso decia: oh! madre mercurio, mira lo que me han hecho!. Y a partir de ese dia dijo que se iba a cambiar el nombre a Mercury. Nadie en la banda le creyo, pero sin duda él lo hizo.

Origen del nombre de la Banda

Ya en 1970 deciden buscar bajista no sin antes producirse una sustancial modificación: el nombre de la agrupación. Después de ciertas discusiones donde Taylor propuso de "The Rich Kids" se impuso la opción de Freddie Mercury: Queen. Este nombre no dejaba de ser controversial pues hacía alusión a diversos elementos: reina es el nombre de una jefa de estado monárquico, también la líder de un panal de abejas. Sin embargo queen es además la forma despectiva con que se designa a un integrante del movimiento gay y no hubo gente que no lo asociara con queer, que posee un significado similar. Con las polémicas al margen, la banda debutó con el nombre Queen el 25 de noviembre de 1970. Pero aún no encontraban bajista. El cuarto fue el elegido: John Richard Deacon.

John Richard Deacon nació el 19 de agosto de 1951 en Leicester. Ya a la edad de 12 años comenzó a participar en grupos de rock juveniles. Con uno de ellos The Art Opposition ganó varios torneos de bandas locales. En 1970 inició sus estudios de electrónica. Al año siguiente acudió al aviso en búsqueda de un bajista. Pasó el examen.

Inmediatamente Queen inició ensayos para conseguir canciones de autoría y estilo propios con el objetivo de diferenciarse de las demás bandas de la época. Por aquel entonces el Hard rock seguía vigente a través de grupos como Led Zeppelin o Deep Purple pero ya se encontraba en estado de fusión con el género progresivo que mostraba como exponentes a Pink Floyd, Genesis, Yes o Emerson, Lake and Palmer. Mercury no dejaba de aportar ideas y esto se notaba pues la banda había evolucionado desde un sonido visceral hacia otro más elaborado, más teatral, épico, pomposo pero sin perder energía.

Primeras grabaciones

En 1971 consiguen grabar cinco canciones en los estudios De Lane Lea: Keep Yourself Alive, The Night Comes Down, Great King Rat, Jesus y Liar. El demo resultante fue enviado a diversas compañías para una posterior contratación, al principio sin mucho éxito. A pesar de esto en 1972 se embarcan en una pequeña gira por el sudoeste del Reino Unido, zona de origen de Taylor, con buen recibimiento. A mediados de año reciben una oferta de la grabadora Trident, sin antes organizarles un recital en el famoso local Marquee a modo de prueba que es superada con éxito.

De esta manera, el segundo semestre de 1972 encuentra a Queen en los estudios de grabación preparando su primer disco. No obstante deben hacerlo en los tiempos muertos cuando celebridades como David Bowie no lo utilizan. El material es finalizado a principios de 1973 y la banda quedó muy conforme a pesar de las dificultades. Sólo faltaba que Trident ubicara el álbum en alguna discográfica. En mayo la EMI decide editar el disco pero el lanzamiento no se producirá hasta el 13 de julio de 1973 bajo el título "Queen". Una semana antes se había lanzado el single Keep Yourself Alive/Son and Daughter que no entró a las listas. Queen muestra a la banda con un sonido cercano al hard rock. Esto se hace evidente en canciones como Great King Rat, Jesus, Modern Times Rock 'N Roll, Son and Daughter o Keep Yourself Alive.
Sin embargo comienzan a verse la presencia de la ópera en temas como My Fairy King o el instrumental Seven Seas of Rhye. Los cambios de ritmo se hacen patentes en Liar y Doing All Right (la misma que utilizara Smile 4 años antes). The Night Comes Down los muestra en una faceta exótica en una introducción y un cierre orientales.

Si bien el álbum no entra a los 10 discos más vendidos de Reino Unido, la banda consigue llamar la atención de nuevos fanáticos. Esto los motiva a entrar de nuevo en el estudio de grabación en agosto de 1973. Además, reciben una gran noticia: el grupo de moda en ese momento, Mott The Hoople, quiere que les hagan de teloneros de sus shows por el Reino Unido. La gira se realiza entre octubre y diciembre culminando en el Hammersmith Odeon londinense. A principios de 1974 el grupo termina de grabar el nuevo material. El 3 de febrero realizan su primer show extraeuropeo en el marco del Sundance Festival en Melbourne, Australia. A su retorno a Inglaterra reciben las primeras copias del futuro álbum.

El 23 de febrero se edita un adelanto de éste: el simple Seven Seas Of Rhye (Mercury)/See What I Fool I've Been (May). El lado B no fue incluido en el disco. El simple les permite llegar por primera vez al chart inglés permaneciendo allí por 10 semanas obteniendo el puesto 10. El 8 de marzo finalmente es lanzado Queen II. Inicia con Procession (May), canción con guitarras sobrecargadas y percusión mínima de poco más de un minuto utilizado ya en 1973 para abrir los recitales. Father to Son (May) es un rock con influencia heavy y cambios de ritmo. Brian May también es el autor de la balada White Queen (as it Began), escrita en 1969 y el folk Some Day One Day. El lado blanco (nombre dado al lado uno) cierra con The Loser in the End, heavy canción de Roger Taylor. El lado negro (o dos) es autoría exclusiva de Freddie Mercury. Inicia con la psicodelia hard de Ogre Battle, seguidas por la barroca The Fairy Fellers Master Stroke (basada en una pintura de Richard Dad)y la corta Nevermore. The March of the Black Queen adelanta lo que será la etapa más operística de Queen. Le siguen Funny How Love Is y Seven Seas of the Rhye (grabada especialmente solo para un programa de la BBC pero quedando finalmente entre las canciones del disco). Queen II alcanzó el puesto número 5 en las listas británicas, manteniéndose en ellas durante 29 semanas. En ese contexto inician su primera gira por Gran Bretaña como cabezas de cartel llegando a tocar por primera vez en el afamado Rainbow Theatre de Londres el 30 de marzo. El tour cierra el 2 de abril. En marzo comienzan su gira por Estados Unidos como teloneros de Mott the Hoople. Sin embargo, tras cinco presentaciones en el Uris Theatre de Nueva York a Brian May se le detecta una gangrena en el brazo. Muchos advierten que la responsable tal vez sea la aguja con la que el guitarrista se aplicó una inyección antes del viaje a Australia a principios de año. El problema fue tan serio que hasta hubo peligro de amputación de brazo. La banda abandona la gira y los reemplaza Kansas como teloneros. Los siguientes meses serían para grabar nuevo material siempre y cuando la salud de May lo permitiera. Mientras se desarrollaba ya con cierta normalidad la grabación del nuevo material Queen tuvo que volver a detenerse. Resultó que el continuo consumo de medicamentos provocó el despertar de una úlcera en Brian May.

Sin embargo pudieron finalizar el proceso y el 11 de octubre salió a la luz el primer resultado. Se edita el simple Killer Queen/Flick of the Wrist, ambas canciones de Freddie Mercury. Killer Queen es una canción con ritmo de music hall que cuenta la historia de una chica de clase alta que se prostituye mientras Flick of the Wrist es un hard rock. El simple alcanzó el puesto 2 del ranking inglés manteniéndose allí por 12 semanas. Casi 3 semanas después (1 de noviembre) se lanza el álbum Sheer Heart Attack que contiene 13 canciones. Inicia con Brighton Rock (May), canción con una estructura de solo de guitarra similar al Blag de Smile, le siguen Killer Queen y los rockeros Tenement Funster (Taylor) y Flick of the Wrist que dan paso a la tranquila Lily of the Valley (Mercury). Cierra el lado B Now I´m Here (May), un rock ´n roll con un pasaje que homenajea a Mott the Hoople compuesto mientras el guitarrista estaba en el hospital recuperándose. Sobre el final May realiza un solo similar a los de Chuck Berry. El lado B comienza con In the Laps of the Gods (Mercury) que contiene voces distorsionadas. Stone Cold Crazy (autoría de los cuatro miembros)es considerado por muchos el primer thrash metal de la historia. Dear Friends (Mercury) es solo la voz del cantante con piano y algún que otro coro. Le sigue la primera composición de John Deacon, Misfire. Bring Back That Leroy Brown (Mercury) es un charleston donde May toca un ukelele. She Makes Me (Stormtrooper in Stilettoes) de Brian May es una canción de amor-odio que al final deja escuchar sonidos de la ciudad de Nueva York obtenidos durante la estadía de la banda en su primera gira por los Estados Unidos. Cierra el disco In the Laps of the Gods...Revisited (Mercury)que posee tiempos de vals. Sheer Heart Attack llegó al puesto 2 del ranking inglés quedándose allí por 42 semanas.

Gracias al éxito del disco, Queen se embarca en otra gira por el Reino Unido cerrándola con dos espectáculos en el Rainbow Theatre, ambos filmados por Bruce Gowers para una posible película. El 17 de enero de 1975 es lanzado el simple Now I'm Here/Lily of the Valley. Se mantuvo en el ranking británico durante 7 semanas alcanzando el puesto 11. Justamente a principios del nuevo año Queen inicia una nueva gira por Estados Unidos (ahora como cabezas de cartel). Sin embargo vuelven los problemas. Ahora los padece Freddie Mercury al que se le disgnostican nódulos en la garganta por lo tanto deben disminuir la frecuencia de recitales y finalmente el 24 de febrero en Washington cancelar la gira. Después de unas semanas de descanso en Hawaii, en mayo la banda efectúa su primer tour por Japón tocando varias veces en el Budokan Hall. Fue el cierre de presentación de Sheer Heart Attack. Por entonces era notoria la mala relación de Queen con su productora Trident vinculada a razones económicas. El ascenso del grupo estaba provocando un incremento en las exigencias, las cuales para sus integrantes no eran satisfechas mientran veían el buen pasar de sus patrones. De esta forma mientras permanecían en Hawaii iniciaron tratativas con otras discográficas, entre otras Swan Song (que editaba a Led Zeppelin). La EMI que venía editando los álbumes de la banda bajo producción de Trident finalmente decidió contratar en forma definitiva a Queen. Nombraron a Peter Beach como abogado para negociar la rescisión de la claúsula que mantenía unidos al grupo con Trident y se asigna a John Reid (por entonces manager de Elton John) como su nuevo apoderado. De esta manera, Queen inicia las grabaciones de su cuarto álbum.

La llegada del éxito

Como adelanto del inminente álbum el 31 de octubre de 1975 aparece el single Bohemian Rhapsody (Mercury)/ I'm in love with my car (Taylor). El primero es un tema de casi de seis minutos de duración dividido en cuatro secciones (al principio dominada por coros, luego una balada seguida por un segmento operístico que estalla en un heavy metal que finalmente retorna a lo melódico) mientras que la canción de Taylor es un blues que demuestra la afición del baterista por los autos de carrera. Ingresa en el puesto 47 a las listas inglesas pero a finales de noviembre se convierte en el primer número uno de la banda permaneciendo en ese lugar por 9 semanas. Bohemian Rhapsody inmediatamente pasa a ser parte de la cultura popular. Además de su éxito comercial provocó la creación del primer videoclip de la historia.

El 21 de noviembre lanzan "A Night At The Opera". La primera canción del álbum "Death on two legs (Dedicated to...)", canción de Freddie Mercury, está escrita para el anterior mánager de la banda Jack Nelson y su anterior compañía disquera que fueron considerados por los miembros de la banda como unos "chupasangre" lo que motivó que éste planteara iniciar acciones legales que no se concretaron gracias a que la EMI argumentó que la canción no da nombres. Le sigue Lazing on a Sunday Afternoon (Mercury)de poco más de un minuto de duración seguida por I´m in love with my car. You´re my best Friend (Deacon)es una canción pop. El 18 de mayo de 1976 se constituirá en la primer canción del bajista que se utiliza como lado A de un single (que alcanza el número 7 del chart manteniéndose por 8 semanas). Casualmente el lado B del sencillo es ocupado por el siguiente tema del álbum: '39, un country/folk escrito por Brian May, el cual relata un extraño viaje espacial. Sweet Lady (May) es un potente hard rock. Seaside Rendezvous (Mercury) un vaudeville propio de la década del ´30 cierra el lado A. El lado B inicia con la extensa (8 minutos con 2 segundos) The Prophet´s Song de Brian May. Para su grabación utiliza un toy koto, instrumento de cuerdas japonés. En la mitad de la canción se produce un corte donde surge un intrincado juego de voces sobregrabadas. Love of my Life (Mercury) es la balada del disco. Para ella Brian May recurre a un arpa. Good Company, autoría del guitarrista, es un charleston donde aparecen ukeleles y bronces en la percusión. Bohemian Rhapsody es la siguiente canción. El lado cierra con la versión que May realizara del himno británico que anteriormente ya venía culminando los recitales en vivo. A Night at the Opera representó el comienzo de la auténtica masividad pues alcanzó el número 1 en Inglaterra (el 4 en Estados Unidos) estando en las listas británicas durante 50 semanas lo que le permitió obtener certificación de platino. 1975 concluye con un show grabado por la BBC en el Hammersmith Odeon. El siguiente año inicia con una gira por Japón, Australia y finalmente Estados Unidos. Durante septiembre de 1976 el grupo realiza un pequeño tour por el Reino Unido que concluye el 18 de Septiembre (sexto aniversario de la muerte de Jimi Hendrix) con un recital gratuito en el Hyde Park londinense ante 150 mil personas que no fue completado debido a que la policía desconectó el equipo al considerar que era demasiado tarde (fue el primer recital nocturno en el parque que antes había alojado a los Rolling Stones en 1969). Durante estos shows Queen estrenó dos canciones que formarían parte del próximo álbum.


Como adelanto del nuevo disco, el 12 de noviembre aparece el single Somebody to Love (Mercury)/ White Man (May)que llegó al puesto 2 del ranking inglés permaneciendo allí durante 9 semanas. El 10 de diciembre se lanza al mercado el álbum A Day At The Races. Se presentó en una fiesta en el Kempton Race Park, hasta donde llegó un telegrama del cómico Groucho Marx para desearles suerte con la nueva placa. El disco escaló hasta el puesto n° 1 en la cartelera britanica. También son bien recibidos los siguientes singles Tie Your Mother Down y Good Old Fashioned Lover Boy(en realidad el título del single es Queen's First EP). El álbum de principio a fin demuestra que no tiene nada que envidiarle al anterior, sin embargo, no se le valoró de la misma forma.

En 1977 ponen a la venta "News Of The World", el cual incluye los temas "We Will Rock You" y "We Are The champions" que pasarían a convertirse en himnos utilizados en muchos acontecimientos deportivos.


En 1978 publican "Jazz", que alcanza una ventas inferiores a los anteriores. Se destacan como singles "Don't Stop Me Now" y Bicycle Race Sin embargo ya estaban preparando material para su siguiente álbum. En 1979 ponen a la venta su primer disco en vivo titulado "Live Killers" el cual fue todo un éxito. Consiguió ganar 2 discos de platino en EE. UU y en otros países. A mediados de aquel año lanzaron como single "Crazy Little Thing Called love" que posteriormente se incluiría en el futuro álbum "The Game", la cual tiene un estilo rockabilly a lo Elvis Presley. Fue todo un éxito. Tras la publicación del single se pone en marcha el Crazy Tour.

En 1980 ponen a la venta The Game. La canción "Another One Bites the Dust", escrita por John Deacon, llega al número 1 en EE. UU y en gran parte del mundo y acaba convirtiéndose en su single más vendido. Los otros singles destacados fueron "Save Me" y "Play The Game". Ya en diciembre de este año lanzan la banda sonora del film Flash Gordon, un disco menor en cuanto a ventas comparado con sus otras producciones, pero no menos importante dentro de la discografía de la banda. Al terminar la década, Queen ya se encumbraba por los 45 millones de discos vendidos. En la actualidad esa cifra bordea los 150.

En 1981, fruto de una colaboración con David Bowie, sacan a la venta la canción "Under Pressure", alcanzando el número uno. Esto fue casi simultaneo con el lanzamiento de su primer Greatest Hits, el cual batió records de venta y lo sigue haciendo hasta nuestros días.

En 1982 publican el álbum "Hot Space" duramente criticado por algunos ya que se aleja demasiado del sonido original de la banda, acercándose al sonido "disco" de la época y a la psicodelia.

En 1984 aparece "The Works", álbum que contiene los hits "I want to break free", "Radio Ga Ga" (ambos de gran éxito en América latína) así como también "Hammer to fall", canción "obligatoria" en los shows en directo y la balada "It's A Hard Life". El álbum no fue bien recibido por la crítica pero tuvo buenas ventas a nivel mundial. Al año siguiente son invitados al concierto de ayuda a África Live Aid.

