El arte de pintar

“Guernica” de Pablo Ruiz Picasso



Guernica es un famoso cuadro de Pablo Picasso, pintado en los meses de mayo y junio de 1937, cuyo título alude al bombardeo de Guernica, ocurrido el 26 de abril de dicho año, durante la Guerra Civil Española. Fue realizado por encargo del Director General de Bellas Artes, Josep Renau a petición del Gobierno de la República Española para ser expuesto en el pabellón español durante la Exposición Internacional de 1937 en París, con el fin de atraer la atención del público hacia la causa republicana en plena Guerra Civil Española.
En la década de 1940, puesto que en España se había instaurado el régimen dictatorial del general Franco, Picasso optó por dejar que el cuadro fuese custodiado por el Museo de Arte Moderno de Nueva York, aunque expresó su voluntad de que fuera devuelto a España cuando volviese al país la democracia. En 1981 la obra llegó finalmente a España. Se expuso al público primero en el Casón del Buen Retiro, y luego, desde 1992, en el Museo Reina Sofía de Madrid, donde se encuentra en exhibición permanente
Es un grito contra el horror y la barbarie de la guerra. De cualquier guerra. De todas las guerras.

“Paseo a orillas del mar” de Joaquín Sorolla



Paseo a orillas del mar es uno de los cuadros más famosos realizados por Sorolla, adscrito al postimpresionismo. En esta magnífica obra de Joaquín Sorolla vemos a su mujer y la hija mayor del pintor -las dos de nombre Clotilde- paseando al atardecer por la playa de Valencia mientras la brisa marina hace ondear sus ropas.
Este cuadro fue realizado en el verano de 1909 a la vuelta de la cuarta exposición internacional de Sorolla a comienzos de ese mismo año en varias ciudades de Estados Unidos. El éxito alcanzado se deja entrever en una obra repleta de vitalidad, colorido y que expresa un extraordinario positivismo.
En la composición hay tres colores protagonistas: el azul del mar, el ocre de la arena y blanco sobre blanco.
En el cuadro aparecen las características esenciales de la pintura de Sorolla; luminosidad, colorido, captación de la luz del sol y sus inevitables juegos de luces y sombras además de su afición al mar y a los paisajes valencianos.

“El dormitorio” de Van Gogh



El título que Van Gogh le dio a esta composición fue simple: El dormitorio (en francés: La Chambre à coucher). Hay tres versiones auténticas descritas en sus cartas, que se distinguen con facilidad entre ellas por los cuadros que hay a la derecha de la pintura.
El cuadro representa el dormitorio de Van Gogh en el número 2 de la Place Lamartine en Arlés, Bocas del Ródano, Francia, conocida como su Casa Amarilla. Era la primera habitación propia que tenía Van Gogh.1 En ella estuvo en 1888-1889. Lo pintó antes de la llegada a Arlés de Paul Gaugin, amigo del artista: el encuentro habría hecho nacer luego un círculo artístico.
La puerta a la derecha se abría a la planta superior y la escalera, la puerta de la izquierda servía para la habitación de invitados que preparó para Gauguin. Sobre la pared del frente se abre una ventana, por encima de una mesita, ligeramente descentrada. Esta ventana daba a la Place Lamartine y sus jardines públicos. Pero el panorama más allá de la ventana no puede verse
La habitación no era rectangular sino trapezoidal, con un ángulo obtuso en la esquina izquierda de la pared frontal y un ángulo agudo en la derecha.2 Van Gogh evidentemente no dedicó mucho tiempo a este problema, simplemente indicó que allí, de alguna manera, había una esquina.
Es un alojamiento modesto, con poco mobiliario, hecho de madera de pino: una cama a la derecha, un perchero, dos sillas, una mesilla de madera en el ángulo y cuadros en las paredes.1
Una fuerte perspectiva, con la típica leve torsión, propia del autor, refleja sus ideas sobre la pintura.

“La Masia” de Joan Miró



La masía es una pintura al óleo, realizada por el pintor Joan Miró entre los años 1921 y 1922, constituye una especie de inventario de la masía que poseía su familia desde el año 1910 en la población de Montroig. El mismo Miró consideraba esta obra como una pieza clave en su carrera artística, describiénola como «un resumen de toda mi vida en el campo». Está conservada en la National Gallery of Art, Washington DC, donde fue donada por Mary Hemingway en 1987.
Bastan tres tonos, amarillo, rojo y negro para representar las siluetas de los elementos que se muestran en esta obra. Todos ellos descansan sobre un cielo azul intenso que intenta trasladar a todo aquel que se asome a este cuadro a la Cataluña más profunda
La Masía, es ni más ni menos que un intento de reflejar la granja de sus abuelos, en Tarragona, lugar al que él acudía con frecuencia durante su infancia.