Para finales de 1985 lanzan "One Vision". Ésta canción es utilizada en la película "Iron Eagle", y después es lanzanda en su nuevo disco. A principios de 1986 sacan a la venta su disco "A Kind Of Magic", con canciones que serían utilizadas en la película Highlander interpretada por Christopher Lambert. Ese disco fue un gran éxito, gracias a la canción también titulada "A Kind Of Magic" (número 1 en 35 países), el tema que sería el intro de la serie interpretada por Adrian Paul en 1992: Princes of the Universe, la hermosa "Friends Will Be Friends" y la rockera "One Vision". Ese mismo año hicieron su última gira llamada "Magic Tour" donde tocaron en el Estadio de Wembley (Reino Unido) ante unas 72.000 personas cada noche, vendiéndose las entradas en solo seis horas.

Consumación

Su último concierto fue en el "Knebworth Park" con capacidad para 120,000 personas. Las entradas se vendieron en 2 horas. Los años siguientes anunciaron que no daban conciertos porque querían un tiempo de relajación. Sin embargo era otra la razón para eso. Después, en 1989 sacaron su disco "The Miracle" cuando ya la crítica pensaba que Queen había terminado, el álbum tuvo relativo éxito.. El mayor hit fue "I Want It All", que llegó al número uno en varios países. "Breakthru", The Miracle y The Invisible Man también logran posicionarse en los primeros lugares, reforzados por video clips de gran calidad que apoyaron su difusión. Después de la salida de este álbum la banda comunica que no se presentará en vivo en ningún concierto, la razón fue de que se consideraban demasiado maduritos como para, literalmente, "ir correteando en mallas de leotardo cuando se tiene 40 años".

A principios de los 90´s se empezaba a rumorear que Mercury tenía SIDA. Mercury siempre desmentía eso aunque el sabía que el final estaba cerca.

En 1991 sacaron su último álbum inédito titulado Innuendo. La canción del mismo nombre , fue de un éxito arrollador, y el álbum fue aclamado por una parte de la crítica mencionando que Queen se había superado a sí misma. La venta del álbum logró muy buenas posiciones en los rankings de venta en diferentes países del mundo. Los otros singles de apoyo fueron "Headlong", "I'm Going Slightly Mad" (curiosamente llegó al número 1 en Hong Kong), y la legendaria "The Show Must Go On", compuesta por toda la banda, principalmente por Brian May, para Freddie Mercury, con una letra que reflejaba el momento que estaba viviendo el vocalista.
Otras canciones de gran valor son "Don't try so hard", donde Mercury desplega todo su arsenal vocalistico ya en sus últimos años de vida. Por supuesto las letras de casi todos las últimas canciones hacian referencia a lo que más tarde sucedería. Un ejemplo de esto es la melancólica "These are the days of our lives" en cuyo video clip se le ve al cantante totalmente demacrado y muy delgado.

El 23 de noviembre Freddie anuncia a sus fans y al mundo (a través de un comunicado de prensa) que era portador del virus VIH y que estaba enfermo de SIDA . El 24 de noviembre de 1991 Freddie Mercury pierde su batalla contra el SIDA. Aunque es probable que Freddie jamás revelara personalmente su verdadero estado de salud, ya que como se sabe, Freddie era muy discreto con su vida privada, el comunicado muy posiblemente lo habrían redactado sus compañeros de banda al ver el inevitable fin de Freddie.

Tributo

El 20 de abril de 1992 se hace un concierto en tributo a Freddie Mercury en el estadio de Wembley. Este concierto sirvió para dar conciencia al mundo del virus del SIDA y sus consecuencias. Al concierto asistieron varias celebridades como Metallica, Robert Plant, Def Leppard, Guns n' Roses, Elizabeth Taylor, Elton John, George Michael, Lisa Stansfield, Zucchero, Roger Daltrey entre otros junto con los 3 supervivientes del grupo (May, Deacon y Taylor). En total sumaron 39 artistas. Este concierto se considera uno de los más importantes en la historia y por supuesto, de los mas vistos.

En 1995 sacan el álbum Made In Heaven, de ventas millonarias, el cual es un homenaje a Mercury y además sacan el último material que grabó con el grupo. En este cd aparecen 2 tracks que no se mencionan en la contratapa y que verdaderamente le dan un toque especial a este album debido a que contienen sonidos como "enviados del cielo" y con voces y ecos que se escuchan a los lejos (en una parte se puede escuchar "Are you running? dicho por Freddie). El segundo tema dura aproximadamente 20 minutos.
Dos años más tarde, en 1997, Brian May, Roger Taylor y John Deacon se reúnen nuevamente en un estudio para grabar el que hasta el día de hoy es el tema final de Queen, titulado No-One But You (Only The Good Die Young), el que fue publicado como single y dentro del recopilatorio "Queen Rocks", una colección de cortes rockeros que recorren toda su carrera desde "Queen" hasta "Innuendo". El video de esta canción dedicada a Freddie, contiene imágenes que recuerdan a Freddie a lo largo de su carrera y ya en el final del video se observa como los integrantes dejan un vaso de champain sobre el piano que era la bebida favorita del fallecido cantante.

Ya en 1999 Queen lanza su último "Greatest Hits", esta vez el III. Consiste en una colección de temas que a diferencia de sus predecesores cuenta con remixes como de Under Pressure con David Bowie, una versión de Another One Bites The Dust con Wyclef Jean y las colaboraciones junto a Elton John y George Michael, además de canciones de los proyectos en solitario de Brian May y Freddie Mercury

Queen +

El año 2000 Brian May y Roger Taylor se reúnen nuevamente para grabar una nueva versión del clásico "We Will Rock You" con el quinteto juvenil Five. Si bien el single anduvo bien en los chart, llegando al N°1 en UK, para gran número de fans fue un atentado a la esencia de Queen. John Deacon no se quiso sumar a este nuevo proyecto y se retiró definitivamente de la música.

El 2001 junto a Robbie Williams recrean otro clásico del disco "News Of The World", "We Are The Champions", como parte de la banda sonora de "A Knight's Tale"

Ya en el 2002 Brian May y Roger Taylor productores de teatro se unen junto con Robert de Niro para realizar la ópera-rock We Will Rock You, obra escrita por Ben Elton y ambientada en un mundo futurista donde no quedan vestigios de lo que fue el rock. Hasta el día de hoy el musical ha sido un éxito sin precedentes, realizándose versiones para distintos países tan diversos como España, Australia, Rusia, entre otros. Ese mismo año Queen comienza a lanzar su musica en un nuevo formato: DVD. Ya se habían lanzado anteriormente en "We Will Rock You" que recoge los conciertos dados por Queen el 24 y 25 noviembre de 1981 en Montreal, Canada, y The Freddie Mercury Tribute Concert, en una edición especial para conmemorar los 10 años de aquel mega espectáculo. Conocidos como The DVD Collection, el encargado de abrir esta nueva serie es el "Greatest Video Hits 1" que consiste en la colección de videos desde 1973 hasta 1980. A este se sumarían "Live At Wembley Stadium" y "Greatest Video Hits 2", ambos del 2003, y el 2004 el "On Fire Live At The Bowl"(también en CD), que corresponde al mítico concierto dado el 5 de mayo de 1982 en el Milton Keynes Bowl de Inglaterra.

A finales del año 2004 se anuncia que los antiguos miembros de Queen, Brian May y Roger Taylor, se unirían al cantante de Bad Company, Free y The Firm, Paul Rodgers para realizar una gira bajo el nombre de Queen + Paul Rodgers, que ha sido un rotundo éxito en el 2005 y 2006, llegando a lanzarse un doble CD y dos DVDs, uno que recoge la presentación en Sheffield, UK, y otro doble que contiene uno de los conciertos dados en Japón. Esta reagrupación de la banda ha tocado la sensibilidad de los fans ya que este proyecto solo cuenta con dos de sus integrantes originales, aunque Paul (nueva voz) ha reconocido que Freddie es irremplazable y que él no pretende remplazarlo. Muchos, incluyendo a Deacon, ven imposible un Queen sin Mercury.

Recientemente Brian May ha publicado la posibilidad de que en octubre del año 2006 empiecen a grabar nuevo material de estudio.

Miembros


  • Freddie Mercury - voz y piano [1946-1991]
  • Brian May - voz y guitarra [1947-]
  • John Deacon - bajo [1951-]
  • Roger Taylor - voz y batería [1949-]


Discografía


  • Queen (1973)
  • Keep yourself Alive
  • Doing All Right
  • Liar
  • Jesus
  • Seven Seas of Rhye
  • Great King Rat
  • My Fairy King
  • The Night Comes Down
  • Modern Times Rock 'N' Roll
  • Son and Daughter
  • Queen II (1974)
  • Procession
  • Father to son
  • White Queen (As it Began)
  • Some day One day
  • The Loser in the end
  • Ogre Battle
  • The fairy feller's master stroke
  • Nevermore
  • The March of the Black Queen
  • Funny How Love Is
  • Seven Seas of Rhye
  • Sheer Heart Attack (1974)
  • Brighton Rock
  • Killer Queen
  • Tenement Funster
  • Flick of the Wrist
  • Lily of the Valley
  • Now I'm Here
  • In the Laps of the Gods
  • Stone Cold Crazy
  • Dear Friends
  • Misfire
  • Bring back That Leroy Brown
  • She Makes Me (Stormtrooper in Stilettoes)
  • In the Laps of the Gods (Revisited)
  • A Night At The Opera (1975)
  • Death on Two Legs (Dedicated to...)
  • Lazing on a Sunday Afternoon
  • I'm in Love with My Car
  • You're My Best Friend
  • '39
  • Sweet Lady
  • Good Company
  • The Prophets Song
  • Love of my Life
  • Seaside Rendezvous
  • Bohemian Rhapsody
  • God Save the Queen
  • A Day At The Races (1976)
  • Tie your mother down
  • You take my breath away
  • Long away
  • The millonaire waltz
  • You and I
  • Somebody to love
  • White man
  • Good old fashioned lover boy
  • Drowse
  • Teo torriate (let us cling togheter)
  • News Of The World (1977)
  • We will rock you
  • We are the champions
  • Sheer heart attack
  • All dead, all dead
  • Spread your wings
  • Fight from the inside
  • Get down, make love
  • Sleeping on the sidewalk
  • Who needs you
  • It's late
  • My melancholy blues
  • Jazz (1978)
  • Mustapha
  • Fat bottomed girls
  • Jealousy
  • Bicycle race
  • If you can't beat then
  • Let me entertain you
  • Dead on time
  • In only seven days
  • Dreamer's ball
  • Fun it
  • Leaving home ain't easy
  • Don't stop me now
  • More of that jazz
  • The Game (1980)
  • Play the game
  • Dragon attack
  • Another one bites the dust
  • Need your loving tonight
  • Crazy little thing call love
  • Rock it (prime jive)
  • Don't try suicide
  • Sail away sweet sister
  • Comming soon
  • Save me
  • Flash Gordon (1980)
  • Flash's theme
  • In the space capsule
  • Ming's theme
  • The ring
  • Footbal fight
  • In the death cell
  • Executipon of Flash
  • The kiss
  • Arboria
  • Escape from the swamp
  • Flash to the rescue
  • Vultan's theme
  • Battle theme
  • The wedding march
  • Marriage of Dale and Ming
  • Crash dive on Mingo city
  • Flash's theme reprise
  • The hero
  • Hot Space (1982)
  • Staying power
  • Dancer
  • Back chat
  • Body languaje
  • Action this day
  • Put out the fire
  • Life is real
  • Calling all girls
  • Las palabras de amor
  • Cool cat
  • Under pressure
  • The Works (1984)
  • Radio Ga Ga
  • Tear it up
  • It's a hard life
  • Man on the prowl
  • Machines
  • I want to break free
  • Keep passing the open windows
  • Hammer to fall
  • Is this the world we created...?
  • A Kind Of Magic (1986)
  • One vision
  • A kind of magic
  • One year of love
  • Pain is so close to pleasure
  • Friends will be friends
  • Who wants to live forever
  • Gimme the prize
  • Don't lose your head
  • Princes of the Universe
  • A kind of 'A kind of magic'
  • Friends will be friends will be friends...
  • Forever
  • The Miracle (1989)
  • Party
  • Khashoggi's ship
  • The miracle
  • I want it all
  • The invisible man
  • Breakthru
  • Rain must fall
  • Scandal
  • My baby does me
  • Was it all worth it
  • Hang on in there
  • Chinese torture
  • The invisible man
  • Queen At The Beeb ´73 (1989)
  • My fairy king
  • Keep yourself alive
  • Doin' All Right
  • Liar
  • Ogre battle
  • Great king rat
  • Modern times rock 'n' roll
  • Son and daughter
  • Innuendo (1991)
  • Innuendo
  • I'm going slightly mad
  • Headlong
  • I can't live with you
  • Don't try so hard
  • Ride the wild wind
  • All God's people
  • These Are the Days of Our Lives
  • Delilah
  • The hitman
  • Bijou
  • The show must go on
  • Made In Heaven (1995)
  • It's a beatutiful day
  • Made in heaven
  • Let me live
  • Mother love
  • My life has been saved
  • I was born to love you
  • Heaven for everyone
  • Too much love will kill you
  • You don't fool me
  • A winter's tale
  • It's a beatutiful day


Discos en Vivo


  • Live Killers (1979)
  • We will rock you
  • Let me entertain you
  • Death on two legs
  • Killer queen
  • Bicycle race
  • I'm in love with my car
  • Get down, make love
  • You're my best friend
  • Now I'm here
  • Dreamer's ball
  • Love of my life
  • 39
  • Keep yourself alive
  • Don't stop me now
  • Spread your wings
  • Brighton rock
  • Bohemian rhapsody
  • Tie your mother down
  • Sheer heart attack
  • We will rock you
  • We are the champions
  • God save the queen
  • Live Magic (1986)
  • One vision
  • Tie your mother down
  • Seven seas of rhye
  • A kind of magic
  • Under pressure
  • Another one bites the dust
  • I want to break free
  • Is this the world we created?
  • Bohemian rhapsody
  • Hammer to fall
  • Radio Ga-Ga
  • We will rock you
  • Friends will be friends
  • We are the champions
  • God save the queen
  • Live At Wembley ´86 (1992)
  • One vision
  • Tie your mother down
  • In the lap of the Gods
  • Seven seas of Rhye
  • Tear it up
  • A kind of magic
  • Under pressure
  • Another one bites the dust
  • Who wants to live forever
  • I want to break free
  • Impromptu
  • Brighton rock
  • Now I'm here
  • Love of my life
  • Is this the world we created
  • Baby I don't care
  • Hello Mary Lou
  • Tutti Frutti
  • Gimme some lovin'
  • Bohemian Rhapsody
  • Hammer to fall
  • Crazy little thing called love
  • Big spender
  • Radio Ga Ga
  • We will rock you
  • Friends will be friends
  • We are the champions
  • God save the queen
  • Queen on fire - Live at the Bowl (2004)
  • Flash
  • The hero
  • We will rock you (Fast)
  • Action this day
  • Play the game
  • Staying power
  • Somebody to love
  • Now I'm here
  • Dragon attack
  • Now I'm here (Reprise)
  • Love of my life
  • Save me
  • Back chat
  • Get down make love
  • Guitar solo
  • Under pressure
  • Fat bottomed girls
  • Crazy little thing called love
  • Bohemian Rhapsody
  • Tie your mother down
  • Another one bites the dust
  • Sheer heart attack
  • We will rock you
  • We are the champions
  • God save The Queen



Queen + Paul Rodgers - Return of the Champions (2005)

CD 1


  • Reaching out
  • Tie your mother down
  • I want to break free
  • Fat bottomed girls
  • Wishing well
  • Another one bites the dust
  • Crazy little thing called Love
  • Say it's not true
  • '39
  • Love of my life
  • Hammer to fall
  • Feel like makin' love
  • Let there be drums
  • I'm in love with my car
  • Guitar solo
  • Last horizon

CD 2


  • These are the days of our lives
  • Radio Ga Ga
  • Can't get enough
  • A kind of magic
  • I want it all
  • Bohemian rhapsody
  • The show must go on
  • All right now
  • We will rock you
  • We are the champions
  • God save The Queen


Recopilaciones


  • Greatest Hits (1981)
  • Greatest Hits II (1991)
  • Classic Queen(USA) (1992)
  • Queen Rocks (1997)
  • Greatest Hits III (1999)


Videografía


  • Greatest Flix (1981)
  • We Will Rock You (1984)
  • The Works EP (1984)
  • Live In Rio (1985)
  • Who Wants To Live Forever (1986)
  • Live In Budapest (1987)
  • Bohemian Rhapsody (1987)
  • The Magic Years (1987)
  • Rare Live (1989)
  • The Miracle EP (1989)
  • Queen At Wembley (1990)
  • Greatest Flix II (1991)
  • Box Of Flix (1991)
  • Live At The Rainbow (1992)
  • Classic Queen (Solo USA 1992)
  • Greatest Hits (Solo USA 1992)
  • The Freddie Mercury Tribute Concert (1993)
  • Champions Of The World (1995)
  • Made In Heaven - The Films (1996)
  • Queen Rocks (1998)
  • Greatest Karaoke Hits (solo Japón 1998)
  • Greatest Flix III (1999)


DVD video


  • We Will Rock You (múltiples ediciones desde 1997)
  • The Freddie Mercury Tribute Concert (2002)
  • Greatest Video Hits 1 (2002)
  • Live At Wembley Stadium (2003)
  • Greatest Video Hits 2 (2003)
  • Greatest Karaoke Hits (solo en Japón y Korea 2004)
  • On Fire - Live At The Bowl (2004)
  • Queen + Paul Rodgers - Return Of The Champions (2005)
  • A Night At The Opera - 30th Anniversay Collectors Edition (2005)
  • The Making Of A Night At The Opera (2006)
  • Queen + Paul Rodgers - Super Live In Japan (solo Japón 2006)



avatar
Greek
Admin

Mensajes : 785
Puntos : 14278
Reputación : 995
Fecha de inscripción : 03/03/2012
Edad : 49
Localización : En tu corazón

Volver arriba Ir abajo

Re: Biografías de Músicos

Mensaje  Greek el Vie Mar 23, 2012 6:46 am



Dream Theater es una banda estadounidense de metal progresivo, iniciada en 1985 bajo el nombre de Majesty por Mike Portnoy, John Myung y John Petrucci mientras eran estudiantes del Berklee College of Music, Massachusetts. En sus veintiseis años de existencia, se ha convertido en la banda de su género más exitosa después de la época de oro del rock progresivo (a mediados de los años 1970), a pesar de ser relativamente desconocidos en los círculos mainstream del pop y del rock.
Sus dos álbumes con más ventas son Images and Words (1992), que obtuvo un disco de oro y alcanzó el número 61 en la cartelera Billboard 200; y Black Clouds & Silver Linings (2009), que debutó en el puesto 6 en la misma cartelera. Desde 1991, Dream Theater ha vendido más de 2,1 millones de álbumes en los Estados Unidos4 y más de diez millones de álbumes en todo el mundo desde su formación.
La banda es conocida por la técnica y enorme virtuosismo de sus miembros, que han recibido numerosos premios de revistas especializadas. Los miembros de la banda han colaborado con muchos otros músicos y grupos, como Ayreon, Neal Morse, Porcupine Tree o Gordian Knot.
El antiguo baterista de la banda, Mike Portnoy, ha recibido 23 premios de la revista Modern Drummer y es la segunda persona más joven en ser introducida en el Modern Drummer Hall of Fame, reconocimiento que le fue otorgado en 2004, a sus 37 años.
El guitarrista John Petrucci ha sido invitado seis veces a participar como tercer guitarrista en la gira G3 con Steve Vai y Joe Satriani siguiendo los pasos de otros guitarristas como Yngwie Malmsteen, Eric Johnson o Robert Fripp, siendo el guitarrista que más veces ha sido invitado a estas giras. En 2009 fue nombrado el segundo mejor guitarrista de metal por Joel McIver en su libro The 100 Greatest Metal Guitarists.
John Myung fue votado en 2010 como el mejor bajista de todos los tiempos según el sitio de música especializado Music Radar.
Dream Theater también es notable por su versatilidad musical y los muchos géneros diferentes que su propia música incorpora, lo que ha hecho posible para ellos realizar espectáculos con un rango de actos muy diversos. Algunos de sus más notables compañeros de gira incluyen a Between the Buried and Me, Deep Purple, Emerson, Lake & Palmer, Iron Maiden, Joe Satriani, King's X, Marillion, Megadeth, In Flames, Pain of Salvation, Porcupine Tree, Zappa Plays Zappa, Opeth, Queensrÿche, Spock's Beard, Fear Factory, Fates Warning, Symphony X y Yes. En 2005, Dream Theater hizo una gira por Estados Unidos en el festival Gigantour, junto a Megadeth.


Historia

1985 - 1990


Dream Theater fue formado en septiembre de 1985. La alineación inicial contaba con el guitarrista John Petrucci, el bajista John Myung, el baterista Mike Portnoy, Kevin Moore en los teclados y el vocalista Chris Collins.
El nombre actual de la banda proviene de un teatro ubicado en Los Ángeles, California, tras sugerencia del padre de Mike Portnoy el cual vivía en esa ciudad. Sugirió bautizar al grupo de esta manera luego de algunos problemas legales con el nombre original del grupo, Majesty.
En noviembre de 1986, después de algunos meses escribiendo y tocando juntos, Chris Collins dejó la banda por diferencias creativas con los otros miembros. Después de un año intentando encontrar un reemplazo, Charlie Dominici, quien era mucho mayor y más experimentado que cualquiera en la banda, superó la audición para entrar en el grupo.
En 1988 Dream Theater firmó su primer contrato de grabación con Mechanic Records, una división de MCA.
En 1989 lanzarían su primer álbum, When Dream and Day Unite, con Charlie Dominici como vocalista. Temas a destacar de este disco son "A Fortune In Lies", la instrumental "Ytse Jam" y "Only a Matter of Time".

1991 - 1994

Dos años más tarde, se unió el vocalista canadiense Kevin James LaBrie quien, para evitar confusión con el teclista Kevin Moore, empezó a utilizar su segundo nombre, James. En 1992 lanzaron su segundo álbum, Images and Words, que les catapultó a la fama debido a la gran acogida del público japonés (siempre muy implicado con la banda) y a la emisión en la cadena MTV del videoclip promocional de "Pull Me Under". Algunos temas destacados en este disco son "Pull Me Under", "Take the Time" y "Metropolis Pt. 1: The Miracle And The Sleeper". Como curiosidad cabe señalar que en el momento de grabar "Metropolis", la banda la nombró como "parte 1" a manera de chiste, pero tuvo una gran recepción por parte de los fans, quienes no paraban de preguntar por la segunda parte. Esta parte no llegó hasta 1999 con el disco Metropolis Pt. 2: Scenes from a Memory. No obstante, el disco en su totalidad es una muestra de virtuosismo musical muy poco habitual para las fechas en las que se grabó el mismo, dejando desconcertados a propios y extraños los riffs y acordes de Petrucci, la técnica depurada de Portnoy a la batería, la calidad vocal de LaBrie o la creatividad de Kevin Moore.
En 1993 la banda grabó el directo Live at the Marquee, su primer álbum en directo, grabado en el Marquee Club de Londres, en el cual encontramos canciones tanto de su primer como segundo disco, grabando una memorable "A Fortune in Lies" de su debut con LaBrie en uno de sus mejores momentos.
En 1994 saldría Awake, álbum en el que la banda experimenta con un sonido algo más fuerte con respecto a los anteriores y que es considerado por muchos como uno de los mejores discos de Dream Theater. Muchos fans y parte de la crítica destacan la entrega del vocalista James LaBrie en esta producción. Temas a destacar de este disco son el ciclo "A Mind Beside Itself" formado por "Erotomania", "Voices" y "The Silent Man"; "Lie", la psicodélica "Space-Dye Vest", compuesta por Kevin Moore y "The Mirror" uno de los temas más pesados de la banda. En esta época, Kevin Moore dejaría la banda por diferencias musicales con sus compañeros, y sería sustituido por [Derek Sherinian], tras hacer unos conciertos con el que a posteriori sería su definitivo teclista Jordan Rudess.

1995 - 1998

En 1995 la banda grabaría A Change of Seasons, lanzado en Estados Unidos como EP, con algo menos de una hora de música. Esta grabación contiene una canción original de 23 minutos que la banda por razones comerciales no pudo incluir en Images and Words y algunas canciones versionadas de artistas como Elton John, Deep Purple, Led Zeppelin, Queen, Genesis, Kansas, Journey y Pink Floyd.
Algunos cambios sucedieron en EastWest, y el contacto principal de Dream Theater con la disquera fue despedido. Como resultado, la nueva gente en la compañía no estaba totalmente acostumbrada a la relación que Dream Theater tenía previamente con EastWest, y presionaron a la banda para escribir un álbum que fuese accesible a las personas más allá de su base de fans de metal progresivo.
En 1997 se publicaría Falling into Infinity, álbum de tinte más comercial que refleja las presiones a las que la banda estaba siendo sometida por la discográfica, y por la cual la banda estuvo a punto de romperse. Los temas "You Not Me" y "Hollow Years", que la discográfica deseaba lanzar como sencillos, no lograron un fuerte impacto en la radio o en las listas. A pesar de todo, el álbum presenta cortes que aún hoy por hoy siguen sonando en sus directos, como "Peruvian Skies", "Lines in the Sand" o "You not me", ésta última con el estribillo original de la canción compuesto por la banda, la cual se puede encontrar en sus ediciones para fans.
En esta época Mike Portnoy y John Petrucci participarían en el proyecto Liquid Tension Experiment, durante el cual mantuvieron conversaciones con el teclista Jordan Rudess, a quien lograron convertir en el nuevo teclista de la banda, aportando su enorme creatividad y estilo propio a la formación.
Fueron momentos duros para la banda, particularmente para Mike Portnoy, que veía como la banda que él había ayudado a fundar había perdido ímpetu y creatividad. Portnoy, según declaraciones posteriores, llegó a amenazar a la banda con el abandono si no cogían las riendas totales de la dirección musical de la banda, lo cual, afortunadamente, sucedió.

1999 - 2001

En 1999 la banda lanzó Metropolis, Pt. 2: Scenes From A Memory, disco que fue considerado por la crítica como "una de las obras maestras del rock progresivo" y que según Mike Portnoy es el trabajo del que está "más orgulloso". Es un disco conceptual que narra la historia de Nicholas, un joven que se siente identificado con una joven que murió en 1928.
Una gira mundial masiva fue lo siguiente, con más de un año de duración, y presentándose en más países de los que habían visitado jamás.
Los conciertos, que eran más largos y ambiciosos que los realizados en giras anteriores, reflejaban el aspecto teatral del álbum. Interpretaron Scenes From a Memory de principio a fin, con una o varias pantallas de vídeo, dependiendo del concierto, en la pared del fondo del escenario mostrando un acompañante narrativo de la historia del álbum. Aparte de interpretar el álbum entero, la banda también interpretó un segundo set con otros temas de su repertorio, y algunas nuevas interpretaciones de material más viejo de Dream Theater.
La banda atrajo la atención de los medios con su álbum en vivo Live Scenes From New York (3 CD). Anteriormente, Dream Theater había utilizado en la carátula de Live at the Marquee un corazón en llamas. Para hacer referencia al lugar del concierto, la carátula original utilizaba una manzana con el paisaje neoyorquino, incluido el World Trade Center, en llamas. El álbum fue lanzado el 11 de septiembre de 2001, una escalofriante coincidencia con los tristemente célebres ataques terroristas ocurridos ese día. Las copias que habían salido al mercado tuvieron que ser recogidas para cambiar el diseño, así que la carátula original se volvió un artículo de coleccionistas.

2002 - 2010

En 2002 se lanza Six Degrees of Inner Turbulence, disco que marca el comienzo de una nueva etapa en la banda en lo que al aspecto musical se refiere. Este álbum contiene 2 CD; el primero de ellos con canciones como "The Glass Prison", con una línea musical similar a Metallica en ...And Justice For All, y "Misunderstood", un tema de corte psicodélico. El segundo CD contiene la obra conceptual "Six Degrees of Inner Turbulence" de 42 minutos de duración, que trata acerca de las perturbaciones de la mente humana, tales como la depresión y la locura. Para muchos fans, el segundo CD es uno de los más destacados trabajos de la banda hasta esa fecha.

En 2003 llegó Train of Thought, con un sonido mucho más pesado que el de los trabajos anteriores de la banda, pero sin alejarse de su virtuosismo característico. Temas destacables de este trabajo son "This Dying Soul", "Endless Sacrifice", "In The Name of God" y el tema instrumental "Stream of Consciousness", muy en la linea de unos Metallica de los 80 ́s. Este CD creó una especie de "cisma" entre los seguidores de la banda más "pesados" y los más "progresivos", aunque según palabras de Mike Portnoy el estilo de Dream Theater es una mezcla de ambos componentes. Aún así, las críticas llovieron ante todo por la casi imperceptible participación del teclista Jordan Rudess y la perdida gratuita, y nada fortuita según Portnoy, de la delicadeza a la que los fans de la banda estaban acostumbrados.

No obstante, la gira consecuente fue multitudinaria por todo el mundo, siendo grabado un DVD en directo titulado "Live in Budokan", la mítica sala nipona, el cual aliviaría la rudez de los pocos temas aportados en el 2003.

En 2005 se lanza Octavarium, octavo disco en estudio de la banda, que incluye 8 temas. En él la banda toma un estilo mucho menos instrumental, realzando la composición de las letras. El sonido del disco quería reunir, en palabras de Petrucci, una amalgama de todos diferentes estilos alcanzados por la banda hasta ese momento. Desde baladas como The Answer Lies Within o "I Walk Beside You", acercándose a "Fallinf into Infinity", hasta canciones con un estilo quizá más cercano al anterior trabajo como Panic Attack. Destaca y la composición de la canción que da título al disco, "Octavarium" con 24 minutos de duración y verdadera obra magna de la banda; canción que salva al disco entero de una pesada crítica por sus fans ante la falta de originalidad que mostraban a la hora de componer y una tendencia ostensible a repetir numerosos tiempos musicales.

El 2 de Marzo de 2006 la banda celebra 20 años de existencia dando un concierto con un lleno total en el Auditorio Nacional de la Ciudad de México. El concierto fue dividido en dos partes: 20 Years y Octavarium. El concierto duró mas de 4 horas además de un descanso intermedio.
En 2006 la banda lanza el trabajo en directo Score, grabado el 1 de abril de ese mismo año en el Radio City Music Hall de Nueva York. Es un álbum conmemorativo del aniversario número 20 de la banda, editado en formato DVD doble y CD triple. En el concierto la banda compartió tarima por primera vez con una orquesta sinfónica completa para la interpretación de más de 90 minutos de música de Dream Theater.

En 2007 la banda lanza Systematic Chaos el cual contiene variados tipos de temas, que van desde los sonidos pesados del álbum Train of Thought en "The Dark Eternal Night", hasta metal sinfónico como "The Ministry of Lost Souls", y por último el tema de larga duración, "In the Presence of the Enemies", divido en 2 partes. En este disco también cabe destacar el tema "Repentance" en el que han contribuido voces como Jon Anderson (ex-"YES") , Chris Jerico. Este disco realzó la imagen del grupo, grancias a la crudeza de las guitarras mezclada con una base rítmica más acorde al Rock Progresivo, lo cual convenció de llenó a sus fans más acérrimos, sobre todo a los que adoraban el sonido del disco "Awake" de 1994.

En abril del 2008 , se lanzó un disco recopilatorio de 21 canciones llamada Greatest Hit(...and 21 other pretty cool songs). Éste contiene un lado oscuro o "The Dark Side" que contiene las canciones más metaleras o pesadas y un "The Light Side" que trae las canciones más melódicas.

En junio del 2009 lanzan su décimo CD de estudio llamado Black Clouds & Silver Linings. Finaliza la saga de Alcohólicos Anónimos de Portnoy con The Shattered Fortress. Posee dos temas singles que serían A Rite of Passage y Wither y su tema de larga duración The Count of Tuscany, lo más destacable de un disco en el que volvieron a palparse los síntomas inevitables del desgate creativo. Como en "Octavarium", el disco es una colección de cortes sin mayor profundidad, viéndose claro que algo no funcionaba bien en la banda.


Actualidad

El grupo grabó un tema instrumental llamado "Raw Dog" (God (of) War al revés, que significa Dios de la Guerra en inglés), el cual fue incluido en la banda sonora del videojuego "God of War III" y en el álbum "God Of War III: Blood & Metal". Esta fue la primera vez que la banda escribió y grabó una canción exclusivamente para un proyecto externo.