"El Gran Canal de Venecia" de Edouard Manet



Antes de finalizar el verano de 1875 Manet llegó a Venecia, quedando impresionado con la luminosidad y la atmósfera de la Ciudad de los Canales. Realizó dos obras en las que el Gran Canal y las góndolas serán protagonistas absolutos de la composición.
En una composición perfectamente centrada, un gondolero maneja su embarcación por el Gran Canal y es captado en el momento de pasar entre los famosos postes coloreados que sirven para atracar las barcas. Los palacios del fondo, el agua con sus matices cromáticos y el aspecto impresionista de las pequeñas pinceladas ejecutadas con rapidez y precisión hacen de esta escena una delicia para la vista.
El interés por la luz tomada directamente del natural sitúa a Manet en estrecho contacto con Monet. El estilo rápido, con toques de color en forma de pequeñas comas, se adueña de la composición, en franca sintonía con el Impresionismo.

” La clase de danza” de Edgar Degas



A partir de comienzos de los años 1870 y hasta su muerte, las bailarinas ejerciendo durante los ensayos o en reposo, se convierten en el tema de predilección de Degas, incansablemente recuperado con numerosas variaciones en las poses y los gestos.
Más que el escenario y las luces de candilejas, es el trabajo previo que le interesa: en entrenamiento. Aquí, la sesión se acaba: los alumnos están agotados, se estiran, se contorsionan para rascarse la espalda, arreglan su peinado o su ropa, un pendiente, un lazo, poco atentas al inflexible profesor Jules Perrot, que había sido una estrella del ballet parisiense.

La clase de danza (La classe de danse) es una de las pinturas donde Degas comienza a describir el movimiento de forma magistral. Se trata de una composición cuidadosamente construida. La escena se desarrolla en una pieza organizada según una perspectiva muy marcada que permite una lectura clara del espacio.

"La gallina ciega" de Francisco de Goya



La gallina ciega (1789) es uno de los cartones que servían como modelo para las manufacturas de la Real Fábrica de Tapices de Santa Bárbara de Francisco de Goya y estaba destinado a la decoración del dormitorio de las infantas del Palacio de El Pardo y fue realizado poco después de que accediera al trono de España el rey Carlos IV. Se trata de la cuarta serie de cartones que Goya realizó entre 1788 y 1792, dedicados al ocio y las diversiones campestres. De este cartón se conserva un boceto previo en el Museo del Prado.
El cuadro muestra muchachos y muchachas jugando al popular pasatiempo de «la gallina ciega», con un personaje vendado en el centro que intenta tentar a los demás, que bailan en corro, con una gran cuchara.
El cuadro es un exponente decantado del estilo galante o Rococó, y sus rasgos de estilo característicos: vivacidad, inmediatez, curiosidad, cromatismo de suaves rosas, texturas de gasa en las faldas de las mujeres, un paisaje de fondo luminoso y el reflejo de un momento encantador de disfrute de la vida no exento de posibilidades de flirteo

“El caballero de la mano en el pecho” de Domenikos Theotokopoulos «El Greco».



El caballero de la mano en el pecho es un óleo sobre lienzo pintado en fecha desconocida, entre 1577 y 1584, su primera etapa española.
Igualmente la persona retratada era de identidad desconocida, hoy se considera que es el1 marqués de Montemayor y notario mayor de Toledo, pero hasta hace poco se ha querido ver que podía ser una configuración de Miguel de Cervantes Saavedra
Es uno de los retratos españoles más conocidos en el mundo. Un caballero con la mano en el pecho mira al espectador como si hiciese un pacto con él. La postura de la mano parece un gesto de juramento.2 Este hombre está vestido de forma fina y elegante y porta una espada dorada. De oro es también el medallón con cadena que lleva. En su tiempo se convirtió en la representación clásica y honorable del español del Siglo de Oro.
En la reciente restauración que se hizo, se descubrió que el fondo no era negro sino gris claro, lo que resalta la figura, además de una luz exterior que ilumina el rostro. Igualmente, puso en evidencia los ricos matices en el ropaje oscuro, lo que confirma la influencia de la escuela veneciana