El 8 de septiembre de 2010, el baterista Mike Portnoy anunció que abandonaba la banda por su necesidad de un descanso así como por otras razones, entre ellas la búsqueda de nuevas experiencias musicales. Respecto a esto, Portnoy dijo que fue una decisión que tomó después de pensárselo durante mucho tiempo y que no lo juzguen ni culpen a otras personas por ello.

No quería salir del grupo y ellos tampoco querían que me fuera, pero así estamos; era la única forma de que ellos siguieran adelante y yo siguiera adelante. Es una separación extraña, porque todavía nos queremos.

[...]

Realmente pienso que el grupo podría haber usado un par de años para recargar las pilas como tantas bandas lo han hecho -como Soundgarden, Alice in Chains, Jane's Addiction, Phish, Rage Against the Machine...-.

[...]

Lo que me da pánico, sin embargo, es que veo cierta similitud con, por ejemplo, [la salida de] Roger Waters de Pink Floyd; ellos nunca volvieron a estar juntos, y eso me asusta. Sería una tragedia que nunca más volviera a estar en el escenario con Dream Theater.

A pesar de la salida de Mike Portnoy, la banda declaró que entrarían al estudio a grabar un nuevo álbum en enero de 2011 {A Dramatic Turn of Events) con un nuevo baterista, cuyas audiciones se realizaron durante el mes de octubre de 2010. Estas dieron como resultado, la elección de Mike Mangini. Los otros candidatos fueron Derek Roddy, Aquiles Priester, Virgil Donati, Thomas Lang, Peter Wildoer y Marco Minnemann.

A través de su twitter John Petrucci confirmó que el nombre del nuevo álbum de Dream Theater se llama A Dramatic Turn of Events, el que posteriormente fue publicado el 13 de septiembre de 2011.

A Dramatic Turn of Events (2011), nos vuelven a traer a los mejores Dream Theater, más allá de las críticas surgidas de la boca de su ex-batería y fundador Mike Portnoy. Desde el primer corte "On the Back of Angels" podemos encontrar los ritmos progresivos que, desde el 2002, llevaban escondiendo Petrucci y compañía, quizás por un excesivo control y cambios de gustos por parte de Portnoy. Canciones como "Lost not Forgotten", "Outcry" y "Breaking all Illusions" cumplen con las expectativas siempre generadas en cada publicación por Dream Theater. Medios tiempos, riffs entrelazados, Jordan Rudess demostrando su majestuosidad ante el teclado, y Mike Manginni (ex-Annihilattor, ex-Extreme, ex-Steve Vai), sustituto de Mike Portnoy, refirmándose como la mejor de las elecciones que podrían haber hecho la banda para ese delicado puesto. Las críticas avalan el retorno de la banda a su mejor versión, a un medley constante en cada canción, a una precisa improvisación, como en "Bridges in the Sky", a un rock
progresivo en estado puro.


Reputación de conciertos

Setlist rotante


A lo largo de su carrera, los espectáculos en vivo Dream Theater se han ido volviendo gradualmente más grandes, más largos, más diversos y menos restrictivos. El ejemplo más obvio de ello es su política de setlist rotante. Cada noche de cada gira tiene su setlist ideado por Portnoy usando un proceso meticuloso que asegura que es completamente único. Factores como los setlists de ciudades previas son tomados en cuenta para asegurar que las personas que ven a Dream Theater múltiples veces en la misma área no vean las mismas canciones interpretadas dos veces, e incluso el setlist de la última vez que la banda estuvo en una ciudad en particular se toma en cuenta para el beneficio de los fans que ven a la banda en giras sucesivas.

Para que eso sea posible, la banda se prepara para tocar la mayor parte de su repertorio en cualquier presentación, dependiendo de lo que Portnoy decidía programar para esa noche. Este proceso también requiere el empleo de un sistema de iluminación muy complejo que utiliza iluminación pre- configurada sobre la base de canciones individuales.


Duración

La duración es otro elemento único de los conciertos de Dream Theater. Los conciertos de sus giras mundiales, desde Six Degrees of Inner Turbulence, han sido del tipo "Evening with..." ("Una noche con..."), en el que la banda actúa al menos tres horas con un descanso y ningún "telonero". El espectáculo grabado para Live Scenes From New York tuvo una duración de casi cuatro horas (LaBrie graciosamente se disculpó después del espectáculo por el "set tan corto"), y resultó en la casi hospitalización de Portnoy.14 Con el anuncio del noveno álbum de estudio, Systematic Chaos, se publicó que durante este nuevo tour, Chaos in Motion World Tour 2007/2008, no se haría el famoso "An evening with...". La banda dijo que ya era momento de parar con los shows diarios desde 3 a 4 horas. Sin embargo, la versión publicada en DVD y CD del tour Chaos In Motion presenta 162 minutos de música.


Humor, informalidad e improvisación

También hay una cantidad significativa de humor, informalidad, e improvisación asociado a un concierto de Dream Theater. En la parte media de A Change of Seasons es bastante común que temas como el de las Grandes Ligas de Béisbol y Los Simpson sean citados, y Rudess rutinariamente modifica su sección de solo en esta canción y otras, con frecuencia interpretando la sección ragtime de When The Water Breaks de Liquid Tension Experiment 2. Otras citas incluyen a Mary Had a Little Lamb durante Endless Sacrifice en el Gigantour, un corte inspirado en un calíope entre los versos de Under a Glass Moon, y la marcha turca en un concierto en Estambul. En la gira 20th Anniversary World Tour Rudess incluso lanzó una pequeña cita del tema Twinkle, Twinkle, Little Star en un corte durante Endless Sacrifice. Durante la interpretación de As I Am en Bangkok en enero del 2006, Rudess tocó una escala mayor muy torpe, al estilo de un principiante, hacia adelante y hacia atrás varias veces antes del corte instrumental. También en uno de los dos shows dados en Buenos Aires, Argentina, en la introducción de Through Her Eyes, Petrucci interpreta la melodía de "No llores por mi Argentina".

No es extraño que un miembro de la audiencia sea escogido al azar para tocar en el escenario (de lo que se puede apreciar un ejemplo en el solo de batería de Portnoy en el DVD Live at Budokan). También ha habido muchas improvisaciones del "Happy Birthday" cuando un miembro de la banda o del equipo cumple años en una fecha en la que hay concierto, lo que normalmente termina en un pastel de cumpleaños siendo arrojado al festejado.


Estructura impredecible

Tal vez el ejemplo más extremo de la estructura impredecible de los conciertos de Dream Theater es que durante el tiempo en que Derek Sherinian estuvo en la banda, en algunos espectáculos los miembros de la banda intercambiarían instrumentos y tocarían como la banda ficticia "Nightmare Cinema" (el opuesto aproximado de "Dream Theater"). Generalmente versionaban Perfect Strangers de Deep Purple, y en una ocasión, Suicide Solution de Ozzy Osbourne.

Similarmente en algunos espectáculos Sherinian, Petrucci y Portnoy tomarían el escenario juntos, bajo el nombre "Nicky Lemons and the Migraine Brothers". Sherinian, usando una bufanda de plumas y anteojos bohemios oscuros, interpretaría una canción de pop-punk titulada "I Don't Like You" con Petrucci y Portnoy respaldando.


Asistencia del público

Los fans de Dream Theater suelen abarrotar cada plaza donde la banda se presenta. La audiencia generalmente está formada de un número de espectadores que varía entre 4000 y 10000, y esa cantidad es habitualmente dictada por el espacio físico. El concierto que ha contado con la audiencia más numerosa ha sido el efectuado en la Pista Atlética del Estadio Nacional en Santiago de Chile, el 6 de diciembre de 2005, durante la gira promocional del álbum Octavarium, que contó con una asistencia de 20.000 personas. El hecho fue mencionado la misma noche del concierto por Mike Portnoy y a través de su sitio web, y fue mencionado también por Jordan Rudess en su saludo navideño de 2005 a todos los fans. El concierto grabado en el Radio City Music Hall de Nueva York en abril de 2006 tuvo una asistencia de 6.000 personas.


Logo e imágenes

Al principio de su carrera, Dream Theater adoptó un logo y un wordmark personalizado (conocido como el símbolo Majesty) que han aparecido en la gran mayoría de su material promocional desde entonces, con al menos una de las marcas oficiales apareciendo en la carátula de cada lanzamiento hasta la fecha, con la excepción de Once in a LIVEtime (ver explicación más abajo). Incluso después de que la banda desechó el nombre Majesty, el símbolo continuó siendo su marca oficial, y es visto por la comunidad de fans de Dream Theater de la misma manera que los fans de Led Zeppelin han abrazado los cuatro símbolos de los miembros de esa banda. Es común ver gente con tatuajes del símbolo Majesty en conciertos de Dream Theater.

El símbolo Majesty es una derivación del símbolo de María, reina de los escoceses, el cual fue re-diseñado por Charlie Dominici para ser usado en el arte gráfico del álbum When Dream and Day Unite. Otro hecho interesante es que el símbolo Majesty es una combinación de tres letras griegas, Fi(Φ), Mu(Μ), y Alfa (A), las letras de la fraternidad musical de la cual los miembros forman parte. El hecho de que el logo no aparezca en la carátula de Once In A LIVEtime o de su acompañante en vídeo 5 Years in a LIVEtime, fue interpretado por algunos fans como evidencia de que la banda se había "vendido" y de que se había alejado de sus raíces con sus fuentes modernizadas ("fuentes" se refiere a los "tipos de letra" usados para el arte gráfico), pero para el momento en que había reclamado el lugar que le corresponde en la carátula de Scenes From a Memory la infelicidad había sido largamente olvidada (el motivo real fue que a Storm Thorgerson, el legendario diseñador gráfico para ambos lanzamientos antes mencionados, no le gusta trabajar con fuentes pre-existentes). Desde entonces ha aparecido en cada lanzamiento subsiguiente (la carátula de Falling into Infinity tiene el logo, pero no el wordmark).


Cultura de bootlegs

Dream Theater es una de las bandas del género del metal más activamente grabadas en bootlegs. Desde sus primeros conciertos en Nueva York como Majesty, los aficionados han grabado casi todos los espectáculos que Dream Theater ha ofrecido (ocasionalmente hay tres o cuatro versiones de un mismo concierto), y algunas grabaciones profesionales y bien elaboradas han sido publicadas.

Sin embargo, no todos los miembros de la banda toleran los bootlegs de Dream Theater. Portnoy es definitivamente el miembro que los apoya más, ya que era un ávido coleccionista de bootlegs cuando era más joven y mantiene su archivo personal de material de Dream Theater. Petrucci y LaBrie han declarado oposición con respecto a las personas que graban sus conciertos. Petrucci ha dicho que prefiere que los miembros de la audiencia se concentren en los músicos en tarima, y no en los ajustes de nivel de sus dispositivos de grabación. LaBrie, por otra parte, argumenta que los bootlegs le quitan propiedad y control a la actuación en directo, y los pone en manos del público. Myung ha expresado oposición apacible a los bootlegs, pero en algunas entrevistas ha mencionado que particularmente no le molesta mucho; mientras que Rudess afirma que no le molestan pues afirma que es inevitable la propagación de los bootlegs. Sin importar sus opiniones personales, cada miembro de la banda autografía cualquier bootleg que se les presente para que sea firmado. Dream Theater también ha lanzado una serie de bootlegs oficiales a través de YtseJam Records, encabezada por Portnoy.


Canciones versionadas

Artículo principal: Lista de canciones versionadas por Dream Theater

A pesar de que son bien conocidos por hacer canciones versionadas a lo largo de toda su carrera, Dream Theater llevó esta práctica a otro nivel durante la gira promocional de Six Degrees of Inner Turbulence. En tres conciertos especiales, en Barcelona, Chicago y Nueva York, versionaron el álbum completo Master of Puppets de Metallica después de un set entero de material de Dream Theater. Aquello fue impactante para los fans dado que no había señales de que eso iba a ocurrir, apartando el hecho de que se había anunciado que esos conciertos, que eran la segunda noche en cada ciudad, serían "extra especiales". Esta tradición puede ser rastreada hacia atrás seguramente hasta una de las bandas favoritas de Mike Portnoy, Phish, que comenzó a versionar álbumes enteros de otros artistas cada halloween, empezando en 1994.

Portnoy anunció este "álbum versionado" como el primero de una serie de conciertos a ser dados como tributo a bandas que han sido influyentes en la formación y desarrollo de Dream Theater. Los sets de canciones versionadas dividieron a muchos fans que asistieron al espectáculo, llevando a algunos a decir que fueron a un concierto de Dream Theater a ver música original y no el trabajo de otro artista. Otros, sin embargo, dijeron que fue un bono y no un reemplazo de un concierto de Dream Theater, dado que un concierto ordinario había sido interpretado la noche anterior. La siguiente vez que se hizo un concierto de álbum versionado esta negatividad fue más contenida, pues la mayoría de los fans ya sabían que eso iba a suceder, y que no verían una noche completa de material de Dream Theater.

En la siguiente etapa de la gira versionaron el álbum The Number of the Beast de Iron Maiden y recibieron una reacción similar a la obtenida con Master of Puppets, a pesar de que ya se sabía que un álbum versionado iba a ser interpretado esa noche porque el itinerario incluía dos conciertos en noches consecutivas en la misma ciudad.

El 11 de octubre de 2005, Dream Theater versionó Dark Side of the Moon de Pink Floyd, su tercer álbum clásico versionado. El sitio web oficial de Dream Theater declaraba que "los segundos sets de las segundas noches en Ámsterdam, Londres, Buenos Aires, São Paulo y Tokio (11 de octubre, 25 de octubre, 4 de diciembre, 11 de diciembre y 13 de enero), y también el segundo set del espectáculo del 15 de enero en Osaka, serán un álbum clásico entero versionado." Dark Side of the Moon fue interpretado una vez más el 25 de octubre en Londres. Sin embargo, en Buenos Aires (4 de diciembre) y Sao Paulo (11 de diciembre) el "álbum clásico" interpretado fue Scenes from a Memory de la mismísima Dream Theater, para compensar por no haber visitado nunca Argentina y solo una vez Brasil en su gira por 1998.

El 13 de enero de 2006 (Tokio) y el 15 (Osaka), Dream Theater versionó el álbum en directo Made in Japan, de Deep Purple, su cuarto álbum clásico versionado (esto concordó brevemente con las especulaciones de los fans, quienes dijeron que era inevitable que al menos uno de los álbumes del rock progresivo de los 70s, posiblemente de Rush, sería versionado).

La formación tiene pensado realizar en vivo mas álbumes versionados, pero se niega a revelar cuando ocurrirán, o que álbum será interpretado.18 Hay mucho debate en los círculos de fans de Dream Theater con respecto a cual álbum será interpretado, e incluso sobre de cual género será ese álbum.

También hicieron una interpretación en directo de Cemetery Gates de Pantera en Dallas, Texas, para conmemorar a Dimebag Darrel Abott.


Discografía

1989: When Dream and Day Unite
1992: Images and Words
1994: Awake
1995: A Change of Seasons (EP)
1997: Falling into Infinity
1999: Metropolis Pt. 2: Scenes from a Memory 2002: Six Degrees of Inner Turbulence
2003: Train of Thought
2005: Octavarium
2007: Systematic Chaos
2009: Black Clouds & Silver Linings
2011: A Dramatic Turn of Events


Miembros

Kevin James LaBrie - Voz (1991–presente)
John Petrucci - Guitarra y coros (1985–presente)
John Myung - Bajo, Chapman Stick (1985–presente) Jordan Rudess - Teclado y Continuum (1999-presente) Mike Mangini - Batería y percusión (2011-presente)

Ex miembros

Michael 'Mike' Portnoy - Batería, percusión y coros (1985–2010)11
Chris Collins - Voz (1986)
Charlie Dominici - Voz (1987–1989) Kevin Moore Teclados (1986–1994) Derek Sherinian - Teclados (1994–1998)


Proyectos paralelos

Petrucci, Rudess y Portnoy unieron fuerzas con el músico Tony Levin para formar Liquid Tension Experiment, que lanzaría dos álbumes (en 1998 y 1999), con piezas que fusionan varios géneros, un toque de jazz y prácticamente sin voz. Portnoy también ha participado en otros grupos de rock progresivo como Transatlantic y OSI, así como en tributos a Led Zeppelin (Hammer of the Gods) y The Beatles (Yellow Matter Custard). Ha colaborado además en los 3 últimos discos en solitario de Neal Morse. Por su parte, LaBrie lanzó dos álbumes con el nombre Mullmuzzler además de Elements of persuasion con la banda 'James LaBrie' y participó en Frameshift- Madmen & Sinners, Ayreon - The Human Equation y el proyecto True Symphonic Rockestra junto con los tenores Vladimir Grishko y Thomas Dewald. Actualmente se encuentra promocionando su segundo disco con la banda 'James Labrie': Static Impulse. Rudess y Petrucci lanzaron "An evening with John Petrucci & Jordan Rudess" además John Petrucci sacó a la luz en enero de 2005 un álbum en solitario titulado "Suspended Animation". Petrucci ha participado con Joe Satriani y Steve Vai en el "G3" en las ediciones 2001 y 2005, ésta última con Mike Portnoy en la batería de la gira . La actuación de 2005 fue grabada y lanzada como el DVD y CD doble "Live in Tokyo". John Myung se unió a Ty Tabor, Rod Morgenstein y el una vez teclista de Dream Theater, Derek Sherinian, para sacar a la luz el grupo Platypus, y editaron When Pus Comes To Shove en 1998 y Ice Cycles en 2000. Más tarde, ya sin Derek Sherinian, el grupo pasó a llamarse The Jelly Jam y ha lanzado hasta el momento otros dos álbumes, The Jelly Jam en 2002 y 2 en 2004. Aunque estas bandas, son consideradas proyectos paralelos, Dream Theater ha incorporado algunas de estas piezas a sus conciertos en vivo. Un ejemplo de ellos puede apreciarse en Live At Budokan, donde interpretan algunos retazos de "Paradigm Shift" y "Universal Mind" de sus álbumes de Liquid Tension Experiment. Jordan Rudess también trabaja en solitario con ya algunos álbumes en solitario. Recientemente, Mike Portnoy colaboró con Avenged Sevenfold en su nuevo álbum de estudio, y estuvo con ellos en su gira más reciente sustituyendo a The Rev quien falleció tiempo antes de completar el álbum.


Premios y certificados

Certificaciones oro y platino de la RIAA

Images and Words (Oro) - 2 de febrero de 1995
Metropolis 2000: Live Scenes From New York (Oro) - 8 de noviembre de 2002
Live at Budokan (Platino) - 26 de enero de 2005
Live in Tokyo/5 Years in a Livetime (Platino) - 22 de marzo de 2006 (Fuente: buscar por "Dream Theater".) Score (Platino) - 11 de octubre de 2006

Total guitar magazine

"Best guitar player of the year" (2009)

Keyboard Magazine

Jordan Rudess ha recibido los siguientes premios Reader's Poll de Keyboard Magazine: Best New Talent (1994)

Music Radar

"Best keyboardist of all time" (2011) "Best Bassist of all time" (2011)

Modern Drummer

Mike Portnoy ha ganado los siguientes premios Reader's Poll de Modern Drummer:
Best Up & Coming Talent (1994)
Best Progressive Rock Drummer (1995, 1996, 1997, 1998, 1999, 2000, 2001, 2002, 2003, 2004, 2005, 2006, 2007, 2008)
Best Recorded Performance (1995 por Awake, 1996 por A Change of Seasons, 1998 por Falling into Infinity, 2000 por Metropolis, Pt. 2: Scenes From a Memory, 2002 por Six Degrees of Inner Turbulence)
Best Clinician (2000, 2002)
Best Educational Video/DVD (2000, 2002)
Hall of Fame Inductee (2004)

avatar
Greek
Admin

Mensajes : 785
Puntos : 14278
Reputación : 995
Fecha de inscripción : 03/03/2012
Edad : 49
Localización : En tu corazón

Volver arriba Ir abajo

Re: Biografías de Músicos

Mensaje  Greek el Vie Mar 23, 2012 6:48 am



The Doors fue una banda de rock estadounidense, formada en Los Ángeles (California), en julio del año 1965 y disuelta en el año 1973. Junto a Jefferson Airplane, Grateful Dead, The Beatles y Pink Floyd, se convirtió en uno de los máximos exponentes de la psicodelia de los años 60. El grupo es considerado uno de los más influyentes en la historia del rock, y ha sido descrito como "una de las bandas más innovadoras y poderosas en la historia del rock”.

Miembros

Jim Morrison — voz, maracas, pandereta
Ray Manzarek — teclados, coros, bajo.
Robby Krieger — guitarra, armónica.
John Densmore — batería, percusión.

Historia

Orígenes: 1965–1966


En 1964, en la playa de Venice, Jim Morrison encontró a un viejo compañero de la Universidad de UCLA, Ray Manzarek, cuatro años mayor que él. Ahí mismo comenzaron una casual conversación, y Morrison le dio a leer a Manzarek la letra de Moonlight Drive, un poema que Jim acababa de escribir, entonces Ray (fanático de blues y rock de la época) le pidió a Jim que le cantara el tema, con el cual Manzarek quedó fascinado, y decidieron formar una banda.

Ray Manzarek ya estaba en una banda, llamada Rick And The Ravens con su hermano Rick, mientras que Robby Krieger y John Densmore tocaban en The Psychodelic Rangers y conocían a Manzarek de unas clases de meditación. En agosto, Densmore se unió al grupo y con algunos miembros de los Ravens y un bajista no identificado, grabaron el 2 de septiembre una demo de 5 temas. Esta demo fue parcialmente pirateada, y esa fue la única manera de conseguirla hasta su aparición en el Box Set de The Doors, publicado en 1997.

Ese mismo mes, el grupo reclutó al talentoso Robby Krieger y la alineación final —Morrison, Manzarek, Krieger y Densmore— estaba completa. La banda tomó su nombre de un verso del poeta William Blake: "If the doors of perception were cleansed, every thing would appear to man as it is: infinite." (Si las puertas de la percepción fueran depuradas, todo aparecería ante el hombre tal cual es: infinito), que también daba título al libro de Aldous Huxley, The Doors of Perception.

The Doors se diferenciaba de muchos grupos de rock de la época, porque no usaban un bajo en concierto, enfatizando también el hecho de haber sido influidos por diferentes grupos de rock de la época, así como el destacado género del blues. En vez de esto, Manzarek tocaba las melodías del bajo con la mano izquierda en su novedoso piano Fender Rhodes, una nueva versión del ya conocido piano Fender Rhodes, y las melodías del órgano con la mano derecha. Sin embargo, el grupo usó algunos bajistas en sus grabaciones de estudio, entre ellos Jerry Scheff, quien tocó luego en más de 1,100 conciertos para Elvis Presley (de 1969 hasta su muerte en 1977), así como Doug Lubahn, Harvey Brooks, Kerry Magness, Lonnie Mack y Ray Neapolitan.

Muchas de las canciones originales se hicieron en conjunto. Morrison aportaba las letras y parte de la melodía, y el resto contribuía con el ritmo y el sentimiento de la canción. Mientras Morrison y Manzarek caminaban por la playa en California, vieron pasar a una mujer negra, y Morrison escribió la letra de "Hello, I Love You" esa misma noche, refiriéndose a ella como la "joya oscura" (dusky jewel). Algunos criticaron la canción por su parecido con el hit de The Kinks "All Day and All of the Night" (1965), y el vocalista de este grupo, Ray Davies demandó a The Doors.

Para 1966, el grupo tocaba en el club The London Fog, y ese mismo año se cambió al prestigioso Whisky a Go Go. El 10 de agosto el presidente de Elektra Records, Jac Holzman, los vio debido a la insistencia del vocalista de Love, Arthur Lee, cuyo grupo también estaba en Elektra. El 18 de agosto, después de que Holzman, y el productor Paul A. Rothchild vieran dos actuaciones de la banda en el Whisky A Go Go, la primera algo irregular, pero la siguiente simplemente hipnotizante, The Doors firmó con Elektra. Así empezó lo que sería una significativa relación entre la banda, Rothchild y el ingeniero Bruce Botnick. El 21 de agosto del mismo año, el club despidió a la banda por un incidente en una presentación de "The End", que vendría a anunciar toda la controversia que seguiría al grupo en sus años de historia. Morrison, gritó, en la parte "edípica" de la canción, "Father? Yes son?, I want to kill you", "Mother? I want to fuck you".

1966–1967: The Doors

El LP homónimo de The Doors, lanzado en enero de 1967, causó sensación en los círculos musicales. En este disco aparecían muchas de las grandes canciones de su repertorio, incluyendo el drama musical, "The End". La banda, habiendo tocado las canciones durante los dos años anteriores y teniendo sistematizada las mismas, grabó el álbum en un par de días, a finales de agosto y principios de septiembre de 1966, casi enteramente en vivo en el estudio y muchas canciones en una sola toma. Morrison y Manzarek también dirigieron una innovadora forma de promocionar su primer single, "Break On Through", filmando un video promocional, un significativo avance en el género de los vídeos musicales.

Su segundo single, "Light My Fire", puso al grupo junto con Jefferson Airplane y The Grateful Dead entre los mejores nuevos grupos estadounidenses de 1967. La versión sin el largo solo de teclado y guitarra se lanzó en abril, pero no alcanzó la cima sino hasta julio.

En mayo de 1967, el grupo hizo su debut nacional grabando una brillante versión de "The End" para la CBC en los Yorkville Studios, en Toronto (Yorkville era la versión canadiense del Haight-Ashbury). Esta versión permaneció inédita hasta la salida del DVD "The Doors Soundstage Performances" a principios de los años 2000.

Rápidamente la banda ganó reputación con un estimulante, revoltoso y entretenido acto. Con su buena pinta, presencia magnética y sus pantalones de cuero, Jim Morrison se volvió un ídolo rock y un "sex symbol", aunque se veía limitado con las restricciones morales del estrellato. Antes de su presentación en el "Show de Ed Sullivan" los censores de la CBS exigieron a Morrison que cambiara la letra de Light My Fire, en la línea "Girl, we couldn't get much higher" (Nena, no podríamos habernos elevado más), por la posible referencia a las drogas, 15 minutos antes de que la banda se presentara el 17 de septiembre de 1967. Morrison les preguntó qué es lo que debería decir en vez de "higher", y de respuesta recibió que él era el poeta y algo se le tenía que ocurrir. Robby Krieger presa del nerviosismo preguntó a Morrison de qué forma cambiaría la letra y Jim decidió no hacer cambio alguno. Morrison cantó la línea original y se presentó en la televisión en vivo, con una CBS sin capacidad de pararlo. Ed Sullivan, furioso, se negó a estrecharle las manos a los miembros de la banda, y nunca más fueron invitados. Al escuchar que no volvería, Morrison respondió, "We just did the Ed Sullivan Show" (Simplemente hicimos el Show de Ed Sullivan)- para la época, una aparición de ese estilo generaba toda una gama de sucesos. Morrison insistió que el nerviosismo causó que olvidara cambiar la línea como excusa. También presentaron un nuevo single, "People Are Strange", el cual repitieron para el Show del DJ "Murray The K" el 22 de septiembre.

Morrison fomentó su fama de rebelde cuando, el 10 de diciembre fue arrestado en New Haven, por hablar mal sobre la policía al público. Morrison dijo que un celoso oficial le había lanzado gas lacrimógeno al sorprenderlo con una chica en los bastidores. El grupo terminó un exitoso año. El 24 de diciembre la banda grabó "Light My Fire" y "Moonlight Drive" en vivo para el Show de Jonathan Winters. Del 26 al 28 de diciembre, el grupo tocó en The Winterland San Francisco. Tocaron sus dos últimas fechas del año en Denver, el 30 y 31 de diciembre, coronando un año de giras casi constantes.

1967: Strange Days

Strange Days fue el segundo LP de The Doors, lanzado en septiembre de 1967. Recibió un disco de oro y llegó al #3 del Billboard. Sin embargo Paul Rothchild, el productor, lo consideró un fracaso comercial, por más que hubiese significado un triunfo artístico:
Todos pensamos que era el mejor álbum. Significativamente, también fue el que tuvo las ventas más débiles. Confiábamos en que iba a ser más grande que cualquier cosa que The Beatles habían hecho. Pero no había single. El disco se nos murió.
Paul A. Rothchild

Contrariamente a este punto de vista, uno podría discutir que el álbum igualmente tuvo buenas ventas, consiguiendo dos top 30, un top 3 en los charts norteamericanos y una certificación de platino.

Strange Days consta parcialmente de canciones que no se incluyeron en el trabajo debut. Este álbum impone un sentimiento extraño y bizarro, conteniendo algunas de las canciones más psicodélicas de The Doors. Incluye canciones como "Strange Days", "People Are Strange", "Love Me Two Times" y "When the Music's Over", siendo ésta un poema épico comparable a la famosa "The End".

El álbum también incluye "Moonlight Drive", que fue una de las primeras canciones escritas por Jim Morrison para The Doors. Había sido grabada en 1965 (demo) y en 1966 (con la intención de incluirla en el primer álbum). En 1967 la versión final fue grabada y lanzada en "Strange Days".

El álbum fue #3 en Estados Unidos en 1967 y es el número #407 en los 500 mejores álbumes de todos los tiempos de la Rolling Stone. "People Are Strange" llegó al #12 en el chart de los Estados Unidos y "Love Me Two Times" la siguió, consiguiendo un respetable #25, probando la consistencia de The Doors después del éxito de su álbum de debut.

1968: Waiting for the Sun

Las sesiones de grabación para el tercer álbum que tuvieron lugar en abril fueron muy tensas como consecuencia de la creciente dependencia del alcohol por parte de Morrison. Acercándose al clímax de su popularidad, The Doors tocó en una serie de eventos a la intemperie, lo que condujo a frenéticos enfrentamientos entre los fans y la policía, particularmente en el Chicago Coliseum el 10 de mayo.

La banda empezó a variar su material a partir de su tercer LP, Waiting for the Sun, cansados de su repertorio original, y empezaron a escribir material nuevo. Se volvió su primer LP #1, y el single "Hello, I Love You" fue su segundo y último single #1 en los Estados Unidos.También incluye la canción "The Unknown Soldier", del cual dirigieron otro videoclip, y "Not to Touch the Earth", extraído de su legendaria pieza conceptual, Celebration of the Lizard, aunque fueron incapaces de grabar una versión satisfactoria de la pieza entera para el LP. Fue puesta a la venta años más tarde en una compilación de Grandes Éxitos, y en su disco Absolutely Live.

Después de un mes de escandalosas actuaciones en el Singer Bowl en New York, realizaron su primera gira fuera de Estados Unidos, una minigira por Europa. La banda celebró una conferencia de prensa en el Institute of Contemporary Arts en Londres y tocó en el Teatro The Roundhouse. Los resultados del viaje fueron televisados en la cadena británica Granada Television, en un show llamado The Doors Are Open y luego sacado en video a la venta. La banda tocó algunos conciertos más en Europa, incluyendo un show en Ámsterdam sin Jim Morrison, después de que tuviera un colapso por el uso de drogas. Morrison volvió a Londres el 20 de septiembre y se quedó allí por un mes.

El grupo tocó nueve conciertos más en Estados Unidos, y se puso a trabajar en su cuarto LP. 1969 será un año difícil para The Doors, pero empieza con un show a estadio lleno en el Madison Square Garden en Nueva York el 24 de enero y un exitoso single, "Touch Me (The Doors)" (lanzado en diciembre de 1968), que alcanzó el nº 3 en los Estados Unidos.

Ese mes Morrison asistió a una producción de teatro que cambió el rumbo de su vida, y la del grupo. En el Bovard Auditorium The Living Theatre de la University of Southern California, se toma el escenario con un show que invitó a la gente a dejar a un lado sus inhibiciones y abrirse paso a al la libertad. Esto atrajo la búsqueda de libertad de Morrison, resultando en una sesión improvisada la tarde siguiente, el 25 de febrero, la legendaria sesión "Rock is Dead", a la venta en el Box set de 1997, dando paso a uno de los episodios más controvertidos de la vida de Morrison.

El incidente ocurrió el 1 de marzo de 1969, en el Dinner Key Auditorium en Miami, Florida. El auditorio de 6.900 asientos había sido sobrevendido hasta doblar la capacidad del salón, y los fans estaban sofocados y sin aire acondicionado. Desde el momento en que la banda caminó por el escenario, Morrison empezó a gritar al micrófono.
Ahora escuchadme, no estoy hablando de no revolución, no estoy hablando de no manifestarse."

Estoy hablando de pasarlo bien, Estoy hablando de pasarlo bien este verano. Todos, venid a L.A., salid de aquí, vamos a acostarnos en la arena y a enterrar nuestros dedos en el océano, y vamos a pasarlo bien. ¿Estáis listos, estáis listos, estáis listos, estáis listos, estáis listos, estáis listos, estáis listos?
¡Ahora escuchadme! Yo solía pensar que todo esto era una gran broma. Solía pensar que era algo para reirse. Entonces estas últimas noches conocí a algunas personas que estaban haciendo algo ¡Estaban tratando de cambiar el mundo! ¡Yo quiero unirme a ese viaje! Quiero cambiar el mundo. Cambiarlo. Siiiiií... cambiarlo.

Después de unos minutos Morrison cambió el tono:
Ahora escucháme, no estoy hablando de no revolución, no estoy hablando de no manifestarse. ¡Estoy hablando de divertirse! ¡Estoy hablando de bailar! ¡Quiero ver a todos de pie y bailando! ¡Quiero ver los bailando en la calle este verano! Quiero verlos divertiendosé. Quiero verlos correr por ahí. Quiero verlos pintando la ciudad. Quiero verlos haciendo ruido. Quiero verlos gritar. Quiero ver diversión. ¡¡¡Quiero ver su diversión !!!.

La grabación se acerca su final con las siguientes palabras:
¡CUALQUIER COSA QUE QUERÁIS HACER! ¡HACEDLO! ¡HACEDLO! ¡HACEDLO! ¡HACEDLO!

El incidente queda inconcluso. Morrison dijo: "Gasté mucho tiempo en el juicio de Miami. Casi un año y medio. Pero supongo que fue una valiosa experiencia porque antes del juicio tenía una mirada infantil y poco realista acerca del sistema judicial Americano. Mis ojos se han abierto un poco."

Aunque el incidente de Miami dañó la reputación de la banda, Morrison quedó algo tranquilizado con sus resultados. Luego dijo: "Pienso que fue sólo alimentar la imagen que se estaba creando alrededor mío.. y a eso le puse fin en una gloriosa tarde".

Aunque Morrison recibía gran parte de la atención, incluyendo su imagen en las carátulas de los discos, para él era categórico que todos los miembros de la banda debían recibir igual reconocimiento. Antes de un concierto en el cual el animador anunció el grupo como "Jim Morrison y The Doors", Morrison se negó a aparecer hasta que se anunciara al grupo de nuevo como "The Doors". Mientras Morrison nunca se sintió cerca de su familia real, era extremadamente protector con los miembros de su banda. Según se dice, una vez le dijo a Ray Manzarek que nunca se sentía cómodo en una situación social a menos que éste u otro miembro de la banda estuvieran con él. De algún modo veía a The Doors como su familia de reemplazo. Sistemáticamente rechazó cada oportunidad de grabar un álbum como solista que se le ofrecía, y después de su muerte los miembros de la banda se negaron a reemplazarlo.

En sus últimos dos años de vida, Jim Morrison redujo su uso de drogas psicodélicas y empezó a beber excesivamente, lo que afectó pronto a su rendimiento en el estudio. Aparentemente para escapar de la imagen del "Rey Lagarto", que lo había dominado, Morrison se dejó crecer una abundante barba, obligando a Elektra a usar fotos tomadas anteriormente en su carrera para la carátula de Absolutely Live, lanzado en 1970. El álbum presenta actuaciones grabadas en el tour de The Doors de 1970, el concierto de 1969 en el Aquarius Theatre e incluye una versión completa de "The Celebration of the Lizard".

La única aparición pública de este tiempo fue en un especial televisivo de la PBS grabado en Abril, y transmitido el mes siguiente. El grupo tocó canciones del siguiente álbum, The Soft Parade, incluyendo una espléndida versión de la pista con el mismo nombre.

El grupo continuó con su gira en el Teatro del Chicago Auditorium Theater el 14 de junio, y tocó dos fechas en el The Aquarius Theatre en Hollywood el 21 de julio y 22 de julio, ambas lanzadas más tarde en CD. Fueron un nuevo tipo de conciertos de The Doors, donde el énfasis estaba puesto en la banda y la gente pasándolo bien. El barbudo Morrison usaba ropa más holgada y guiaba la banda hacia una dirección más "Blues", con canciones como "Build Me A Woman", "I Will Never Be Untrue", y "Who Do You Love". Todavía su voz no perdía su poder, y la banda todavía podía deslumbrar con sus presentaciones de "When the Music's Over" y "Celebration of the Lizard".

1969: The Soft Parade

Su cuarto álbum, The Soft Parade, estrenado en Julio, distanció aún más al grupo del "underground", con canciones extremadamente pop, y con arreglos en el metal muy al estilo de Las Vegas (en el single "Touch Me" participó el saxofonista Curtis Amy). Los excesos con el alcohol de Morrison lo hacían por aquel entonces una persona muy difícil y muy informal en el estudio, y las sesiones de grabación se estiraban por semanas, cuando antiguamente duraban un par de días. Los costos del estudio se empezaron a acumular, y el grupo estuvo a punto de desintegrarse.

Los detractores de este álbum ven en él a una banda esforzándose por mantenerse en la ola y tratando de expandir su sonido con instrumentos de metal y cuerdas, resultando en un sonido débil y sobreproducido.

En su defensa, The Soft Parade fue un exitoso experimento en "quasi-prog-pop", a pesar del errado comportamiento de Morrison y las numerosas dificultades técnicas. Las canciones orientadas más hacia lo comercial, como "Touch Me" o "Tell All The People", resultaron todo un éxito; y pistas como "Wild Child" o "Shaman's Blues" son reveladoras e imaginativas como siempre, con excelentes guitarras y líricas.

Durante la grabación de su siguiente álbum, en noviembre de 1969, Morrison se vio en problemas con la ley nuevamente, después de quedar ebrio y comportarse agresivamente con el personal de una aerolínea mientras viajaban a Phoenix para ver a The Rolling Stones en concierto. Fue absuelto en abril, después de que un auxiliar de vuelo identificara erróneamente a Morrison como su compañero de viaje, el actor inglés Tom Baker.

1970: Morrison Hotel

El grupo remontó fuertemente de nuevo con su LP Morrison Hotel. Este se distingue por un sonido consistente y pesado, el álbum abre con el memorable "Roadhouse Blues", caracterizando el alto espíritu de seguridad del álbum entero. También tiene temas como "Indian Summer" muy tranquilos y suaves que nos recuerda al famoso "The End" de su primer álbum y piezas tan destacadas como "Peace Frog" que The Doors nos muestran que todavía saben sonar duro en el rock clásico de los 60. Morrison Hotel tenía un optimismo que la banda nunca había visto, presentando un par de canciones de celebración y algunas baladas de amor. Alcanzó el nº 4 en los Estados Unidos.

Aunque Morrison enfrentaba procesos en Miami en agosto, el grupo se las arregló para ir al Festival de la Isla de Wight el 29 de agosto de 1970. En el festival, la banda tocó al lado de artistas legendarios, como Jethro Tull, Jimi Hendrix, The Who, Joni Mitchell, Miles Davis y Sly & The Family Stone. Dos canciones del show fueron presentadas en el documental de 1995 Message to Love.

El 16 de septiembre, Morrison fue a los tribunales, y el jurado lo declaró culpable por obscenidades y escándalo público el 20 de septiembre. Fue sentenciado a ocho meses de custodia, pero obtuvo la libertad mediante una apelación.

El 8 de diciembre de 1970, en su vigésimo séptimo cumpleaños, Morrison grabó una sesión de poesía, que se editaría más tarde como el disco An American Prayer.

1971: L.A. Woman

Durante la última actuación pública de the Doors, en el "Warehouse" en Nueva Orleans, Luisiana, el 12 de diciembre de 1970, Jim Morrison tuvo una aparente crisis nerviosa, tirando el micrófono al piso repetidas veces. No obstante, el grupo volvió a tener un último gran éxito con el magnífico L.A. Woman en 1971. La idea de este álbum era volver a las raíces del Blues y el R&B, aunque durante los ensayos el grupo tuvo serios percances con Rothchild, que denominando al nuevo repertorio "música de cóctel" renunció a la producción del álbum y dejó el control a Bruce Botnick. El resultado fue considerado un verdadero clásico, presentando uno de los materiales más fuertes desde su debut en 1967. Otros sin embargo consideran que cerca de la mitad del álbum es un blues apagado, sin brillo, que le resta calidad al resultado final. Tal vez por esto, la canción "Changeling" es considerada la más subestimada de la banda. "Riders On The Storm", se convirtió en una pieza clave de la programación de cualquier radio de rock durante décadas.

La muerte de Morrison y sus secuelas: 1971–1989

En 1971, después de la grabación de L.A. Woman, Morrison decidió tomarse un tiempo libre y se mudó a París con su novia, Pamela Courson, en marzo. Lo había visitado el verano pasado y, por un tiempo, pareció contento con escribir y explorar la ciudad. Pero luego volvió al alcohol y cayó de un segundo piso en mayo. El 16 de junio hizo sus últimas grabaciones conocidas, cuando conoció a dos músicos callejeros y los invitó a un estudio. Los resultados fueron estrenados en 1994 en el LP pirata, The Lost Paris Tapes.

Morrison falleció en confusas circunstancias el 3 de julio; su cuerpo fue encontrado en la bañera. La conclusión fue que murió por un ataque al corazón, aunque se reveló que no se le había hecho la autopsia antes de ser enterrado en el Cementerio Père-Lachaise el 7 de julio. Una versión bastante difundida menciona que el deceso de Morrison se produjo por sobredosis en un bar Parisino llamado "Rock n' Roll circus", más precisamente en los baños del lugar donde el vocalista habría fallecido después de encerrarse para ingerir cocaína, siendo su cuerpo trasladado por conocidos a la bañera de su casa. Supuestamente se le habría intentado reanimar allí con agua fría sin éxito. El forense, en su informe oficial, describió el cadáver del cantante como el de "alguien de más de 50 años y 1.90 m. de altura" (Jim en realidad tenía 27 años y su talla oscilaba entre 1.75 m. y 1.78 m., sin sus botas tejanas puestas), lo que nos brinda clara muestra de una negligencia médica que, probablemente, incrementó el mito que rodea la muerte de Morrison. Pamela Courson mantuvo el cuerpo de Morrison durante más de 4 días en el apartamento que compartían, depositando hielo alrededor del mismo para detener parcialmente el proceso de descomposición.

Durante los años siguientes a su muerte, persistían algunos rumores de que Morrison había fingido su muerte para escapar del estrellato, o que había muerto una noche en un bar, y su cuerpo fue llevado furtivamente a su apartamento. Sin embargo, el antiguo socio de Morrison, Danny Sugerman, en su libro Wonderland Avenue, asegura que en su último encuentro con Courson, que tuvo lugar poco antes que su muerte por sobredosis, ella le confesó que introdujo a Morrison la droga, porque el sufría de miedo a las agujas, y ella le habría inyectado la dosis que lo mató.

Los miembros restantes continuaron por algún tiempo. Inicialmente se había pensado reemplazar a Morrison con un nuevo cantante, y se reportó que podría ser Iggy Pop. Al final, Krieger y Manzarek tomaron el lugar de Morrison cantando y lanzaron dos álbumes, Other Voices y Full Circle, y se fueron a gira.

Ambos álbumes vendieron bien, pero no como en la época de Morrison, y the Doors dejó de tocar y grabar a finales de 1972. Mientras que el primer álbum es indudablemente del estilo de The Doors, el segundo se expandió al territorio del jazz. Mientras que ningún álbum fue vuelto a editar en CD en los Estados Unidos, han sido estrenados en 2-en-1 en Alemania y Rusia.

Los Doors restantes grabaron un tercer álbum post Morrison, An American Prayer, en 1978, que proveía de música de respaldo a algunas grabaciones de Morrison recitando su poesía. El álbum fue un éxito, y se vio seguido por un mini-álbum de material en vivo no estrenado. Su perfil se mantuvo alto en los años 1980 gracias a que había una considerable cantidad de grabaciones en color de sus conciertos y actuaciones en TV, y el advenimiento de MTV y el género de los videoclips introdujo a las audiencias jóvenes a la música de The Doors, ya fuera mediante los vídeos grabados en sus conciertos, o los originales producidos por la misma banda en los 60.

En 1979, Francis Ford Coppola estrenó Apocalypse Now con "The End" usada en la banda sonora, llevando a nuevos fans a descubrir The Doors. En 1983 se estrenó Alive, She Cried que incluía una versión cover de Gloria de la banda Them.

Los años 1990 y después

En 1991, el director Oliver Stone estrenó su película The Doors protagonizada por Val Kilmer como Jim Morrison, y algunos cameos de Krieger y Densmore. Algunos que habían sido involucrados para interpretar a Morrison, eran:John Travolta, Jason Patric, Keanu Reeves, Michael O' Keefe, Gregory Harrison, Michael Hutchence (INXS) y Bono (U2). Aunque todo el mundo quedó impresionado por la imitación de Kilmer, el filme contenía numerosas equivocaciones. Los miembros de la banda criticaron el retrato de Stone a Morrison, que lo hacía parecer en ocasiones un psicópata fuera de control, en lugar del poeta rockero y sentimental que era.

En 2002 Manzarek y Krieger se reunieron y crearon una nueva versión de The Doors, llamada "The Doors of the 21st Century". La nueva alineación estaba conformada por Ian Astbury como vocalista, y Angelo Barbera de la banda de Krieger en el bajo. En su primer concierto dieron a conocer que el batería John Densmore no iba a tocar. Luego se supo que no estaba capacitado para tocar porque sufría de tinnitus. Densmore fue reemplazado originalmente por Stewart Copeland, antes miembro de The Police, pero Copeland se rompió el brazo en una caída de su bicicleta. Finalmente fue reemplazado por Ty Dennis, el baterista de la banda de Krieger.

Luego Densmore reclamó que él nunca fue invitado a tomar parte de la nueva reunión del grupo. En febrero de 2003, emitió una orden legal para evitar que sus ex compañeros usaran el nombre de "The Doors of the 21st Century". Su moción fue denegada en mayo de ese año, aunque Manzarek públicamente declaró que Densmore seguía invitado a formar parte del grupo. Más tarde se supo que la familia de Morrison, junto con Densmore, continuaron buscando la manera de evitar que usaran el nombre The Doors. En julio de 2005, la banda se cambió el nombre a "D21C". Ahora tocan bajo el nombre de Riders on the Storm, el cual también es el nombre de una banda tributo del noreste de Estados Unidos. Están autorizados a tocar bajo nombres como "antiguos Doors", y "miembros de The Doors". Densmore ha estado firme en impedir la licencia de canciones de The Doors para su uso en comerciales de TV, incluyendo una oferta de 15 millones de dólares por parte de Cadillac para usar "Break on Through (to the Other Side)", diciendo que esta sería una violación al espíritu en cual la música fue creada. Densmore escribió acerca de esto para el diario The Nation:
La gente perdía la virginidad con esta música, se colocaban por primera vez con esta música. Tengo gente que dice que hubo jóvenes que murieron en Vietnam escuchando esta música, otra gente dice que conocen a alguien que no cometió suicidio por esta música. En el escenario, cuando tocábamos estas canciones, se sentían misteriosas y mágicas. Eso no está a la venta.

Manzarek y Krieger mantienen que seguir en giras es una resurrección de The Doors, y que otorgar licencias para hacer publicidad con la música es salvar a The Doors de caer en la historia. Manzarek fue citado diciendo:
Estamos quedándonos viejos. Deberíamos, los tres, estar tocando estas canciones porque, hey, el final está siempre cerca. Morrison era un poeta, y después de todo, un poeta quiere que sus palabras sean escuchadas.

The Doors son recordados por sus chamanísticas interpretaciones. Sin embargo, algunos miembros de "la clase dirigente" sentían que la música de la banda no era más que música de rebeldes norteamericanos. Jim Morrison dijo:
Me gusta cualquier reacción que pueda causar con mi música. Simplemente cualquier cosa que deje a la gente pensando. Creo que si puedes lograr que una habitación entera llena de borrachos realmente se despierte y piense, estás haciendo algo.

Su popularidad sigue viéndose reflejada en las continuas ventas de su trabajo.

Una ola de actividades se anunciarón para 2006 con motivo del 40 aniversario del primer álbum de la banda. Vio la luz otro box-set de las grabaciones de estudio, un libro: The Doors by The Doors y el inicio de la producción de un documental autorizado acerca del grupo. The Doors junto con Grateful Dead y Joan Báez recibieron un premio por su éxito en la edición 2007 de los Grammy Awards.

A principios de enero del 2012 sale a la luz un tema inédito, She Smells So Nice, el cual será añadido en la reedición del álbum L.A. Woman cuya venta está prevista para el 24 de enero de ese mismo año.

Estilo

El estilo musical de la banda se basa en una mezcla de blues y psicodelia. Manzarek aporta elementos de música clásica y del blues (por la influencia de sus padres); Krieger, del flamenco y el baterista, del jazz junto con aportes latinos. Las letras del grupo, compuestas principalmente por Jim Morrison, se apartan en buena medida de las convenciones del pop de su época. En los textos de los primeros discos (The Doors, Strange Days), el elemento visionario propio de la psicodelia aparece expresado en imágenes que beben de la tradición romántica y simbolista, actualizándola con guiños al existencialismo y el psicoanálisis. Es destacable en referencia a lo anterior el gusto de Jim Morrison por la poesía de los simbolistas franceses, como Rimbaud o Verlaine. En los últimos discos, como L.A. Woman, la lírica de Morrison evoluciona hacia letras más sencillas e inmediatas, al estilo del blues.

Filosofía

La ambición original de The Doors es integrar satisfactoriamente elementos de diversas artes, entre ellas la poesía, el teatro y, desde luego la música tratando de representar la vida común y siempre tratar de aprovecharla. Morrison y Manzarek consideraban que el rock podía convertirse en una nueva religión dionisíaca, que ofreciera al público una experiencia comparable a la tragedia griega o el éxtasis chamánico. Aquí se percibe la influencia que tuvo para la banda y, en concreto para Morrison, la lectura de la obra de Friedrich Nietzsche. el nombre forma parte de la cita de William Blake " cuando las puertas de la percepción sean depuradas todo se reflejara ante el hombre tal cual es- infinito"

Discografía

Álbumes de estudio
The Doors 1967
Strange Days 1967
Waiting for the Sun 1968
The Soft Parade 1969
Morrison Hotel 1970
L.A. Woman 1971
Other Voices 1971
Full Circle 1972
An American Prayer 1978

Álbumes en vivo y compilaciones
Absolutely Live 1970
13 1970
Live In Boston 1970
Weird Scenes Inside The Gold Mine 1972
Alive, She Cried 1983
The Best of the Doors 1985
Live At The Hollywood Bowl 1987
The Doors (soundtrack) 1991
In concert 1991
Box Set 1997
Bright Midnight: Live in America 2002
Live in Hollywood 2002
Legacy: the Absolute Best 2003
The Very Best of The Doors 2003
Live at the Matrix 1967 2008
Live from Vancouver 1970 2010


avatar
Greek
Admin

Mensajes : 785
Puntos : 14278
Reputación : 995
Fecha de inscripción : 03/03/2012
Edad : 49
Localización : En tu corazón

Volver arriba Ir abajo

Re: Biografías de Músicos

Mensaje  Greek el Vie Mar 23, 2012 6:50 am

Genesis





Genesis es un grupo de rock progresivo británico creado en 1967. Con aproximadamente 150 millones de álbumes vendidos en todo el mundo, se encuentra entre los treinta grupos más vendedores de todos los tiempos.
En 1988 el grupo ganó el premio Grammy al "Mejor Video Musical" por "Land of Confusion". Los miembros con mayor permanencia han sido Phil Collins, Mike Rutherford y Tony Banks. En sus inicios Peter Gabriel, Anthony Phillips y Steve Hackett también fueron miembros del grupo.
Durante el año 2007 el grupo, en su versión encabezada por Phil Collins, se volvió a reunir, completando una gira en Europa y Norteamérica.

Historia

Pre - Genesis: 1963-1968
Tres estudiantes de la escuela secundaria Chartehouse de Godalming (Inglaterra), Peter Gabriel , Tony Banks y Chris Stewart, crearon el grupo musical "Garden Wall", inspirados en la música que escuchaban. Tocaban en recitales escolares y fueron ganando experiencia musical. Por su parte, existía otra agrupación musical similar, llamada "The Anon", conformada por Anthony Phillips y Mike Rutherford, ambos del mismo colegio. En 1966 deciden juntarse, creando "The New Anon". Este grupo llamó la atención de su también compañero de escuela Jonathan King, joven productor quien los promovió en la discográfica Decca, con la que firmaron su primer contrato en 1968.

Inicios: 1968–1969
El nombre del grupo, dado por Jonathan King, alude al Génesis, primer libro de la Biblia (Al principio se llamaban From Genesis to Revelation, como su primer disco, debido a que en Estados Unidos existía un grupo con el mismo nombre. Tras lanzar el disco, lograron convencer a la discográfica). Sus composiciones de ese breve período fueron lanzadas como su álbum debut From Genesis to Revelation (es decir, "Del Génesis Al Apocalipsis") en 1969. Sin embargo, King no les trae ningún beneficio, por lo cual deciden abandonarlo.

Más tarde conocen a otro productor, Tony Stratton Smith, con el que graban su segundo álbum, Trespass, con John Mayhew a la batería. Una vez terminado el disco, Anthony Phillips decide abandonar el grupo por miedo escénico, que le impedía cumplir con las obligaciones de músico en las giras que realizaban. Con él se va John Mayhew.

Época Peter Gabriel: 1970–1975

Para sustituir a Anthony Phillips y John Mayhew ingresan el baterista Phil Collins y el guitarrista Steve Hackett, cuya presencia contribuye a definir el sonido característico del grupo, como se aprecia en el siguiente álbum, Nursery Cryme. Comienza así un período de extraordinaria creatividad en el que el aspecto genuinamente teatral de sus actuaciones en vivo (cambios de vestuario, maquillaje y la particular interpretación de Gabriel como vocalista y showman) cobra tanta importancia como el musical, como puede observarse en la puesta en escena de temas tales como "The Musical Box". Las composiciones tienen la complejidad de las de otras bandas de rock progresivo.

Las letras narraban principalmente historias de fantasía, futuristas y críticas sociales. Los conciertos estaban saturados de efectos de video y sonido, principalmente de innovadores elementos visuales como luces tipo láser.
El siguiente disco de estudio, Foxtrot, confirma el estilo definido, con gran complejidad musical y literiaria y cerrado seguramente por una de las mejores composiciones de la historia del rock sinfónico: Supper's Ready, considerada por algunos críticos como una de las cinco mejores canciones del rock progresivo de todos los tiempos.

Esta primera etapa se concluye con la edición de un disco en vivo, titulado Genesis Live donde se registraron algunos de los temas que conforman los discos mencionados hasta aquí. Disco ideado como agradecimiento al público alemán por su acogida en la gira realizada por Europa, debía haber salido tan solo en ese país. Sin embargo, la demanda desde otros lugares fue tan alta que finalmente se editó a nivel mundial. Una prueba del disco llegó a fabricarse como álbum doble, incluyendo el mencionado Supper's Ready. Sin embargo, el deseo de la compañía discográfica de llegar a más oyentes hizo que se modificara, eliminando dicho tema, para convertirlo en disco sencillo.

El álbum siguiente, Selling England by the Pound, si bien siguió esta misma línea, demostró una madurez extraordinaria de la banda, lo que hizo que sea considerado por muchos el disco más representativo del período de Peter Gabriel en Genesis. Incluye, anecdóticamente, un tema cantado por Phil Collins: "More Fool Me".
El lanzamiento del ambicioso LP doble llamado The Lamb Lies Down on Broadway a finales de 1974 marcó la última participación de Peter Gabriel en el grupo. El disco es un álbum conceptual donde Gabriel relata extraordinariamente la historia de Rael en busca de su hermano. Salvando The Carpet Crawlers, no hay en él temas que hayan logrado gran relevancia comercial, en lo cual coincide con la altísima calidad artística durante toda la etapa Gabriel; no obstante, debe tenerse en cuenta que se trata de una obra bisagra para el rock progresivo mundial, tan solo comparable con otras tales como Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band de The Beatles , Dark Side of the Moon de Pink Floyd , In the Court of the Crimson King de King Crimson , Crime of the Century de Supertramp , Led Zeppelin IV de Led Zeppelin , Paranoid de Black Sabbath o Tommy de The Who.
En agosto de 1975, al terminar la gira de presentación de este disco, Gabriel anunciaría que, por motivos personales, abandona la banda, cerrando la brillante etapa inicial. Pueden considerarse de transición los dos discos siguientes, todavía con Steve Hackett en la formación, sumados al disco en vivo grabado durante las giras de presentación de los mismos, titulado Seconds Out.

Época Phil Collins: 1976–1996

Ante rumores de separación definitiva se realizaron audiciones para reemplazar al cantante, lo cual parecía una tarea destinada al fracaso. En los ensayos de los temas compuestos para el nuevo disco, ante la ausencia de vocalista, fue el segundo cantante de la anterior etapa, Phil Collins, quien ensayó las voces, convenciéndose el grupo de que podía ser una opción razonable, apoyado para el directo con su experiencia como actor teatral en sus años adolescentes.

La banda regresó a los estudios como un cuarteto en octubre de 1975 para comenzar su nuevo álbum. El resultado fue A Trick of the Tail, que llegó a ser número 3 en Inglaterra y número 31 en Norteamérica (el mejor puesto conseguido por un álbum de Genesis hasta entonces). El éxito confundió completamente a algunos críticos que no podían concebir a Genesis sin Peter Gabriel. Para las presentaciones en vivo, el grupo contrató a un baterista, ya que Phil Collins debía cantar. Bill Bruford, antiguo miembro de Yes y King Crimson, se unió al grupo durante unos meses en 1976, sin que la reunión llegara a cuajar más allá. Fue el baterista de Weather Report y miembro de la banda de Frank Zappa, Chester Thompson, quien llegó como batería para quedarse durante las dos siguientes décadas.

La partida de Hackett

En septiembre de 1976, el grupo empezó a grabar Wind & Wuthering. El segundo disco sin Peter Gabriel salió a la venta en Estados Unidos a finales de ese año, y en la primera semana de 1977 en el Reino Unido. Esta obra y la anterior serían presentadas durante una gira que concluiría con la edición del álbum en vivo Seconds Out. Al finalizar la gira, Steve Hackett anunció su partida del grupo, considerando que su peso específico como compositor en la banda no era el adecuado, aunque manteniendo una buena relación con los demás. Esto se demostró en su primer disco en solitario en 1975, aún en paralelo a Genesis, Voyage of the Accolyte, en el cual Collins y Rutherford tuvieron un papel fundamental, hasta el punto de considerarse por algunos críticos como "el disco que Genesis debió sacar tras la partida de Gabriel". Se contrató a un nuevo guitarrista, Daryl Stuermer, para proseguir las giras americanas y europeas, ocupándose también del bajo en algunos temas, en los que el propio Rutherford tomaba el papel de guitarrista.

En cualquier caso, para los discos de estudio el grupo quedó reducido a los tres miembros históricos oficiales: Tony Banks se encargaría de los teclados, Mike Rutherford tanto de la guitarra como del bajo, y Phil Collins como batería y cantante.

Cambio de Sonido

En 1978, un Genesis reducido a trío lanzó And Then There Were Three (Y Luego Quedaron Tres), obteniendo un relativo éxito en las radios con el tema Follow You, Follow Me. La accesibilidad de su propuesta musical iba en aumento. El siguiente disco en lanzarse, con mayores aportaciones de Phil Collins como compositor, será Duke, el cual se convirtió en su primer álbum número 1 en Inglaterra mientras ascendía al puesto número 11 en Norteamérica, incluyendo el tema de Collins "Misunderstanding" y el gran éxito "Turn It On Again", que no ha desaparecido de las emisoras comerciales de música en casi treinta años. En la década de los ochenta se editan Abacab, Genesis e Invisible Touch. De este último trabajo salen "Tonight, Tonight, Tonight", "Invisible Touch", "In Too Deep" y "Land of Confusion", que además fue galardonado por tener uno de los mejores videos de ese año, con las figuras animadas en Spitting Image de Collins, Banks y Rutherford además de una original caricaturización de Ronald Reagan y Margaret Tatcher como protagonistas. Simultáneamente se suceden los discos paralelos de todos los miembros de la banda. Collins, desde su otro grupo Brand X en los setenta, y tras su éxito con In The Air Tonight, va ganando peso como cantante en solitario en el panorama musical de los ochenta, al mismo tiempo que consolida su posición de igualdad compositiva en el grupo con Banks y Rutherford. Este último obtiene también algunos éxitos con su grupo Mike & The Mechanics, con Paul Carrack como voz, y Banks presenta varios discos, primero con bandas sonoras, luego con temas más pop.

El último disco de estudio de esta etapa fue We Can't Dance (1991), que continúa la línea que el anterior con variados estilos característicos del grupo, aunque el peso de Collins es quizá mayor que en los anteriores, y la producción eleva (metafórica y físicamente) el volumen de la batería. Este álbum debutó como número uno en Inglaterra y alcanzó el número cuatro en Estados Unidos. "No Son of Mine" y "Jesus He Knows Me" treparon con facilidad a los rankings mundiales. Este álbum es uno de los trabajos más vendidos de Genesis hasta la fecha.

Época Ray Wilson: 1997–1998

La exitosa carrera como solista de Phil Collins y su vida familiar lo llevó a abandonar el grupo en 1996. Sin embargo, la banda aún logra lanzar en 1997 el disco Calling All Stations con Ray Wilson como cantante principal. El disco se vendió bastante en Europa y el sencillo "Congo" alcanzó la posición 29; pero ni los críticos ni los fans se preocuparon por el disco en Estados Unidos, en donde se vendió poco y no tuvo éxito. La gira en EE.UU. fue cancelada por eso. Tras finalizar la gira europea, los dos miembros originales despiden a Wilson y deciden retirarse temporalmente.

En 1998 se lanza la compilación de cuatro discos Genesis Archive 1967-75, en la que se presenta material inédito junto a grabaciones en vivo de la era Peter Gabriel (incluyendo una presentación completa en vivo del clásico The Lamb Lies Down On Broadway, Shrine Auditorium, Los Ángeles, 24 de enero de 1975). Después, en 1999, salió Turn It On Again: The Hits, una compilación que contenía la mayoría de los grandes éxitos de la era Phil Collins, además de "I Know What I Like", de Selling England by the Pound y una nueva versión de "The Carpet Crawlers" interpretada por la alineación de la época Peter Gabriel (aunque los cinco miembros no estuvieron juntos en el mismo estudio durante la grabación; grabaron sus partes en estudios distintos).

En el 2000 salió otra compilación, esta vez de tres discos: Genesis Archive #2: 1976-1992, que contenía material de la época en la que Phil Collins fue la voz principal.

Turn It on Again: 2007

Entre junio y octubre del año 2007 Genesis desarrolló la gira "Turn It On Again", devolviéndolos a los escenarios. Esta gira constaba inicialmente de 20 conciertos en Europa y 20 en Norteamérica, que posteriormente fueron ampliados dado el masivo éxito de la convocatoria. En el repertorio se incluyeron temas de todas las etapas de la banda, con un gran aparato escénico, obra de Mark Fisher, famoso por haber trabajado en las mejores giras de U2, Pink Floyd y Rolling Stones.

Aunque nunca perdieron el contacto, realizando incluso una pequeña actuación en 2004 como trío, es este año el momento de la reunión de la formación más estable de la banda, con Thompson y Stuermer acompañando a Banks, Collins y Rutherford. Los ex integrantes de la época dorada, Peter Gabriel y Steve Hackett, no participan en esta gira, aunque Hackett ha manifestado en diversas ocasiones su disposición a estudiar una posible unión, y Gabriel asegura que no excluye la posibilidad de unirse a ellos de nuevo, pero en el futuro, pues actualmente quiere concentrarse en su propio trabajo.

Paralelamente a esta gira se reeditó la discografía de Genesis en formato SACD y DVD con audio de alta definición, sonido envolvente y remasterizado.

Además, la página The Music edita cada uno de los conciertos de la gira en su Encore Series.

El 7 de julio de 2007 el grupo inaugura el concierto "Live Earth 07/07/07" en el estadio de Wembley, Londres.

Fruto de los conciertos realizados en la nueva gira, el 20 de noviembre se editó un disco doble en directo Live Over Europe 2007, con una selección de los temas interpretados en los diferentes conciertos europeos, mientras que el 26 de mayo del año 2008 lanzaron el DVD del concierto gratuito que se celebró en Roma titulado como "When in Rome".

Formaciones

1967-1968

  • Peter Gabriel - voz, flauta.
  • Tony Banks - teclados, guitarra acústica.
  • Mike Rutherford - bajo, guitarra.
  • Anthony Phillips - guitarra, voces.
  • Chris Stewart - batería.


1968-1969

  • Peter Gabriel - voz, flauta.
  • Tony Banks - teclados, guitarra acústica.
  • Mike Rutherford - bajo, guitarra.
  • Anthony Phillips - guitarra, voces.


1969-1970

  • Peter Gabriel - voz, flauta..
  • Tony Banks - teclados, guitarra de 12 cuerdas/doble.
  • Mike Rutherford - bajo, guitarra.
  • Anthony Phillips - guitarra, voces.
  • John Mayhew - batería.


1970-1975

  • Peter Gabriel - voz, flauta, percusión.
  • Phil Collins - batería, voces.
  • Tony Banks - teclados, guitarra de 12 cuerdas, voces.
  • Mike Rutherford - bajo, guitarras, voces.
  • Steve Hackett - guitarras.


1976-1977

  • Phil Collins - voz, batería.
  • Tony Banks - teclados, voces.
  • Mike Rutherford - bajo, guitarras, voces.
  • Steve Hackett - guitarras.
  • Bill Bruford - batería (Tour 1976).
  • Chester Thompson - batería (Tour 1977 en adelante).


1978-1992, 2007

  • Phil Collins - voz, batería.
  • Tony Banks - teclados, voces.
  • Mike Rutherford - bajo, guitarra, voces.
  • Daryl Stuermer - guitarra, bajo, voces (sólo en vivo).
  • Chester Thompson - batería (sólo en vivo).


1997-1999

  • Ray Wilson - voz.
  • Tony Banks - teclados, voces.
  • Mike Rutherford - guitarra, bajo, voces.
  • Nick D'Virgilio - batería (albúm "Calling All Stations").
  • Nir Zidkyahu - batería (albúm "Calling All Stations" y en vivo).
  • Anthony Drennan - guitarra (sólo en vivo).
  • John Silver - batería.






avatar
Greek
Admin

Mensajes : 785
Puntos : 14278
Reputación : 995
Fecha de inscripción : 03/03/2012
Edad : 49
Localización : En tu corazón

Volver arriba Ir abajo

Re: Biografías de Músicos

Mensaje  Paula el Lun Abr 22, 2013 1:23 am

NINA SIMONE


Eunice Kathleen Waymon, conocida como Nina Simone, fue una cantante, compositora y pianista estadounidense de jazz, blues, rhythm and blues y soul. Se la conoce con el sobrenombre de «High Priestess of Soul».

Nació en Tryon, Carolina del Norte el 21 de febrero de 1933. La sexta de siete hermanos, en el seno de una familia pobre.
Nina demostró su talento desde muy pequeña. Ya a los 4 años tocaba el piano de oido, y a los 10 presenta su primer recital. Más adelante, al igual que muchos otros cantantes afroamericanos, Simone participó cantando en la Iglesia local, demostrando sus virtudes vocales. Su madre, un ministro metodista, y su padre, un manitas y predicador, no podían pasar por alto el don de la joven para la música.

Capaz de reproducir prácticamente cualquier cosa por el oído, pronto estudió música clásica con una inglesa llamada Muriel Mazzanovich, que se había trasladado a la pequeña ciudad del sur. Fue a partir de ahí, que Eunice desarrolló un amor de por vida por músicos como Johann Sebastian Bach, Chopin, Brahms, Beethoven y Schubert.


A los diecisiete años, después de graduarse, Simone se mudó a Filadelfia, en el estado de Pensilvania, donde dio clases de piano y acompañó a varios cantantes. Gracias al apoyo de varios patrocinadores, entre ellos su antiguo profesor de música, pudo estudiar piano en la prestigiosa Escuela de Música Juilliard en la ciudad de Nueva York, pero la falta de recursos le impidió alcanzar su sueño de convertirse en el primer pianista negra de concierto de los Estados Unidos.
Más tarde se presentó a una prueba para estudiar piano en el Instituto Curtis, pero fue rechazada. Simone estaba convencida de que se la rechazó por ser negra. De Nueva York su familia se trasladó a Filadelfia, donde intentó conseguir una beca, pero fue rechazada también por el color de su piel.

Para sobrevivir, ella comenzó a enseñar música a los estudiantes locales.

En 1954, para buscar ingresos económicos, decidió cantar en el Midtown Bar & Grill en Pacific Avenue en Atlantic City, New Jersey. Se corrió la voz acerca de este nuevo cantante y pianista que se sumerge en los cancioneros de Gershwin, Cole Porter, Richard Rodgers, y similares, transformando canciones populares de la época en una síntesis única de jazz, blues y música clásica. Sus tonos ricos y profundos de terciopelo vocales, combinadas con su dominio del teclado, pronto atrajo asistentes del club por toda la costa este. Con el fin de ocultar el hecho de que ella estaba cantando en los bares, la madre de Eunice se referiría a la práctica como "trabajo en el fuego del infierno", durante la noche Eunice Waymon adoptó el nombre artístico de Nina Simone tomando el apodo de "Nina", que significa "pequeño" en español y "Simone", de la actriz Simone Signoret a la que había visto en la película Casque d'or.

A la edad de veinticuatro años, Nina llamó la atención de la industria discográfica
Se dio a conocer a un público más amplio gracias a su interpretación de la canción I Love You Porgy de George Gershwin, que se convertiría en su único éxito del Top 40 de Estados Unidos. Después vendría el sencillo My Baby Just Cares for Me", previamente registrado por Nate King Cole, Count Basie y Woody Herman. La canción fue utilizada por Chanel en un perfume comercial en Europa en la década de 1980 y se convirtió en un gran éxito para Nina, un gráfico británico Topper en el # 5, y por lo tanto un elemento básico de su repertorio para el resto de su carrera.


Durante los 60, Simone estuvo involucrada en el Movimiento por los Derechos Civiles y grabó algunas canciones políticas, incluyendo To Be Young, Gifted and Black (interpretada después por Aretha Franklin y Donny Hathaway), Blacklash Blues, Mississippi Goddam (en respuesta al asesinato de Medgar Evers y al ataque terrorista a la iglesia de Birmingham, Alabama, en 1963, por parte de supremacistas blancos y que se saldó con la muerte de cuatro niñas negras), I Wish I Knew How it Would Feel to be Free y Pirate Jenny, de Kurt Weill, situada en un hotel del sur.
En 1961, Simone grabó una versión de la canción tradicional House of the Rising Sun, que también grabarían después Bob Dylan y The Animals. Otras canciones que la hicieron famosa fueron I Put a Spell on You, Here Comes the Sun de Los Beatles, Four Women, I shall be released, y Aint got no (I got life). La versatilidad de Nina como artista es evidente en toda su música, que frecuentemente tenía una simpleza equivalente a la trova. En un mismo concierto, iba de los temas tipo religioso (gospel) al blues y al jazz, de temas como For All We Know, números de estilo europeo clásico y figuras de contrapunto.

En 1968 el tema Sinnerman de Simone apareció en la película de Norman Jewison The Thomas Crown Affair, lo que llevó su música a audiencias mayores. La nueva versión de la película rodada en 1999 con Pierce Brosnan y Rene Russo volvió a incluir a Simone. Otras películas han utilizado Sinnerman en su banda sonora, como Inland Empire de David Lynch y Cellular de David R. Ellis en 2004.

La década de 1960 llegó a su fin, Simone estaba cansada de la escena musical estadounidense y del que el país estuviese profundamente dividido por política racial.
Vivió en varios países diferentes, entre ellos Liberia, Suiza, Inglaterra y Barbados antes de asentarse finalmente en el sur de Francia en 1992. Durante años, Simone también tuvo problemas con sus finanzas, y se enfrentaron con los gerentes, sellos discográficos, y el Servicio de Impuestos Internos.

En 1992, apareció la autobiografía de Nina Simone titulada I Put a Spell on You (ISBN 0-306-80525-1).
Sus acompañantes habituales durante esta época fueron Lepoldo Fleming (percusión), Tony Jones (bajo), Paul Robinson (batería), Xavier Collados (teclado) y su director musical Al Schackman (guitarra).
Nina fue una de las estrellas de festivales como el Nice Jazz Festival de 1997 y el Thessalonica Jazz Festival en 1998.
En el Guinness Blues Festival en Dublín en 1999 su hija, Lisa Celeste, actuó como "Simone", cantando a dúo con su madre algunos temas.


El 24 de julio de 1998, Nina Simone fue la invitada especial en la fiesta del 80 cumpleaños de Nelson Mandela. El 7 de octubre de 1999 recibió un premio a sus logros artísticos de toda una vida en Dublín.
En 2000, recibió el título de Honorary Citizenship de Atlanta, el Diamond Award for Excellence in Music de la Association of African American Music de Filadelfia y el Honorable Musketeer Award de la Compagnie des Mousquetaires d'Armagnac de Francia.

En el 2009, incorporaron la canción "Pirate Jenny (Live)", para el soundtrack de la película Watchmen.

Murió el 21 de abril de 2003, en su casa de Carry-le-Rouet, Francia. A su funeral asistieron Miriam Makeba, Patti Labelle, poeta Sonia Sánchez, actor Ossie Davis, y cientos de otros. Elton John envió una ofrenda floral con el mensaje: "Tú eras el más grande y te quiero". Y el legado continúa ...


Discografía

Año Álbum
1958 Little Girl Blue
1959 Nina Simone And Her Friends
1959 The Amazing Nina Simone
1959 Nina Simone At Town Hall
1960 Nina Simone At Newport
1960 Forbidden Fruit
1962 Nina At The Village Gate
1962 Nina Simone Sings Ellington
1963 Nina’s Choice
1963 Nina Simone At Carnegie Hall
1964 Folksy Nina
1964 Nina Simone In Concert
1964 Broadway-Blues-Ballads
1965 I Put A Spell On You
1965 Pastel Blues
1966 Nina Simone With Strings
1966 Let It All Out
1966 Wild Is The Wind
1967 High Priestess Of Soul
1967 Nina Simone Sings The Blues
1967 Silk & Soul
1968 Nuff Said
1969 Nina Simone And Piano
1969 To Love Somebody
1970 Black Gold
1971 Here Comes The Sun
1972 Emergency Ward
1974 It Is Finished
1978 Baltimore
1980 The Rising Sun Collection
1982 Fodder On My Wings
1985 Nina’s Back
1985 Live & Kickin
1987 Let It Be Me
1987 Live At Ronnie Scott's
1993 A Single Woman
Additional
1969 A Very Rare Evening
2003 Gold
2004 Nina Simone’s Finest Hour
2005 The Soul of Nina Simone
2006 The Very Best of Nina Simone
2006 Remixed and Reimagined
2009 Watchmen

avatar
Paula
Admin

Mensajes : 1800
Puntos : 15249
Reputación : 803
Fecha de inscripción : 03/03/2012
Edad : 35

Volver arriba Ir abajo

Re: Biografías de Músicos

Mensaje  Paula el Lun Mayo 06, 2013 8:08 am

Jim Croce

James Joseph Croce, nacido el 10 de enero de 1943 y fallecido el 20 de septiembre de 1973 en un accidente de avión, fue un cantante y compositor estadounidense.

Jim Croce nació en el sur de Filadelfia, Pennsylvania. A la edad de seis años, estaba tocando "Dama de España" en el acordeón y cantando en eventos sociales y reuniones familiares.Con el tiempo aprendió a tocar la guitarra.




Croce asistió a la Escuela Secundaria Superior Darby en Drexel Hill, y se graduó en 1960. Después de un breve paso por el Ejército de los EE.UU., se matriculó en la Universidad de Villanova en Pennsylvania en 1961. No fue hasta su primer año de universidad que Croce comenzó a tomar la música más en serio. Tocó en varias bandas, tocando en fiestas de las fraternidades y en otras universidades cerca de Filadelfia. Durante este tiempo, una de las bandas de Croce fue elegida para una gira de divisas de África y el Medio Oriente. Más tarde describió la experiencia con cariño, diciendo: "Nos comimos lo que la gente comía, vivía en el bosque, y tocamos nuestras canciones. Por supuesto que no hablan Inglés por allá, pero si te refieres a lo que estás cantando, la gente entender ".

Después de graduarse, trabajó Croce en equipos de construcción y enseñó guitarra a un campamento de verano. También trabajó como profesor en una escuela secundaria en el sur de Filadelfia.

Croce conoció a su futura esposa, Ingrid Jacobson, en una fiesta de la música folk. Se casaron en 1966. Desde mediados de la década de 1960 hasta principios de 1970, Croce y Jacobson actuaron como dúo.

Al principio, sus actuaciones incluyen canciones de artistas como Ian y Sylvia , Gordon Lightfoot , Joan Baez , y Woody Guthrie , pero con el tiempo comenzó a escribir su propia música. Durante este tiempo, Croce consiguió su primer trabajo de larga duración en un bar rural y restaurante de carnes en Lima, New York , llamado The Paddock Riddle



En 1968, el productor discográfico Tommy West, que había asistido a Villanova con Croce, animó Croce y Jacobson para probar suerte en la ciudad de Nueva York. West presentó a la pareja a Terry Cashman, quien ayudó a producir su primer álbum, Jim y Ingrid Croce , con Capitol Records

Croce y su esposa se desilusionaron tanto con el negocio de la música y de la ciudad de Nueva York,que vendieron todas menos una guitarra para pagar el alquiler y se trasladaron al campo de Pennsylvania de Lyndell, donde tuvieron a su hijo, Adrian James, en 1971



Croce consiguió un trabajo conduciendo camiones y haciendo trabajos de construcción para pagar las cuentas sin dejar de escribir canciones, a menudo sobre los personajes que se reunían en los bares y paradas de camiones y sus experiencias en el trabajo, los cuales proporcionan el material para esas canciones como "Big Wheels" y " Workin 'en el Blues Car Wash

En 1970, uno de los antiguos amigos de la universidad de Croce, Joe Salviuolo, también conocido como Sal José, presentó Croce a Maury Muehleisen, un pianista de formación clásica, el guitarrista y el cantante y compositor de Trenton, Nueva Jersey.
Inicialmente, Croce tocaba la guitarra en los conciertos de Muehleisen, pero con el tiempo sus papeles se invirtieron Muehleisen en la guitarra y la música de Croce.



Sal alentó al dúo para reunirse y grabar nuevas canciones, y para enviarlos a ABC Records. Siguiendo el consejo de Sal, Croce y Muehleisen grabaron sus canciones y los enviaron a ABC, y pronto se reunieron con el productor Terry Cashman de la productora West Tommy en la ciudad de Nueva York. En 1972, firmó con ABC Registros Croce y lanzó su primer álbum en solitario.

El álbum fue un éxito inmediato, y se convirtió en uno de los Top 20 de álbumes en los Estados Unidos.

De 1972 a 1973, Croce llevo a cabo en más de 250 conciertos, e hizo apariciones en programas de televisión.



El jueves 20 de septiembre de 1973, el día en que su única ABC " I Got a nombre fue puesto en libertad ", Croce, Muehleisen, y otras cuatro personas murieron en el accidente de un chárter E18S Beechcraft al despegar del Aeropuerto Regional Natchitoches en Natchitoches, Louisiana . Croce acababa de terminar un concierto en la Universidad de Northwestern State 's Prather Coliseum en Natchitoches y fue volar a Sherman, Texas , para un concierto en Austin College , cuando el avión se estrelló cerca de una hora después del final del concierto.
Croce está enterrado en el cementerio de Haym Salomon en Malvern, Pennsylvania.

Discografía
Jim Croce fue un cantante en la que se han publicado un total de cinco álbumes de estudio y 11 individuales por él. Su título póstumo quinto álbum de estudio-publicado se completó justo antes de su muerte 1973, y seis singles también se publicaron después de su muerte, uno de los cuales fue " Tiempo en una botella "de un álbum anterior Usted no perder el tiempo con Jim . Su popularidad siguió mucho después de su muerte con el lanzamiento de numerosos álbumes recopilatorios y "nuevo" material (de las bóvedas) está raciones de forma esporádica en los últimos años. Dos discos en vivo, así como un DVD en vivo, también se han publicado.

• Facetas (1966)
• Jim & Ingrid Croce (con Ingrid Croce) (1969)
• Usted no perder el tiempo con Jim (1972)
• Vida & Times (1973)
• I Got a Name (1973)
• Photographs & Memories - Sus Greatest Hits (1974)
• Down the Highway (1975)
• Las caras que he sido (1975)
• Tiempo en una botella / Greatest Love Songs de Jim Croce (1976)
• Jim Croce en vivo: El tour final (1989)
• La Colección 50 Aniversario (1992)
• Inicio Grabaciones: Americana (2003)
• Classic Hits (2004)
• ¿Has oído (2006)

avatar
Paula
Admin

Mensajes : 1800
Puntos : 15249
Reputación : 803
Fecha de inscripción : 03/03/2012
Edad : 35

Volver arriba Ir abajo

Re: Biografías de Músicos

Mensaje  Contenido patrocinado


Contenido patrocinado


Volver arriba Ir abajo

Volver arriba

- Temas similares

 
Permisos de este foro:
No puedes responder a temas en este foro.